Les anniversaires de la musique classique

10 mars 1892 Naissance d'Arthur Honegger

2010-03-10T01:13:00.003+01:00

Arthur Honegger est un compositeur suisse, parisien d'adoption (bien qu'il ait conservé toute sa vie la nationalité suisse), né au Havre le 10 mars 1892 et mort à Paris le 27 novembre 1955.
Très attaché au renouveau du répertoire, il a été influencé par Igor Stravinski, sur lequel il a écrit un essai en 1939. Compositeur prolifique et désireux d'illustrer la transformation de la société, notamment par la technique ou le sport, Honegger écrit pour le théâtre, la radio et le cinéma aussi bien que pour la salle de concert : ballets, chansons, concertos, musique de chambre, musiques de films, opéras, oratorios, symphonies.

En 1921, il connaît le succès avec le Roi David, pièce de René Morax, qu'il transforme en oratorio en 1924. Son œuvre la plus célèbre, créée en 1923, est Pacific 231, premier de trois mouvements symphoniques et dédiée à la locomotive à vapeur éponyme. Les deux autres mouvements du triptyque s'intitulent Rugby et Mouvement symphonique n° 3. Durant l'Occupation, refusant de quitter Paris, il réagit à la dégradation de la situation internationale en écrivant ses Trois Poèmes de Claudel, les Trois Psaumes et sa Symphonie n° 2 pour orchestre à cordes et trompette ad libitum. Composée en 1941, ses mouvements évoquent la mort, le deuil, puis la libération. Sa Symphonie n° 3, intitulée liturgique, son oratorio Jeanne d'Arc au bûcher (1938) d'après un texte de Paul Claudel et son dramatique Roi David (1921) initialement destiné au théâtre et transformé en oratorio en 1924 soulignent la religiosité de ce compositeur protestant. Parmi ses œuvres qui ont le plus compté pour lui, il citait aussi Antigone (1926).

En 1953, il devient membre de l'Académie et est nommé Grand Officier de la Légion d'honneur l'année suivante. Outre la composition, il a été critique musical et professeur à l'École Normale de Musique de Paris. Il est également l'un des membres du groupe des Six, avec Georges Auric, Louis Durey, Darius Milhaud, Francis Poulenc et Germaine Tailleferre. Outre les Six, il a fréquenté Paul Claudel, Jean Cocteau, Max Jacob, Pierre Louÿs, Pablo Picasso, Erik Satie et Paul Valéry, dont certains lui ont fourni des sujets pour ses œuvres.
Voici quelques extraits de ses œuvres:
Musique sacrée
Oratorio Jeanne au bucher (final)
http://www.youtube.com/watch?v=_uiinvNx7jc&NR=1
Concerto pour violoncelle par Julian Lloyd Webber
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=gE8-Jm5VlhA
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=TdAU4fQNJ1I&feature=related
Musique pour orchestre
Pièce pour orchestre Pacific 231
http://www.youtube.com/watch?v=P5rX0EjPqig&NR=1
Musique de chambre
Concertino pour piano et orchestre par Ilana Vered
http://www.youtube.com/watch?v=7uRnAG3wJpE&NR=1

2010 Année Chopin

2010-03-05T20:50:00.002+01:00

Suite des nouvelles du concours Chopin de Varsovie que nous avons déjà eu l'occasion de présenter. Une liste de 160 candidats sur les 360 de départ a été étbalie par le jury de pré-sélection. Ces candidats ont été choisis à partir d'un DvVD qu'ils devaient fournir avec des conditions assez strictes, une seule caméra, uns seule prise et on devait voir le pianiste et ses mains. Le jury de ce premier tour était entièrment polonais.
La France réalise un très bon résultat puisque 9 sur 10 des Français de France (par opposition aux deux Japonais et au Sud Coréen étudiant en France) ont été retenus. Il reste 23 Japonais (sur 64) 19 Chinois (sur 31) 8 Coréens du sud (sur 11) et celui du Nord,4 Taiwanais (sur 10), 16 Polonais (sur 41) et 13 des Etats-Unis (sur31).
Ces 160 candidats pour passer maintenant un nouveau stade appelé préliminaire et vont jouer devant un jury international qui est différent du jury final. Il comprend 17 membres dont 6 polonais et un français Jacques Rouvier célèbre professeur au CNSMDP (Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris) le plus haut niveau de la formation musicale en France. Le règlement prévoit qu'un professeur ne participe pas au jury qunad un de ses élèves est auditionné. Les auditions des 160 andidats retenus auront lieu du 12 au 21 avril. Les candidats doivent présenter trois études à choisir dans trois listes, un nocturne ou une autre étude, un oeuvre plus longue à choisir dans une liste avec les Ballades, la Barcarolle les Scherzos et enfin un Mazurka à choisir aussi dans une liste. En comptant une demi heure par candidat avec 16 candidats par jour le jury a huit heures de travail journalier Les auditions sont publiques.
Nous poursuivons notre parcours des œuvres de Chopin avec la suite des mazurkas.

19 février 1743 Naissance de Luigi Boccherini

2010-02-19T00:24:00.004+01:00

Luigi Boccherini est un violoncelliste et compositeur italien né à Lucques, près de Pise, en Toscane, le 19 février 1743, mort à Madrid le 28 mai 1805. Boccherini est le plus grand violoncelliste de son temps, il égale en virtuosité sur son instrument les plus grands violonistes contemporains, tel Giuseppe Tartini.
Luigi Boccherini est surtout connu pour sa musique de chambre, en particulier pour ses nombreux quintettes à cordes (près de 125 pièces). Son œuvre symphonique, bien qu'abondante (23 symphonies, 8 concertos), reste peu jouée.
Concerto pour violoncelle G482 par Yo-Yo Ma
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=lrXwdcty74E&feature=related
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=kfht6syMMlc
Musique de chambre
Trio
Sonate 1 en Do majeur par Barros Classical Consort
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=IXbyaXDUZgo
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=1J72mdE86gI&feature=related
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=vylN8CkKtKE&feature=related
Quintette
opus 11 n° 5 Menuet en Mi majeur
http://fr.youtube.com/watch?v=nawqWddVlcY

17 février 1652 Décès de Gregorio Allegri

2010-02-17T01:49:00.003+01:00

Gregorio Allegri (né en 1582 à Rome, mort le 17 février 1652 dans la même ville) était un religieux et un compositeur italien. Probablement apparenté au peintre le Corrège, il est considéré comme l'un des compositeurs romains les plus importants de son temps.
L'œuvre la plus fameuse, et de loin, qu'a écrite Allegri est sans conteste son célèbre Miserere, que l'on continue à chanter chaque année à la Chapelle Sixtine pendant la Semaine sainte. Il est écrit pour deux chœurs, l'un à quatre voix, et l'autre à cinq. L'un des chœurs chante une version simple du thème original de l'hymne et l'autre chœur, à quelque distance, en chante un commentaire orné. C'est un des meilleurs exemples du style polyphonique de la Renaissance désigné au XVIIe siècle comme stile antico ou prima prattica, et il dénote les influences combinées des écoles romaine (Palestrina) et vénitienne (les Gabrieli, le double chœur).
De façon amusante, le Miserere d'Allegri est un des exemples de la polyphonie de la Renaissance qui a été un des plus favorisés par l'édition discographique alors qu'il a été composé à l'époque baroque, quand cette polyphonie était vraiment passée de mode. Cet ouvrage a acquis une réputation mythique de mystère et d'inaccessibilité pendant les siècles écoulés depuis sa composition jusqu'à l'époque moderne. En effet, le Vatican en avait interdit la reproduction et la diffusion pour en préserver le caractère unique. Mais en 1769, le jeune Mozart, alors âgé de quatorze ans, fit un voyage à Rome avec son père, il entendit le Miserere d'Allegri à deux reprises et put en restituer la partition de mémoire (à la première ou seconde écoute, selon les sources). Cette restitution fut acquise et publiée en Angleterre par le Dr Burney, historien de la musique et voyageur renommé. L'éditeur de Leipzig Breitkopf & Härtel publia ensuite l'ensemble de la musique chantée à Rome pendant la Semaine Sainte, y compris le Miserere d'Allegri. Felix Mendelssohn-Bartholdy a témoigné dans une de ses lettres de l'impression extraordinaire causée par cette musique pendant les cérémonies. Voivi donc ce fameux Miserere:
http://fr.youtube.com/watch?v=RLUafMBLtzo&fmt=18

2010 Année Chopin: les Scherzos

2010-02-09T20:51:00.002+01:00

Quelques nouvelles du concours Chopin de Varsovie que nous avons déjà eu l'occasion de présenter. Une liste de 346 candidats (192 garçons et 154 filles) a été établie par le jury du concours, soit une petite centaine de plus que lors du concours précédent en 2005. Parmi ces candidats 160 seront retenus sur la base des DVD qu'ils ont envoyés au jury.
Parmi ces candidats on note une très forte participation d'extrême orient avec 64 japonais 31 chinois 11 coréens du sud 10 taiwanais et 1 coréen du nord. Les autres pays les plus représentés sont la Pologne avec 41 candidats les États Unis avec 31 et il y a 11 français.
Nous poursuivons notre parcours des œuvres de Chopin avec les scherzos. Le terme est d'origine italienne désignant une composition plaisante ou divertissante. Il peut être partie d'une sonate ou d'un symphonie ou pièce à part entière c'est l'usage qu'en a fait Chopin qui en a écrit quatre. Voici les deux premiers interprétés par Sviatoslav Richter:
Scherzo
n°1 op 20 en Si mineur par Sviatoslav Richter
http://www.youtube.com/watch?v=6-JIApV1pEw&fmt=18
n°2 op 31 en Sol dièse mineur par Sviatoslav Richter
http://www.youtube.com/watch?v=ttmJ_psfVSI&feature=Related&fmt=18

7 février 1875 Création de la symphonie espagnole d'Édouard Lalo

2010-02-06T23:05:00.004+01:00

La Symphonie espagnole est une œuvre pour violon et orchestre composée par Édouard Lalo, son 21e opus en ré mineur. Écrite en 1874 pour le violoniste Pablo de Sarasate, elle est créée par le dédicataire aux Concerts Populaires à Paris le 7 février 1875.
Officiellement une symphonie, elle est considérée comme un concerto pour violon par les musiciens aujourd'hui. L'œuvre est écrite dans une période où les rythmes latins étaient en vogue (Carmen de Georges Bizet est présentée au public un mois plus tard).
La Symphonie espagnole est une des œuvres les plus connues de Lalo. Elle fut un succès dès sa création et permit à son auteur de se faire un nom.
Elle est écrite en cinq mouvements: Allegro non troppo, Scherzando: Allegro molto, Andante, Rondo:Allegro.
Voici cette symphonie espagnole par Zino Francescati:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=lALWw3lGwq4&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=BeZ1riE4aRo&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=noxSLvO5W7M&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=t0zWnhOFVfY&feature=related&fmt=18

5 février 1852 Création du Pèlerinage de la Rose de Robert Schumann

2010-02-05T00:22:00.002+01:00

Le pélérinage de la Rose : sur un poème de M. Horn, A peine éclose, la Rose (soprano) voudrait posséder les traits et l'âme d'une femme. Son vœu est exaucé par la Reine des elfes (alto). Elle rencontre un vieux Fossoyeur (basse) qui enterre la fille unique du Meunier (basse) et de la Meunière (alto). Trouvant ainsi une famille, la Rose prendra la place de l'enfant perdue. Elle épouse Max (ténor), le fils du Forestier. Elle a un enfant à qui elle donne une rose en gage de bonheur, puis renonce à la vie et meurt. Les anges l'accueillent au paradis.
http://fr.youtube.com/watch?v=PUKSbeHD03M&feature=channel_page
http://fr.youtube.com/watch?v=vgNpYMEofvs&feature=channel_page
http://fr.youtube.com/watch?v=N18d338-KSE&feature=channel_page
http://fr.youtube.com/watch?v=LPo7-bYVTBU&feature=channel_page
http://fr.youtube.com/watch?v=Kub9j3rtTP0&feature=channel_page
http://fr.youtube.com/watch?v=aBIFKU1txVs&feature=channel
http://fr.youtube.com/watch?v=dDtj9htjI9A&feature=channel

2010 Année Chopin: Les Nocturnes

2010-02-01T00:42:00.004+01:00

Nous poursuivons notre parcours des oeuvres de Frédéric Chopin à l'occasion de l'année Chopin qui commémore le deux centième anniversaire de sa naissance. Nous abordons aujourd'hui les nocturnes.
Chopin n'a pas inventé les nocturnes, avant lui John Field, un irlandais, en avait défni la forme. Mais Chopin a fait de ces petites pièces des sommets du piano soliste.
Voici les six premiers nocturnes trois par Arthur Rubinstein et trois par Maurizio Pollini qui eut un premier prix au concours Chopin de Varsovie en 1960 et fit depuis une immense carrière internationale.
n°1 op 9 n°1 en Si bémol mineur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=WnFs85pLmj4&fmt=18
n°2 op 9 n°2 en Mi bémol majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=YGRO05WcNDk&feature=related&fmt=18
n°3 op 9 n°3 en Si majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=sx31YcLXAug&fmt=18
n°4 op 15 n°1 en Fa majeur par Maurizio Pollini
http://www.youtube.com/watch?v=sRt-_3zNEc4&feature=related&fmt=18
n°5 op 15 n°2 en Fa dièse majeur par Maurizio Pollini
http://www.youtube.com/watch?v=MaeiLneP54s&feature=related&fmt=18
n°6 op 15 n°3 en Sol mineur par Maurizio Pollini
http://www.youtube.com/watch?v=zClxrbMqlVA&feature=related&fmt=18

26 janvier 1790 Création de Cosi Fan Tutte de Mozart

2010-01-26T21:23:00.003+01:00

Cosi Fan Tutte est un opéra de Mozart sur un livret en italien de Da Ponte créé le 26 janvier 1790 au Burgtheater de Vienne.
Acte I
La scène s'ouvre sur une taverne où don Alfonso discute vivement avec deux jeunes soldats de ses amis, Guglielmo et Ferrando. Les jeunes gens prétendent que leurs fiancées sont fidèles et honnêtes alors qu'Alfonso tente de leur faire comprendre que la fidélité des femmes relève de l'utopie.
Alors que la conversation s'envenime, Alfonso propose un pari: il devra leur montrer que la femme est inconstante et en particulier leurs fiancées. Pour cela, ils acceptent de se soumettre à sa volonté et de tenter de séduire leurs propres fiancées sous un déguisement pittoresque. L'enjeu sera de 100 sequins. Certains de leur victoire, ils rêvent déjà de ce qu'ils feront avec cette somme rondelette.
Dans leur jardin, Fiordiligi, la fiancée de Guglielmo, et sa sœur Dorabella, fiancée à Ferrando, contemplent les portraits de leurs bien-aimés. Elles demandent à l'Amour de les punir si jamais elles changeaient d'amants. Alfonso survient, la mine défaite, leur annonçant que leurs fiancés doivent partir le jour-même pour le régiment. Suit une scène d'adieux qui rassure les jeunes soldats, comment des fiancées si attachées pourraient-elles un jour changer de caractère ? Alfonso ne s'en amuse que davantage. La scène se termine sur les vœux que les trois forment pour que les vents les plus doux accompagnent la traversée des deux soldats (« Soave sia il vento »).
Despina, la servante des deux jeunes femmes, prend l'événement avec philosophie : deux amants partent à la guerre, s'ils en reviennent un jour, tant mieux, sinon, encore mieux. Elle prétend qu'il n'y a rien de moins fidèle qu'un homme, surtout un soldat. Qu'elles se divertissent donc ! Les amantes sont scandalisées par un tel raisonnement...
Contre un peu d'or, Alfonso convainc Despina de l'aider dans son entreprise, sans toutefois lui en dévoiler les ficelles. Elle ignorera en effet que les deux étrangers qui viendront présenter leurs hommages à ses maîtresses ne sont autres que leurs amants prétendument partis. Il les lui présente déguisés et leur allure n'est pas si belle à voir. Ses maîtresses surviennent, et surprennent les deux étrangers dans leur maison. Alfonso revient, prétendant retrouver là deux des meilleurs amis qu'il ait jamais eus. Les deux jeunes gens commencent une cour assidue, mais les deux amantes refusent d'en entendre davantage. Elles se retirent après avoir vanté leur constance et leur fidélité malgré l'absence de leurs deux fiancés "Come scoglio".
Les deux soldats sont persuadés que le pari est gagné. Alfonso tempère leurs ardeurs et prépare la seconde phase de son plan de bataille. Ferrando, seul, évoque l'amour de sa fiancée.
Tristes et alanguies, Fiordiligi et Dorabella se plaignent de leur sort, lorsque les deux "étrangers" arrivent, suivis d'Alfonso, ils auraient bu de l'arsenic afin d'abréger les souffrances que leur imposent les deux jeunes femmes si cruelles avec eux. Restées seules avec les deux agonisants, elles s'attendrissent. Le médecin survient il s'agit de Despina travestie, qui va sauver les deux empoisonnés avec un aimant. Alors que les deux femmes sont de plus en plus attendries, les mourants ressuscitent et, dans un délire idyllique, les prennent pour des déesses. Puis, ils réclament chacun un baiser, ce qui fait reculer les deux sœurs.
Acte II
Despina provoque les deux sœurs et ne s'explique pas leur comportement. Elle se lance dans un cours sur ce que devrait savoir et faire une femme dès l'âge de 15 ans, entre autres savoir où le diable a la queue !Une fois partie, les deux sœurs choisissent chacune celui des deux dont elles auront à subir les assiduités. Alfonso survient et invite les deux jeunes femmes à venir assister à un beau spectacle dans le jardin : les deux amants interprètent une pastorale en l'honneur des sœurs, qui trouvent cela ridicule. Alors Alfonso et Despina rapprochent les deux couples, qui partent chacun de leur côté pour se promener et badiner.
Guglielmo feint un malaise devant Dorabella, il la séduit jusqu'à lui offrir un pendentif en forme de cœur, et prendre le portrait de Ferrando qu'elle porte dans un médaillon. Après une brève résistance, elle cède à ses avances.
De son côté, Ferrando bataille avec Fiordiligi, croit vaincre, puis cède, désespéré. Fiordiligi veut le rattraper puis réfléchit et demande pardon, dans une prière, à son amant Guglielmo parti à la guerre et qu'elle a failli trahir.
Les deux conquérants se retrouvent, Ferrando persuadé que le refus qu'il a essuyé a également été infligé à Guglielmo. Guglielmo, lui, est ravi d'apprendre que Fiordiligi lui est restée fidèle... mais il doit bien avouer à son ami que Dorabella a cédé. Il admet pourtant que le caractère des femmes n'est pas toujours celui qu'on espère. Ferrando, resté seul, a du mal à voir clair dans son âme, partagée entre la colère d'avoir été trahi et l'amour qu'il éprouve toujours pour Dorabella.
Alfonso le rejoint, accompagné de Guglielmo, qui réclame sa part de l'enjeu en faisant valoir de manière cruelle à Ferrando que Dorabella pouvait difficilement résister à un tel bourreau des cœurs, et qu'au contraire, Fiordiligi n'aurait jamais pu trahir un homme tel que lui. Alfonso lui fait valoir qu'il ne faut pas vendre la peau de l'ours
Dorabella avoue qu'elle s'est laissé prendre facilement au piège de l'amour mais qu'elle trouve cela délicieux tandis que Fiordiligi le lui reproche. Celle-ci échafaude un plan pour sauver les deux couples en péril: les sœurs se déguiseront en soldats pour aller retrouver incognito leurs amants véritables. Toutefois, avant qu'elle n'ait pu mettre son plan à exécution, Ferrando survient et réussit finalement à la séduire. Guglielmo, qui a assisté à la scène, ne cache pas sa colère. Ferrando se permet alors de lui rendre la monnaie de sa pièce. Alfonso leur propose la solution pour les punir: les épouser.
La scène finale est celle des noces préparées par Despina : les deux couples font leur entrée et boivent ensemble. Alfonso introduit le notaire, qui n'est autre que Despina travestie une fois de plus pour lire le contrat, lecture abrégée par l'enthousiasme des deux épouses qui signent bien vite. Mais on entend à nouveau la fanfare qui avait accompagné le départ des deux soldats vers le régiment. Alfonso feint la panique devant le retour imminent des militaires. Les deux sœurs cachent leurs nouveaux époux dans une salle attenante, et s'en remettent à Alfonso. Vite rhabillés, les deux soldats font leur apparition. Tout le monde feint la surprise. Les amants s'étonnent de l'accueil glacial que leur réservent leurs promises. Puis ils découvrent le notaire qui, au grand dam des deux sœurs, se révèle être Despina, tandis que Ferrando ramasse le contrat de mariage ! Les deux soldats laissent enfin éclater leur colère les sœurs demandent pardon en les empêchant d'entrer dans la chambre où sont censés se cacher leurs nouveaux époux. Ils y entrent malgré tout et en ressortent à moitié déguisés à nouveau. Les trois femmes n'en reviennent pas, notamment Despina qui découvre qu'elle a été l'instrument ignorant de cette machination.
Alfonso admet enfin qu'il est responsable de cet imbroglio de mauvais goût. Il les réconcilie et tout est bien qui finit bien: les amants sont réunis sans qu'il soit précisé dans quelle version!
Voici l'ouverture par Neville Mariner, l'air le plus célèbre par Renée Fleming et l'intégrale de Ricardo Muti:
Ouverture par Neville Marriner
http://www.youtube.com/watch?v=XODvAZx7UEU&feature=related&fmt=18
Come scoglio par Renée Fleming
http://fr.youtube.com/watch?v=lrVRed0BQhI&feature=related&fmt=18
Playlist Muti par Ricardo Muti
http://www.youtube.com/watch?v=sokvI0dUtPs&feature=PlayList&p=C311312CCCBA1F47&index=0&playnext=1

2010 Année Chopin Concerto pour piano n°1

2010-01-21T00:38:00.002+01:00

Nous poursuivons notre parcours des oeuvres de Frédéric Chopin à l'occasion de l'année Chopin qui commémore le deux centième anniversaire de sa naissance. Voici le concerto opus 11 numéro 1 en mi mineur.
Ce concerto a été créé en octobre 1830 à Varsovie peu de temps avant que Chopin ne quitte définitivement la Pologne. Il est inerprété ici par Martha Argerich qui va être, cete année, la Présidente du Jury du Concours Chopin de Varsovie après en avoir reçu le premier prix à 24 ans en 1965. Autant dire que les candidats à ce concours prestigieux auraient intérêt à écouter attentivement cette interprétation !
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=ZNIK1yaKr_4&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=eg_2ocskhkA&feature=fvw&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=1dJv8vWMLT4&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=2Nwcn_o866Q&feature=related&fmt=18

14 janvier 1900 Création de Tosca de Puccini

2010-01-14T10:34:00.005+01:00

L'action se déroule à Rome en juin 1800. Les troupes françaises ont instauré en 1798 une "République romaine" et Cesare Angelotti figure parmi les consuls. Ferdinand IV et son épouse, la reine Maria Caroline, aidés des anglais reprennent la ville l'année suivante et le baron Vitello Scarpia est chargé de mettre sur pied une police secrète. Angelotti est emprisonné pour trahison. C'est sur cette toile de fond que se joue l'opéra.

Acte I
Le rideau s'ouvre sur l'église Sant'Andrea della Valle. Le peintre Mario Cavaradossi achève son portrait de Marie-Madeleine "Recondita armonia", auquel il a donné les traits d'une jeune femme venue longuement prier, récemment. Arrive Cesare Angelotti, ancien Consul de la République de Rome, venant de s'échapper du château Saint-Ange où il avait été fait prisonnier politique. Cavaradossi lui promet de l'aider à s'enfuir, mais ils sont interrompus par l'arrivée de Tosca et, avant d'être aperçu, Angelotti se cache dans la chapelle familiale.
Tosca, maîtresse du peintre et célèbre cantatrice, est une femme extrêmement jalouse. Elle est persuadée que Cavaradossi parlait avec une autre femme à l'instant. Alors que son amant parvient à la calmer et accepte le rendez-vous proposé pour le soir, Tosca découvre le tableau de la Madone et, reconnaissant les traits de la jeune femme prise pour modèle, nommée l'Attavanti, elle laisse une fois de plus éclater sa jalousie. Cavaradossi parvient à nouveau à dissiper ses doutes "Mia gelosa!", et lui promet de remplacer la couleur bleue des yeux du portrait par du noir.
Après le départ de Tosca, Cavaradossi rejoint Angelotti, qui lui apprend que sa sœur, se révélant être l'Attavanti, a caché des habits de femme dans la chapelle afin que son frère puisse s'en vêtir pour s'échapper plus discrètement. Le peintre lui propose de se cacher chez lui, dans un puits aménagé. Un coup de canon tiré depuis le château Saint-Ange signale que l'évasion a été découverte. Les deux hommes quittent rapidement l'église.
Le baron Scarpia, chef de la police, arrive dans l'église. Lorsqu'il découvre la porte ouverte de la chapelle Attavanti, le panier de victuailles vide que Cavaradossi ne souhaitait pourtant pas entamer, comme le rapporte le sacristain, le portrait de l'Attavanti et un éventail à ses armes, Scarpia conclut rapidement à la complicité du peintre dans la fuite de son prisonnier.
C'est à ce moment que Tosca fait irruption, revenue pour dire à son amant qu'elle ne pourra pas se rendre à leur rendez-vous du soir, devant chanter à la place. Scarpia, se servant de l'éventail, va exciter la jalousie de Tosca "O che v'offende dolce signora?" en sous-entendant certaines relations entre l'Attaventi et Cavaradossi. La cantatrice, furieuse, se jette dans le filet tendu par le chef de la police en se rendant immédiatement à la villa du peintre afin d'y surprendre les prétendus amants, sans se douter que Scarpia la ferait suivre par ses sbires pour découvrir où se cache Angelotti.
L'acte s'achève par un Te Deum où Scarpia exprime sa volonté de soumettre Tosca à ses désirs en se servant de sa jalousie.

Acte II
Scarpia dîne, seul, dans ses appartements au Palais Farnese, là où Tosca doit chanter. Il rédige un mot à la cantatrice l'invitant à le rejoindre après ses chants. Arrive alors Spoletta, l'un des sbires de Scarpia, qui lui annonce que la poursuite de Tosca n'a pas permis de découvrir Angelotti, mais toutefois l'arrestation de Cavaradossi a eu lieu. Suite aux questions répétées de Scarpia, le peintre nie toujours farouchement avoir aidé le prisonnier à fuir.
A l'arrivée de Tosca, son amant lui fait discrètement savoir que révéler ce qu'elle avait vu à la villa revenait à le condamner à mort. Scarpia fait poursuivre l'interrogatoire de Cavaradossi dans la pièce contigüe et se consacre à celui de Tosca. Devant son refus du moindre aveu, il lui fait savoir que son amant est en ce moment-même torturé (scène de la torture), et que ses souffrances cesseront uniquement si elle se décide à parler. Les cris du peintre finiront par faire céder Tosca qui révèle à Scarpia la cachette d'Angelotti.
Cavaradossi est amené auprès de Tosca et la repousse quand il apprend qu'elle a parlé. Il laisse cependant ensuite éclater sa joie lorsqu'un agent de Scarpia rapporte que Napoléon a gagné la bataille de Marengo. Cela provoque la fureur du chef de la police qui le condamne à mort.
Devant les supplications de Tosca "Salvatelo!... Io? Voi!", il lui propose de libérer son amant si elle se livre à lui pour une nuit. Tosca supplie de ne pas exiger d'elle ce sacrifice "Vissi d'arte". A ce moment-là revient Spoletta, qui annonce qu'Angelotti s'est suicidé après avoir été découvert. Il s'enquiert de la marche à suivre pour le prisonnier Cavaradossi, et Scarpia se tourne vers Tosca pour lui laisser le choix de l'ultimatum.
Celle-ci finit par accepter son marché. Ne pouvant annuler ouvertement la sentence, il organisera un simulacre d'exécution du peintre avec des balles à blanc. Cependant Tosca exige un sauf-conduit pour elle et son amant, qui leur permettra de quitter Rome en toute sécurité. Mais dès que le chef de la police a achevé son mot et avance vers elle pour recevoir son dû, elle le tue d'un coup de poignard en pleine poitrine. Elle s'éclipse ensuite, non sans avoir récupéré le laissez-passer salvateur des mains du mort.

Acte III
Terrasse du château Saint-Ange, petit matin. On entend au loin le chant d'un jeune berger. Cavaradossi est amené sur les remparts, et demande à écrire un dernier mot à sa bien-aimée. Il songe à son bonheur passé auprès d'elle, empli de désespoir "E lucevan le stelle".
Tosca survient, et l'informe des derniers événements: le chantage de Scarpia, le marché qu'elle a obtenu de lui, le laissez-passer rédigé de ses mains, et le fait qu'elle ait fini par le tuer plutôt que de se donner à lui. Soulagé et bouleversé, Cavaradossi loue son courage "O dolci mani". Tosca lui explique le rôle qu'il doit jouer durant le simulacre d'exécution, se laisser tomber comme un mort de manière crédible lorsqu'il entendra les détonations à blanc des fusils.
Le peloton d'exécution arrive sur les lieux, le couple se sépare, la fusillade retentit et Cavaradossi s'effondre. Tosca admire la crédibilité de la chute de son amant. Après le départ des soldats, la cantatrice s'approche de lui et l'exhorte à se relever. Horrifiée, elle découvre la perfidie diabolique de Scarpia, car les fusils avaient en fait tiré avec des balles réelles. Entre temps, le meurtre de ce dernier a été découvert, et les sbires du chef de la police se précipitent sur la terrasse pour arrêter Tosca. Emportée par le désespoir, elle se suicide en se jetant du haut d'une tour.
Voici les principaux extraits dans la version du film de Benoit Jacquot avec Roberto Alagna Cavaradossi, Angela Gheorgiu Tosca et Ruggiero Raimondi Scarpia:
Acte I: Recondita armonia par Roberto Alagna
http://www.youtube.com/watch?v=lMtOtRed6Fs&feature=channel_page&fmt=18
Acte I: Mia gelosa! par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=deSeAue63_w&feature=channel_page&fmt=18
Acte I: O che v'offende dolce signora? par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=mWIaMq_fQNg&feature=channel_page&fmt=18
Acte II: Scène de la torture par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=p51qOY5rKr4&feature=related
Acte II: Salvatelo!... Io? Voi! par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=TgEwu3L2tI0&feature=related&fmt=18
Acte II: Vissi d'arte par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=_OIExoUb8jk&feature=related&fmt=18
Acte II: Le meurtre de Scarpia par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=BKp89i1XXGk&feature=related&fmt=18
Acte III: E lucevan le stelle par Roberto Alagna
http://www.youtube.com/watch?v=0yr1U5x6Nw0&feature=related&fmt=18
Acte III: O dolci mani par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=F3b0P6MYTCg&feature=related&fmt=18
Acte III: Finale par Angela Gheorghiu
http://www.youtube.com/watch?v=n6kTmWYIAcw&fmt=18

Et les grands airs par d'autres artistes:
Acte II: Vissi d'arte par Maria Callas
http://www.youtube.com/watch?v=zXQvPwYYVBI&fmt=18
Acte II: Vissi d'arte par Régine Crespin
http://fr.youtube.com/watch?v=U9QgWdAm5fA&feature=related&fmt=18
Acte II: Vissi d'arte par Renée Fleming
http://fr.youtube.com/watch?v=6pcPrpSb_1U&feature=related&fmt=18
Acte III: E lucevan le stelle par Luciano Pavarotti
http://fr.youtube.com/watch?v=4mX7ugJ5NM8&feature=related&fmt=18

2010 Année Chopin (suite)

2010-01-10T21:21:00.004+01:00

Nous poursuivons notre parcours des oeuvres de Frédéric Chopin à l'occasion de l'année Chopin qui commémore le deux centième anniversaire de sa naissance. Voici les six première études de l'opus 10.
Normalement une étude est un morceau de difficulté technique élevée destiné à faire travailler tel ou tel aspect de la technique pianistique, si c'est auusi le cas chez Chopin ses études sont d'abord de merveilleux moments de musique.

op10 n°1 en Do majeur par Claudio Arrau
http://www.youtube.com/watch?v=l-QledBNLdM&fmt=18
op10 n°2 en La mineur par Claudio Arrau
http://www.youtube.com/watch?v=ssMEUjwzQnM&feature=related&fmt=18
op10 n°3 Tristesse en Mi majeur par Maurizio Pollini
http://www.youtube.com/watch?v=JS7KfOyMEIY&fmt=18
op10 n°4 en Do dièse mineur par Claudio Arrau
http://www.youtube.com/watch?v=R0AbY1-cs-Q&fmt=18
op10 n°5 Touches noires en Sol bémol majeur par Claudio Arrau
http://www.youtube.com/watch?v=XquIowDryxM&feature=related&fmt=18
op10 n°6 en Mi bémol mineur par Vladimir Ashkenazy
http://www.youtube.com/watch?v=W6FZVIT19vc&fmt=18

7 janvier 1857 création du Concerto pour piano n°2 de Franz Liszt

2010-01-07T19:11:00.001+01:00

Le Concerto pour piano n° 2 en la majeur de Franz Liszt, a été achevé en 1861. Il a été créé le 7 janvier 1857 à Weimar sous la direction de Liszt, un de ses élèves Hans von Bronsart étant au clavier.
Il consiste en six mouvements enchaînés. Moins connu que le Concerto n° 1, il n'en reste pas moins une des œuvres les plus célèbres de Liszt.
Voici ce concerto par Kristian Zimermann sous la baguette de Seiji Ozawa:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=7reMiGdzoho&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=-ovbKX1hudI&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=pNB-qG-au_w&feature=related&fmt=18

5 janvier 1932 création du Concerto pour la main gauche de Maurice Ravel

2010-01-04T22:49:00.003+01:00

Le Concerto pour la main gauche en ré majeur de Maurice Ravel est un concerto pour piano et orchestre en un seul mouvement composé entre 1929 et 1931 et créé à Vienne le 5 janvier 1932 par son dédicataire, le pianiste autrichien manchot Paul Wittgenstein. L'originalité de cette œuvre à la "véhémence tragique" et à la virtuosité considérable réside dans sa partie pianistique, écrite pour la seule main gauche de l'exécutant.
En 1929, un an après l'achèvement du Boléro, Ravel reçut presque simultanément deux commandes de concerto : la première vint du chef d'orchestre Serge Koussevitzky, qui s'apprêtait à célébrer les cinquante ans de l'Orchestre symphonique de Boston, pour qui il allait composer le Concerto en sol; la seconde du pianiste Paul Wittgenstein, frère du philosophe Ludwig Wittgenstein, qui avait perdu le bras droit durant la Première Guerre mondiale sur le front russe. Ce courageux pianiste, qui n’avait pas renoncé à son art malgré cette infirmité, commanda des œuvres pour la main gauche à quelques-uns des plus grands compositeurs du moment, outre Ravel il sollicita Florent Schmitt, Benjamin Britten, Richard Strauss et Sergueï Prokofiev (le Quatrième concerto pour piano de ce dernier est d'ailleurs composé pour la main gauche seule).
Le Concerto pour la main gauche fut composé presque en même temps que le Concerto en sol, réclamant à Ravel des mois d'acharnement. Le compositeur n’entendit jamais son œuvre jouée dans sa version pour piano et orchestre. Il assista à la création par Paul Wittgenstein, dans une version arrangée pour deux pianos, à Vienne en novembre 1931. Cette création pour le moins houleuse mit un terme à la collaboration entre les deux hommes. Le pianiste avait en effet pris la liberté d’effectuer quelques "arrangements" dans l’œuvre (en fait de profonds remaniements) pour que celle-ci soit mieux à sa convenance. "Je suis un vieux pianiste et cela ne sonne pas" avait-il déclaré à Ravel pour justifier ces libertés. Ravel répliqua : "Je suis un vieil orchestrateur et cela sonne !". Le compositeur quitta précipitamment Vienne et s’opposa un moment à la venue de Wittgenstein à Paris. Ce dernier ayant l'exclusivité du Concerto pour six ans, il était beaucoup trop tard pour Ravel lorsque l’œuvre fut créée à Paris dans sa forme originelle par Jacques Février sous la direction de Charles Munch, le 19 mars 1937.
Bien plus tard, Wittgenstein regretta ses paroles et rendit justice à Ravel : "Cela me prend toujours du temps d'entrer dans une musique difficile. Je suppose que Ravel en fut très déçu et j'en fus navré. Mais on ne m'a jamais appris à faire semblant. Ce n’est que plus tard, après avoir étudié le concerto pendant des mois, que je commençai à en être fasciné et que je réalisai de quelle grande œuvre il s’agissait."
Le Concerto pour la main gauche est aujourd’hui une des œuvres les plus jouées et les plus mondialement appréciées de Maurice Ravel, quoique moins populaire car moins accessible que son faux jumeau, le Concerto en sol.
Voici ce concerto par Sviatoslav Richter sous la direction de Ricardo Muti:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=371XZyPp-Bg&feature=relateed&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=fWgbnQOeXTA&feature=related&fmt=18

Concert du nouvel an

2010-01-01T14:47:00.004+01:00

Le premier janvier à Vienne est organisé traditionnellement un grand concert avec un chef invité, cette année le chef français .George Pretre 85 ans était de nouveau invité après l'avoir été en 2008. Ce concert se termine traditionnellement par la Marche de Radetzky de Johan Strauss Père. Pour avoir une idée de l'aimbiance qui règne dans ce concert très particulier retransmis cette année dans 72 pays voici la version 2008 de ce morceau:

http://www.youtube.com/watch?v=YlSDiQjNtuA&feature=related

2010 Année Chopin

2010-01-01T01:43:00.003+01:00

La Pologne et la France ont décidé d'organiser une année Chopin pour commémorer le bicentenaire de sa naissance le 1° mars 1810.
Nous vous proposerons donc ici tout au long de l'année de découvrir ou de réentendre les oeuvres de ce compositeur qui occupe dans l'histoire du piano une position unique.
Un mot du concours Chopin de Varsovie dont nous aurons l'occasion de reparler à propos de ses lauréats. Il s'agit du plus célèbre concours de piano du monde, il a lieu tous les 5 ans depuis 1927 et aura lieu cette année. 250 candidats se sont présentés aux éliminatoires en 2005, il n'y a qu'un premier prix qui n'est d'ailleurs pas toujours décerné, il n'y en a pas eu ni en 1990 ni en 1995 et en 2005 il a été décerné mais le deuxième prix n'a pas été décerné. Les candidats doivent être âgés d'au moins 17 ans et au plus 29. Les oeuvres jouées dans les différentes étapes de la compétition sont uniquement des oeuvres de Chopin.
Et nous commençons de suite notre parcours des oeuvres de Frédéric Chopin avec les premières mazurkas interprétées par un autre Polonais Arthur Rubinstein. La mazurka est une danse à trois temps d'origine polonaise qui fut très en vogue au XIXème siècle.
n°1 op 6 n°1 en Fa dièse mineur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=BIpi0k_Fs2E&fmt=18
n°2 op 6 n°2 en Do dièse mineur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=vt_xIKmnk4I&feature=related&fmt=18
n°3 op 6 n°3 en Mi majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=PhAS-FK2fb4&feature=related&fmt=18
n°4 op 6 n°4 en Mi bémol majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=dQ44wOyk4tg&feature=related&fmt=18
n°5 op 7 n°1 en Si bémol majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=H1_2K8K2W3U&feature=related&fmt=18
n°6 op 7 n°2 en La mineur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=VBz8D2Hu8RI&feature=related&fmt=18
n°7 op 7 n°3 en Fa mineur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=UwzNsQXE5-w&feature=related&fmt=18
n°8 op 7 n°4 en La bémol majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=JfGpxADxzK0&feature=related&fmt=18
n°9 op 7 n°5 en Do majeur par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=8fK8SqKs1Jg&feature=related&fmt=18

30 décembre 1877 Création de la symphonie n°2 de Johannes Brahms

2009-12-30T17:55:00.003+01:00

La symphonie n° 2 en Ré majeur, op. 73, a été composée par Johannes Brahms durant l'été 1877 à Pörtschach dans les Alpes autrichiennes, lieu qui l'inspira puisqu'il y écrivit également son Concerto pour violon. La courte durée de gestation contraste avec celle de la première symphonie qui avait duré plus de 15 ans.
Elle reste profondément classique dans sa structure : un second mouvement lent, un court scherzo constituant le troisième. Elle est d'humeur plus joyeuse, autre différence marquante avec sa précédente symphonie, de tonalité plus sombre et a été comparée avec la « pastorale » de Beethoven. Elle a été créée le 30 décembre 1877 à Vienne par Hans Richter.
Elle se compose de quatre mouvements:
Allegro non troppo
Adagio non troppo
Allegretto grazioso (quasi andantino)
Allegro con spirito.
Voici cette symphonie sous la direction de Claudio Abbado:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=t4u5LKaktI4&feature=channel_page&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=FzTdH4poASU&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=NfC4aVb-BvQ&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=drN0YDLH8ms&feature=related&fmt=18
mouvement n°4
http://www.youtube.com/watch?v=ppd34MQkp7o&feature=related&fmt=18

24 décembre 1453 décès de John Dunstable

2009-12-26T01:47:00.003+01:00

John Dunstable (né vers 1390; mort le 24 décembre 1453 à Londres) était un compositeur anglais, dont les innovations harmoniques ont exercé une influence profonde sur certains compositeurs du début de la Renaissance comme Guillaume Dufay et Gilles Binchois qui ont probablement été ses élèves.
Il serait entré au service du duc de Bedford avant 1427, ayant peut-être voyagé avec lui quand il était régent de France (1422-1429). Puis il a travaillé pour la reine Jeanne de Navarre (1427-1436) et pour le duc de Gloucester.
Son épitaphe précise qu'il était "prince de la musique, mathématicien et astronome".
Il nous a laissé soixante sept compositions dont trois profanes seulement. Grâce à lui la musique anglaise a dominé la première moitié du XVème siècle.
Hymne
Beata Mater
http://www.youtube.com/watch?v=z4j65-jHnnw&feature=related&fmt=18
Veni Sancte Spiritus
http://www.youtube.com/watch?v=o8o7mvcYyf8&fmt=18

22 décembre 1808 création de la Symphonie n°6 pastorale de Ludwig Van Beethoven

2009-12-22T22:39:00.002+01:00

La Symphonie n° 6 en fa majeur, opus 68, de Ludwig van Beethoven, fut composée entre 1805 et 1808 simultanément à la Cinquième. Beethoven l'intitula Symphonie pastorale et la co-dédia au prince Lobkowitz et au comte Razumovsky. L'œuvre fut créée le 22 décembre 1808 au Theater an der Wien de Vienne.
Tranchant avec les autres symphonies du compositeur, c'est sa seule symphonie à programme : alors que la très grande majorité des œuvres de Beethoven relèvent de la musique pure, cette symphonie est écrite en référence explicite à des phénomènes du monde réel, et évoque en l'occurrence le thème de l'expérience de la nature, d'où son nom de pastorale. La forme de cette symphonie est caractéristique de la musique à programme : ce n'est plus la structure fixe de la symphonie classique en quatre mouvements prédéterminés, mais une forme en cinq mouvements, adaptée au thème.
Chaque mouvement illustre un épisode particulier de la vie à la campagne :
1. Allegro ma non troppo Éveil d'impressions agréables en arrivant à la campagne
2. Andante molto moto Scène au bord du ruisseau
3. Allegro Joyeuse assemblée de paysans
4. Allegro Tonnerre - Orage
5. Allegretto Chant pastoral. Sentiments joyeux et reconnaissants après l'orage.
Voici cette symphonie sous la direction d'Herbert von Karajan:
http://fr.youtube.com/watch?v=HZGb-Kjy0S0&feature=channel&fmt=18

16 décembre 1921 Création du Concerto pour piano n°3 de Sergueï Prokofiev

2009-12-15T20:26:00.002+01:00

Le concerto pour piano n°3 en Do majeur op 29 a été composé entre 1919 et 1921 et créé le 16 décembre 1921 à Chicago avec le compositeur au piano. Des cinq concertos pour piano de Prokofiev le troisième est le plus réputé et celui qui a eu le meilleur accueil de la critique. Il rayonne une vitalité qui témoigne des prouesses du compositeur pour terminer les passages lyriques par des dissonances bien choisies tout en maintenant un équilibre entre le soliste et l'orchestre. A la différence de nombre de concertos de la période romantique l'orchestre dépasse ici le rôle d'accompagnateur du piano pour jouer un rôle très actif dans l'œuvre.
Voici ce concerto avec Martha Argerich au piano:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?gl=FR&hl=fr&v=yL-HA4Heu2M&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=iKSwo1MB0K8&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=FPOb9NxoYbA&feature=related&fmt=18

10 décembre 1980 naissance de Sarah Chang

2009-12-09T20:59:00.003+01:00

Sarah Chang (née le 10 décembre 1980 à Philadelphie (Pennsylvanie, États-Unis), est une violoniste américaine d'origine coréenne.
Elle a commencé le violon à l'âge de 4 ans et est entrée à la Juilliard School of Music dans la classe de Dorothy DeLay, et très vite été considérée comme une enfant prodige. A l’âge de huit ans, elle auditionne pour Zubin Mehta et Riccardo Muti et se produit avec l’Orchestre philharmonique de New York et l’Orchestre de Philadelphie. En 1999, elle reçoit l’Avery Fisher Prize, l’un des prix les plus prestigieux décerné à un instrumentiste.
Elle collabore avec les orchestres philharmoniques de New York et de Philadelphie, le Chicago et le Boston Symphony, le Cleveland Orchestra, les Philharmoniques de Berlin et de Vienne, les orchestres principaux de Londres ainsi que le Royal Concertgebouw d’Amsterdam. Elle donne un récital prestigieux pour ses débuts au Carnegie Hall et des concerts au Kennedy Center de Washington, à l’Orchestra Hall de Chicago, au Symphony Hall de Boston, au Barbican Centre de Londres ou à la Philharmonie de Berlin.
Elle se consacre également à la musique de chambre avec des partenaires de premier plan tels que : Pinchas Zukerman, Wolfgang Sawallisch, Vladimir Ashkenazy, Martha Argerich, Stephen Kovacevich ou Lynn Harrell entre autres.
Voici Sarah Chang dans quelques morceaux pour violon:
Opéra
Christoph Willibald Gluck
Orphée et Eurydice
Mélodie
http://www.youtube.com/watch?v=utmG3OAjBXs&feature=related&fmt=18
Jules Massenet
Thaïs
Méditation
http://www.youtube.com/watch?v=ObxzdawhM-8&feature=related&fmt=18
Tomaso Antonio Vitali
Chaconne
http://www.youtube.com/watch?v=AloBa9SPM7U&fmt=18
August Wilhelmj
Air sur la corde Sol
http://www.youtube.com/watch?v=qOVwokQnV4M&fmt=18

8 décembre 1915 Création de la symphonie n°5 de Jean Sibelius

2009-12-07T21:06:00.003+01:00

La symphonie n° 5 en mi bémol majeur op 82 de Jean Sibelius a été écrite par le compositeur en 1914.
Elle a été remaniée à deux reprises en 1916 puis en 1919. La première a eu lieu le 8 décembre 1915 au cours d'un concert donné pour le cinquantième anniversaire du compositeur. La partition en a été écrite en même temps que furent esquissées les sixième et dernière symphonies.
Dans sa première version, la partition comprenait quatre mouvements. Il n'existe que peu de documents sur la version intermédiaire. C'est en 1916 que les deux premiers mouvements sont fusionnés. La guerre d'indépendance finlandaise interrompt le processus créatif qui n'est repris que mi 1918. Cette dernière version est créée le 24 novembre 1919 sous la direction du compositeur. Le musicien retravaille alors essentiellement le premier et le dernier mouvement.
Cette symphonie, apparue lors d'une période historique particulièrement troublée, exprime cependant un certain optimisme devant une nature sauvage, comme l'atteste plusieurs passages de son journal intime.
Elle comprend dans sa dernière version, trois mouvements. Le premier, comportant quatre parties, est presque une symphonie à lui tout seul, cette solution ayant été évoquée par le compositeur lui-même.
Voicic cette symphonie sous la direction d'Esa-Pekka Salonen:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=gsGWKUDd9No&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=SOeWUl2p9oU&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=6stwIicZZlM&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=eLOig_N14Dg&feature=related&fmt=18

5 décembre 1830 Création de la Symphonie fantastique d'Hector Berlioz

2009-12-05T00:31:00.005+01:00

La Symphonie fantastique op. 14 (titre original : Épisode de la vie d’un artiste, symphonie fantastique en cinq parties) est une œuvre de Hector Berlioz, dédicacée à Nicolas Ier de Russie et créée le 5 décembre 1830 au conservatoire de Paris, sous la direction de François-Antoine Habeneck. Composée de cinq scènes descriptives, cette œuvre, plus proche du poème symphonique que de la symphonie, fait partie d’un genre appelé musique à programme.
Berlioz assista (bien qu'il ne comprît pas un mot d'anglais), à Paris, en 1827, à une représentation du Hamlet de Shakespeare, dans laquelle Harriet Smithson, jeune actrice irlandaise, jouait le rôle d'Ophélie. A la fin de celle-ci, il était désespérément épris d'Harriet et erra toute la nuit en proie à la frustration et au désir, cette passion le poursuivit les cinq années suivantes.
Échouant à la séduire par ses lettres, il conçut le projet de la conquérir par sa musique, La Symphonie Fantastique, basée sur un récit autobiographique (ce que Berlioz niera par la suite) et hantée par une mélodie représentant la bien-aimée et décrite comme idée fixe. Berlioz, inspiré, ne mettra que deux mois à composer la symphonie (février-mars 1830). Un record, vu la complexité et le génie de l'œuvre.
Harriet Smithson n'assista pas à la première, Berlioz se persuada qu'il avait exorcisé son attraction, et se fiança avec Camille Moke, une jeune pianiste. Retournant à Paris en 1832 (après la rupture houleuse de ses fiançailles, après que Camille Moke se fut finalement décidée pour un constructeur de pianos), il organisa un concert où l'on joua la Symphonie fantastique suivie de Lélio. Le public comprenait, outre toute une génération de jeunes artistes romantiques, Harriet Smithson et Heinrich Heine.
Transportée par le spectacle, Harriet commença à répondre aux avances renouvelées du compositeur. Les parents des deux jeunes gens étaient formellement opposés à ce mariage. Cette situation un rien compliquée et tumultueuse dura un an. Berlioz supplia, essaya de s'empoisonner devant elle et finalement obtint en octobre 1833 qu'ils se marient à Paris, si l'on arrêtait là l'histoire, il s'agirait sans doute de la plus belle et rocambolesque véritable histoire d'amour romantique du XIXe siècle. Mais Harriet, sa gloire artistique en déclin, jalouse des voyages de son époux, elle qui aura à jamais quitté la Grande Bretagne, déçue, devint acariâtre et prématurément âgée à cause d'une santé faiblissante. Le couple ne survit pas très longtemps, mais Berlioz la soutint tout sa vie. En témoigne le chapitre des Mémoires de Berlioz traitant de la fin de la vie d'Harriet, des pages comptant parmi les plus bouleversantes de la littérature.
Voici le programme de cette symphonie tel qu'il appraissait dans l'édition de 1832.

Première Partie : Rêveries
L’auteur suppose qu’un jeune musicien, affecté de cette maladie morale qu’un écrivain célèbre appelle le vague des passions, voit pour la première fois une femme qui réunit tous les charmes de l’être idéal que rêvait son imagination, et en devient éperdument épris. Par une singulière bizarrerie, l’image chérie ne se présente jamais à l’esprit de l’artiste que liée à une pensée musicale, dans laquelle il trouve un certain caractère passionné, mais noble et timide comme celui qu’il prête à l’être aimé.
Ce reflet mélodique avec son modèle le poursuit sans cesse comme une double idée fixe. Telle est la raison de l’apparition constante, dans tous les morceaux de la symphonie, de la mélodie qui commence le premier allegro. Le passage de cet état de rêverie mélancolique, interrompue par quelques accès de joie sans sujet, à celui d’une passion délirante, avec ses mouvements de fureur, de jalousie, ses retours de tendresse, ses larmes, etc., est le sujet du premier morceau.

Deuxième Partie : Un Bal
L’artiste est placé dans les circonstances de la vie les plus diverses, au milieu du tumulte d’une fête, dans la paisible contemplation des beautés de la nature; mais partout, à la ville, aux champs, l’image chérie vient se présenter à lui et jeter le trouble dans son âme.

Troisième Partie : Scène aux Champs
Se trouvant un soir à la campagne, il entend au loin deux pâtres qui dialoguent un ranz de vaches (chanson traditionnelle des vachers en Suisse), ce duo pastoral, le lieu de la scène, le léger bruissement des arbres doucement agités par le vent, quelques motifs d’espérance qu’il a conçus depuis peu, tout concourt à rendre à son cœur un calme inaccoutumé et à donner à ses idées une couleur plus riante. Il réfléchit sur son isolement; il espère n’être bientôt plus seul... Mais si elle le trompait!... Ce mélange d’espoir et de crainte, ces idées de bonheur troublées par quelques noirs pressentiments, forment le sujet de l’adagio. À la fin, l’un des pâtres reprend le ranz de vaches, l’autre ne répond plus... Bruit éloigné de tonnerre...Solitude...Silence...

Quatrième Partie : Marche au supplice
Ayant acquis la certitude que non seulement celle qu’il adore ne répond pas à son amour, mais qu’elle est incapable de le comprendre, et que, de plus, elle en est indigne, l’artiste s’empoisonne avec de l’opium. La dose du narcotique, trop faible pour lui donner la mort, le plonge dans un sommeil accompagné des plus horribles visions. Il rêve qu’il a tué celle qu’il aimait, qu’il est condamné, conduit au supplice, et qu’il assiste à sa propre exécution. Le cortège s’avance aux sons d’une marche tantôt sombre et farouche, tantôt brillante et solennelle, dans laquelle un bruit sourd de pas graves succède sans transition aux éclats les plus bruyants. À la fin de la marche, les quatre premières mesures de l’idée fixe reparaissent comme une dernière pensée d’amour interrompue par le coup fatal. On entend alors quatre notes descendantes représentant la tête du condamné qui roule.

Cinquième Partie : Songe d'une Nuit de Sabbat
Il se voit au sabbat, au milieu d’une troupe affreuse d’ombres, de sorciers, de monstres de toute espèce, réunis pour ses funérailles. Bruits étranges, gémissements, éclats de rire, cris lointains auxquels d’autres cris semblent répondre. La mélodie aimée reparaît encore, mais elle a perdu son caractère de noblesse et de timidité; ce n’est plus qu’un air de danse ignoble, trivial et grotesque, c’est elle qui vient au sabbat... Rugissement de joie à son arrivée... Elle se mêle à l’orgie diabolique... Glas funèbre, parodie burlesque du Dies irae, ronde du Sabbat. La ronde du Sabbat et le Dies irae ensemble.
Voici cette symphonie sous la direction de Charles Dutoit:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=DEam2fvAzrI&feature=channel_page&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=p6_cCGk0OBw&feature=channel&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=rqunY66MWKM&feature=channel&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=hvcW8nrxwjQ&feature=channel&fmt=18
mouvement n°4
http://fr.youtube.com/watch?v=kblMD4gtQFM&feature=channel&fmt=18
mouvement n°5
http://fr.youtube.com/watch?v=dHRdmDJYqEQ&feature=channel&fmt=18

1° décembre 1944 création du Concerto pour Orchestre de Béla Bartok

2009-12-01T01:57:00.003+01:00

En 1940, Béla Bartók, fuyant le nazisme arrive aux États-Unis. Il n’y est pas heureux, n’appréciant pas le pays, se trouvant face à de sérieuses difficultés financières et, surtout, supportant mal l’éloignement de son pays. Dès fin 1942, une leucémie lui est diagnostiquée ; il doit alors renoncer à ses concerts.
Alors qu’il refuse l’aide financière de ses amis, la Société des auteurs américains le prend en charge et, grâce au chef d’orchestre Serge Koussevitzky, lui commande une nouvelle œuvre. Ce sera le Concerto pour orchestre, auquel il travailla d’août à octobre 1943. La première eut lieu au Carnegie Hall de New-York le 1er décembre 1944 par l'orchestre symphonique de Boston, il écrivit : " …l'exécution était excellente. Koussevitzky est très enthousiaste au sujet du morceau, et indique que c'est le meilleur morceau orchestral des 25 dernières années”.
Le terme de concerto implique depuis le XVIIIe siècle un instrument soliste avec l’orchestre l’accompagnant. Mais on peut porter au crédit de Béla Bartók d’avoir inventé un modèle avec ce Concerto pour orchestre. Ici, chaque groupe est traité de façon concertante faisant montre de sa virtuosité: dans le fugato du premier mouvement (cuivres), le thème principal du dernier mouvement (cordes) ou le second mouvement dans lequel les paires d’instruments s’échangent consécutivement les passages brillants (tout d’abord, après une introduction de caisse claire, deux bassons goguenards à la sixte, puis deux hautbois caqueteurs à la tierce, deux clarinettes volubiles à la septième, deux flûtes claires et transparentes à la quinte, et enfin deux trompettes bouchées, qui nasillent à la seconde).
Béla Bartók nota à propos du Concerto pour orchestre: "L’atmosphère générale de l’ouvrage, mis à part le deuxième mouvement, présente une graduelle progression allant de l’austérité du premier mouvement et du lugubre chant de mort du troisième vers l’affirmation de la vitalité du dernier".
Voici ce concerto sous la direction de Lorin Maazel:
http://www.youtube.com/watch?v=eu7JCtKd9mM&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=y64R3p-kBww&feature=related&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=ExOwpYqXKLc&feature=related&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=gp-eeZ-l_Rs&feature=related&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=bZj8o-NHgfM&feature=related&fmt=18

27 novembre 1474 décès de Guillaume Dufay

2009-11-27T18:20:00.004+01:00

Le compositeur franco-flamand Guillaume Dufay est né vers 1400 peut-être à Cambrai ou Fay près de Cambrai, plus probablement à Beersel -non loin de Bruxelles- ou Chimay -non loin de Charleroi-, et mort à Cambrai le 27 novembre 1474.
Dufay acquit une grande renommée par la qualité de ses rondeaux, tels Donnez l'assaut à la forteresse ou La plus mignonne de mon cœur. Précurseur d'Ockeghem ou de Josquin Desprez, il utilisa des thèmes profanes pour certaines de ses messes, telle la célèbre L'Homme armé. Il fut le premier à composer un Requiem, dont la partition est perdue, ainsi que des cycles complets pour l'Ordinaire de la messe : Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus. Il composa 83 ballades, chansons polyphoniques, virelais et rondeaux, 76 motets, neuf messes et un Requiem.
Dans une de ses dernières pièces il avouait:
Devenu suis vieux et usé,
Et m'ont les Dames refusé.
Il avait depuis sa jeunesse l'état ecclésiastique…
Voici quelques exemples de sa musique profane:
Musique vocale
Rondeau
Adieu ces bons vins de Lannoys
http://www.youtube.com/watch?v=ZRN6V1GnRVk&fmt=18
Ce Jour De L'an
http://www.youtube.com/watch?v=_rlaE3wkyH8&feature=related&fmt=18
Madrigal
Ma belle dame souveraine
http://www.youtube.com/watch?v=W-WwBp9oXOA&feature=related&fmt=18

25 novembre 1901 Création de la symphonie n°4 de Gustav Mahler

2009-11-25T01:40:00.004+01:00

La Symphonie nº 4 en sol majeur de Gustav Mahler a été écrite entre l'été 1899 et 1900. La symphonie comporte quatre mouvements : Délibéré sans hâte très à l'aise; dans un tempo modéré sans hâte; tranquille; plein d'alant.
La musique reste très lyrique et classique, bien loin des compositions plus dramatiques qui lui sont postérieures. Le premier mouvement fait entendre des clochettes et des thèmes à caractère de danses villageoises. Le second mouvement introduit un violon solo désaccordé, donnant un côté rustique à la partition. L'adagio est d'une grande ampleur et joue avant tout sur les cordes, contrairement aux deux premières parties. Il se termine par un tutti, introduisant le dernier mouvement vocal. Le texte du lied, chanté par une voix de soprano, énonce les plaisirs bucoliques mais aussi gastronomiques, du ciel. L'orchestre finit par s'effacer après avoir repris les thèmes villageois du premier mouvement.
Voici cette symphonie sous la direction de Leonard Bernstein:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=nslBGQ2Ij40&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=Ri4JU6W-Kro&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=r86BBMrlUfc&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=Zyw7bMYoqDI&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=iUlAWItz_U0&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=X0uxQmnBhxk&feature=related&fmt=18
mouvement n°4
http://fr.youtube.com/watch?v=pCsnpVYetMg&feature=related&fmt=18

L'Ecole de Notre Dame: la musique au début du XIIIème siècle

2009-11-21T01:17:00.004+01:00

L'école de Notre Dame, portant le nom de la cathédrale dont la reconstruction commença en 1165, est le centre musical de l'époque et attache son nom au développement de la polyphonie, celle-ci existant depuis fort longtemps mais dans des versions assez élémentaires. Elle développe des formes nouvelles comme l'organum (ou contrepoint) fleuri, la voix supérieure brode des vocalises sur la mélodie liturgique de la voix inférieure. On plaça aussi des paroles sur les vocalises de l'organum et on leur donna le nom de petit texte en latin "motet" un genre qui se développera par la suie considérablement. Pour la première fois dans l'histoire de la musique des compositeurs attachent leur nom à leurs œuvres Leonin et Perotin son élève qui furent tous deux maitres de chapelle à Notre Dame ont marqué cette époque. Leur réputation à leur époque était très grande.
Benedicamus Domino
http://www.youtube.com/watch?v=nXux4rP7zuQ&NR=1&fmt=18
Leonin
Léonin (né vers 1150, mort vers 1210) probablement français, établi à Paris, il est chanoine de Notre-Dame de Paris en 1192. La seule source d'information sur Léonin est l'auteur anonyme anglais connu comme Anonyme IV, élève de l'école, dont le traité de théorie mentionne Léonin comme un des principaux pionniers de la polyphonie de l'organum. Léonin est l'auteur du Magnus Liber Organi, le grand livre de l'organum, destiné à l'usage liturgique, et plus tard repris et amélioré par Pérotin, toujours selon l'Anonyme.
On pense aujourd'hui que c'est en étudiant le traité de métrique poétique latine d'Augustin, De musica que Léonin établit ses six modes rythmiques qui doivent être appliqués à la musique sous forme de brèves et de longues.
Dulce lignum
http://www.youtube.com/watch?v=COKDFEXaimg&feature=related&fmt=18
Viderunt omnes
http://www.youtube.com/watch?v=gtkmnhnHWhw&feature=related&fmt=18
Perotin
Pérotin, surnommé le Grand né vers 1160 et mort vers 1230, était un compositeur français.
Au début du XIIIe siècle, il révise le Grand Livre d'organum, attribué à Léonin. Vers 1200, il compose des œuvres à trois ou quatre voix, ce qui constitue une étape importante dans le développement de la polyphonie; l'organum n'était jusqu'alors qu'une composition musicale à deux voix, dont la partie secondaire, appelée voix organale, était fixée à la quarte supérieure ou à la quinte inférieure du ténor, considéré comme la partie principale.
Sederunt Principes
http://www.youtube.com/watch?v=xtnjyH05Yek&fmt=18

16 novembre 1940 Création du concerto pour violon d'Aram Khachaturian

2009-11-16T00:10:00.005+01:00

Le concerto pour violon en Ré mineur de Khatchatourian a été terminé en 1940 et dédié à David Oistrakh qui l'a créée à Moscou le 16 novembre 1940. Il a d'ailleurs été écrit avec l'aide du violoniste. Le concerto a reçu le prix Lénine pour les arts (!) en 1941. Il existe une transcription pour flûte réalisée par Jean Pierrre Rampal en 1968 avec les encouragements du compositeur.
Ce concerto comprend classiquement trois mouvements: Allegro con fermezza, Andante sostenuto, Allegro vivace.
Voici ce concerto par son créateur:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=ZexcMRKVMkk&feature=channel_page&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=3v4W34SsreA&feature=channel&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=zj7n8pqdKdg&feature=channel&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=h-WqN6-IkSE&feature=channel&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=KGtrkHG5ZN8&feature=related&fmt=18

14 novembre 1719 Naissance de Leopold Mozart

2009-11-13T00:33:00.003+01:00

Johan Georg Leopold Mozart (14 novembre 1719 28 mai 1787) était un compositeur, professeur de musique et violoniste. Il est aujourd'hui surtout connu comme père et professeur de Wolfgang Amadeus Mozart, mais était assez célèbre à son époque.
Leopold Mozart est né le 14 novembre 1719 à Augsbourg (aujourd'hui en Allemagne), dans une famille d'artisans et de relieurs. Il part à Salzbourg pour étudier le droit et la théologie, mais s'intéresse plus à la musique, et entre au service du comte Thurn und Taxis en tant que violoniste et secrétaire, en 1740. En 1743, le prince-archevêque de Salzbourg le prend à son service comme compositeur et maître de concert. En 1747 il épouse Anna Maria Pertl, qui lui donne sept enfants, dont deux seulement survivent, Maria Anna Wallburga Ignatia née en 1751 (surnommée Nannerl) et Wolfgang Amadeus né en 1756.
Leopold consacre ses qualités de pédagogue à l'éducation musicale de ses deux enfants. Les dons exceptionnels de son fils le décident à organiser des concerts à travers l'Europe pour exhiber ses talentueux enfants. En 1763, il devient vice-maître de chapelle à la cour du prince-archevêque de Salzbourg.
Leopold Mozart meurt le 28 mai 1787, à Salzbourg (aujourd'hui en Autriche).
Voici son œuvre la plus célèbre la symphonie des jouets sous la direction de Neville Mariner:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=DFVJf3N4RC0&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=XifIDlNQjzA&feature=channel_page&fmt=18
partie 3
http://fr.youtube.com/watch?v=hOVcwYuCj-s&feature=channel_page&fmt=18
partie 4
http://fr.youtube.com/watch?v=uWxH-et_SXg&feature=channel_page&fmt=18
partie 5
http://fr.youtube.com/watch?v=XIDBFTOTITk&feature=channel_page&fmt=18
partie 6
http://fr.youtube.com/watch?v=XLzKR7wGmfc&feature=channel_page&fmt=18
partie 7
http://fr.youtube.com/watch?v=DTeXuHZhxJw&feature=channel_page&fmt=18

7 novembre 1926 Naissance de Joan Sutherland

2009-11-07T00:51:00.004+01:00

Joan Sutherland (née le 7 novembre 1926 à Sydney) est une cantatrice australienne, l'une des plus grandes sopranos du XXe siècle, célèbre notamment pour sa contribution au renouveau de l’art du bel canto dans les années 1950 et 1960, surnommée "La Stupenda" (la Prodigieuse) en raison de ses dons vocaux exceptionels et de sa technique phénoménale.
Joan Sutherland est un des meilleurs exemples de soprano dramatique coloratur. La soprano coloratura, ne désigne pas à proprement parler une sous-catégorie vocale, mais une soprano à la voix particulièrement agile, c'est-à-dire ayant beaucoup de facilité à vocaliser et généralement très étendue.
Joan Sutherland a une voix ronde et ample même dans les plus hautes notes. Son registre inférieur reste largement plus profond que celui d'une coloratur et son registre supérieur est sans égal. Elle peut atteindre un contre-mi large et brillant sans aucun effort, même à la fin de sa carrière, et chanter une ligne colorature haute à pleine voix. On doit aussi noter son legato parfait. Jusqu’en 1962, sa voix a un son argentin plein de fraîcheur. Puis elle doit changer de technique en raison de problèmes de santé et elle acquiert alors une voix plus crémeuse, sombre et ferme. A partir de 1980, la voix fait entendre un léger vibrato mais elle surmonte ces défauts par une technique sans faille.
Voici quelques exemples des talents de Joan Sutherland:
Donizetti
L'elixir d'amour
Acte I: "Benedette queste carte"
http://www.youtube.com/watch?v=4cKQ8fEZks4&fmt=18
Giacomo Puccini
Tosca
Acte II: Vissi d'arte
http://www.youtube.com/watch?v=4Egs5vGOVtc&fmt=18
Giuseppe Verdi
La Traviata
Acte I: Sempre libera
http://www.youtube.com/watch?v=jaYN47O26k4&feature=related&fmt=18

5 novembre 1846 Création de la Symphonie n°2 de Robert Schumann

2009-11-05T01:06:00.005+01:00

Cette symphonie en ut majeur op. 61, a été composée par Robert Schumann entre 1845 et 1846, après une première période dépressive. Cela peut expliquer le caractère relativement plus sombre, avoué par le compositeur lui-même : "Je crains qu'on puisse deviner mon état de fatigue en écoutant cette musique. J'ai commencé à devenir un peu plus moi-même au cours de la rédaction des derniers mouvements et j'étais certainement en meilleure forme à l'achèvement de mon œuvre. Cela me rappelle une période sombre de ma vie", écrivit-t-il à un ami. Elle est la deuxième du nom, mais la troisième par ordre chronologique (il débuta sa quatrième symphonie dès 1841, même s'il l'acheva quelques années plus tard). Il en esquissa le contenu en décembre 1845 mais n'en acheva la partition qu'en octobre 1846.
La première représentation fut donnée par l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig le 5 novembre 1846 sous la direction de Felix Mendelssohn-Bartholdy.
Voici cette symphonie sous la direction de George Szell:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=9YCBthNDgFA&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=mmJKberYsy0&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=kjw19FTbdok&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°4
http://www.youtube.com/watch?v=l2vYPLMqOsQ&feature=related&fmt=18

25 octobre 1825 Naissance de Johan Strauss Fils

2009-10-26T00:45:00.003+01:00

Johann Strauss II ou Johann Strauss fils (25 octobre 1825 – 3 juin 1899) est un compositeur autrichien particulièrement réputé pour ses valses.
Il est le fils de Johann Strauss I, lui-même compositeur. Ses frères Josef Strauss et Eduard Strauss sont aussi compositeurs, mais Johann II est le plus célèbre de la famille. On le surnomme "le roi de la valse", car il a transformé une modeste danse rurale en un divertissement brillant, surpassant ses prédécesseurs tels que Joseph Lanner et Johann Strauss I.
Ses valses ont fait le tour du monde. Sang viennois, La Valse de l'empereur, Le Beau Danube bleu, Aimer boire et chanter, Légendes de la forêt viennoise, sont autant de chefs-d'œuvre aériens qui restent associées pour les Viennois à la joie de vivre.
Après 1860, suivant les conseils de Jacques Offenbach qui lui avait dit : "Vous devriez écrire des opérettes, monsieur Strauss", il commence à faire mûrir son projet d'écrire des opérettes, et finira après de nombreuses hésitations à se lancer dans cette carrière avec La Chauve-Souris en 1874, Une Nuit à Venise en 1883 et Le Baron tzigane en 1885.
Johann Strauss fils est resté une référence de la musique légère classique. Même l'avant-garde ne renie pas son héritage : Berg, Schoenberg ou Webern transcriront ses valses pour quatuor à cordes. Richard Wagner voyait en lui "le cerveau le plus musical qui fut jamais".
Voici quelques unes de ses plus célèbres valses:
Valse de l'Empereur par Herbert Von Karajan
http://fr.youtube.com/watch?v=QaU-raMc3v4&fmt=18
Sang Viennois
http://fr.youtube.com/watch?v=TDwUOTXPaNU&feature=related&fmt=18
Le beau danube bleu par Georges Prêtre
http://www.youtube.com/watch?v=KdM7brcpyeQ&fmt=18

22 octobre 1970 décès de Samson François

2009-10-23T00:04:00.003+02:00

Samson François (né à Francfort-sur-le-Main le 18 mai 1924 et mort à Paris le 22 octobre 1970), est un pianiste français.
Samson François étudie le piano avec Alfred Cortot, Marguerite Long et Yvonne Lefébure. Il quitte le Conservatoire de Paris en 1940, avec le Premier Prix et débute sa carrière avec le Premier Prix du Concours Long-Thibaud en 1943, il a 19 ans !
Il a laissé l'image d'un pianiste à la vie mouvementée, adepte des sorties nocturnes et des clubs de jazz, conjuguant une carrière extrêmement active et nomade avec une vie conjugale tourmentée. Ces frasques lui ont valu une réputation, plus ou moins justifiée et assez largement amplifiée, de pianiste fantasque.
La discographie et le souvenir de Samson François restent comme ceux d'un interprète extrêmement réputé de Chopin, en particulier des Études, des Préludes et des Concertos, sa carrière est également indissociable de compositeurs tels que Schumann (Études symphoniques, Concerto, Papillons) et Ravel (Gaspard de la Nuit, Le Tombeau de Couperin, Sonatine, Concerto en sol, Concerto pour la main gauche). Héritier de ce que l'on a appelé "l'école française" du piano, Samson François privilégiait avant tout la performance scénique, et un travail aussi libre que profond sur la sonorité, en particulier dans le registre romantique, ainsi que chez Debussy, mais dans une moindre mesure, bien que ses enregistrements de ce compositeur demeurent encore aujourd'hui une référence. Il s'inscrit à l'opposé de pianistes postérieurs, tels que Maurizio Pollini, qui choisirent de privilégier l'aspect technique des œuvres au détriment d'une certaine liberté d'interprétation.
"Toute ma conception de la musique a toujours été plus ou moins sentimentale. Je ne pense pas être porteur de messages, j’aime la musique par amour, tout bêtement et sans me poser de questions" Samson François.
Ses interprétations sont souvent marquées par une atmosphère romantique non dénuée de climats nocturnes et angoissés.
Il meurt avant de pouvoir mettre la dernière main à son intégrale de l'œuvre pour piano de Debussy, enregistrée de 1968 à 1970 pour la firme EMI. Il n'a pas pu enregistrer les Études, livre I.
Voici Samson François dans Chopin:
Ballade
n°1 op 23 en Sol mineur
http://www.youtube.com/watch?v=CfpCBnkmGow&fmt=18
Polonaise
op 26 n°1 en Do dièse mineur
http://www.youtube.com/watch?v=S5YJSqYZrbQ&feature=related&fmt=18

17 octobre 1841 Création de la symphonie n°5 de Franz Schubert

2009-10-18T01:24:00.002+02:00

La Symphonie n° 5 en si bémol majeur (D. 485) est une symphonie de Franz Schubert, composée à l'âge de 19 ans en Septembre-Octobre 1816.
Quoique la Cinquième Symphonie fut achevée au bout de quelques semaines, sa première exécution publique aurait eu lieu en 1841, treize ans après la mort du compositeur, bien que d'autres sources affirment que sa partition a été retrouvée encore plus tardivement. Il est probable qu'elle fut cependant jouée en privé au cours des réunions d'amis musiciens dans la maison d'Otto Hadwig.
Le numéro du catalogue (D. 485) montre que malgré son jeune âge il avait alors écrit près de la moitié de son œuvre. Il était dans une période particulièrement prolifique, d'autant plus étonnante qu'il disposait alors de peu de temps pour la composition, étant employé comme enseignant dans l'école de son père.
La Cinquième Symphonie nécessite un orchestre peu important, comprenant une seule flûte, deux hautbois, deux bassons, deux cors et les cordes. Il n'y a donc aucune clarinette ni percussions et l'orchestre est proche des effectifs pré-romantiques des premières symphonies de Mozart. Pour cette raison, elle a été surnommée "la symphonie sans tambour ni trompette".
Elle comporte quatre mouvements Allegro, Andante con moto, Menuet Allegro molto, Allegro vivace.

Voici cette symphonie sous la direction de Sir Thomas Beecham:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=XAcKKbeN1mg&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=M7vzWRzNOvo&fmt=18
partie 3
http://fr.youtube.com/watch?v=on8StyOPFcM&feature=related&fmt=18
partie 4
http://fr.youtube.com/watch?v=TI7mGcu8kVc&feature=related&fmt=18

14 octobre 1985 décès d'Emil Gilels

2009-10-14T00:37:00.002+02:00

Emil Grigoryevich Gilels né le 19 Octobre 1916 et décédé le 14 octobre 1985 était un pianiste russe considéré comme l'un des plus grands pianistes du XXe siècle.
Il était né à Odessa dans une famille de musiciens et a commencé à étudier le piano à l'âge de cinq ans. Il fit ses débuts en public à l'âge de 12 ans en Juin 1929. En 1935 il s'installe à Moscou où il étudie avec Heinrich Neuhaus un professeur très célèbre. En 1938 il remporte le premier prix du Festival international Ysaÿe à Bruxelles devant un jury comprenant entre autres Arthur Rubinstein. Pendant la guerre il joue sur la ligne de front pour les soldats.
En 1945 il crée un trio avec son beau-frère le violoniste Leonid Kogan et le violoncelliste Mstislav Rostropovitch.
Gilels fut l'un des premiers artistes soviétiques, avec David Oistrakh, autorisé à voyager et à donner des concerts à l'Ouest. Il débuta aux Etats-Unis en 1955 en jouant le premier concerto de Tchaïkovski à Philadelphie avec Eugene Ormandy. Ses débuts britanniques en 1959 furent un grand succès. En 1969 il joua pour la première fois au Festival de Salzbourg le triple concerto de Beethoven avec le Philarmonique de Vienne. En 1981, il fit crise cardiaque après un récital au Concertgebouw d'Amsterdam et il décéda au cours d'un contrôle médical à Moscou probablement suite à une erreur médicale.
Emil Gilels avait un répertoire très étendu du baroque aux derniers romantiques, il créa la première sonate de Prokofiev.
Quand il mourut il était en train de réaliser un cycle d'enregistrements des sonates de Beethoven, son interprétation de la sonate Hammerklavier reçut un grand prix du disque en 1984.
Voici donc cette sonate n°29 op 106 Hammerklavier par Emil Gilels:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=X5Ov1mMOQrk&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=gVy9L0Qm4Lc&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=rNKpLMbCH1o&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=UhXKsd23Hjo&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=4zH_DXjRagA&feature=related&fmt=18
mouvement n°4
http://fr.youtube.com/watch?v=JmwEsVCncAM&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=bIiPe2-iRH0&feature=related&fmt=18

11 octobre 1830 Création du concerto n°1 de Frederic Chopin

2009-10-11T03:41:00.002+02:00

Le Concerto pour piano n° 1 en mi mineur, opus 11, de Frédéric Chopin, a été composé en 1830.
Le compositeur en donne la création le 11 octobre 1830 à Varsovie, au Théâtre national, lors de son concert d'adieu. En effet, il quitte dans les jours qui suivent Varsovie pour Vienne. Le concert ne suscite pas dans la presse varsovienne des réactions aussi enthousiastes que pour son concerto n°2, car elle est déjà préoccupée par l'effervescence révolutionnaire qui régnait dans la capitale, la Pologne se révoltera contre la domination russe quelques semaines plus tard, le 29 novembre 1830. Chopin ne reverra plus jamais son pays natal.
Ce concerto est, contrairement à ce que semble indiquer son titre, le deuxième du compositeur, le concerto en fa mineur opus 21, ayant été composé un an avant, en 1829. La raison de cette inversion chronologique n'est pas très claire, il semble que Chopin, qui a emporté avec lui les deux partitions dans son voyage, les propose toutes les deux à un éditeur quand il s'établit à Paris, mais que seul l'opus 11 est sélectionné et édité dans un premier temps, en 1833, en raison de la difficulté de l'opus 21 (chronologiquement le premier), qui ne se prête pas à l'"usage domestique" des pianistes amateurs.
Ce concerto comporte trois mouvements : Allegro maestoso, Romance Larghetto et Rondeau Vivace.

Voici ce concerto par Martha Argerich:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=ZNIK1yaKr_4&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=eg_2ocskhkA&feature=fvw&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=1dJv8vWMLT4&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=2Nwcn_o866Q&feature=related&fmt=18

8 octobre 1953 Décès de Kathleen Ferrier

2009-10-08T00:17:00.004+02:00

Kathleen Ferrier naît le 22 avril 1912 dans le Lancashire, troisième enfant de William et Alice Ferrier et dont la soeur Win (Winifred) restera la plus proche amie jusqu'à la fin de sa vie. On ne roule pas sur l'or dans cette famille mélomane qui subit comme tout le monde la gêne financière chronique de l'entre-deux-guerres. Si la vive et intrépide Kathleen apprend le piano avec succès et récolte de nombreux prix, elle doit cependant quitter l'école à 14 ans pour aider ses parents et devient tour à tour télégraphiste et standardiste à la Poste ! Ce qui ne l'empêche pas de poursuivre ses cours de piano, de s'adonner au ping-pong, au tennis, à la natation et au golf ! Elle épouse en 1935 Bert Wilson, un ami d'enfance mais la camaraderie n'étant pas l'amour... le mariage est annulé quelques années plus tard. Entre temps, s'apercevant qu'elle peut et aime chanter, elle participe aux tournées du CEMA (Conseil pour l'Encouragement de la Musique et des Arts) qui donne des concerts d'excellente qualité aux armées et dans les usines. C'est une rude école car il faut voyager dans de très mauvaises conditions et par tous les temps, mais la bonne humeur et l'entrain de Kathleen, communicatifs, ne se laissent jamais entamer. Son professeur de chant, le Dr Hutchinson, lui obtient d'ailleurs une Bourse et elle sillonne ainsi l'Angleterre de 1940 à 1943. L'imprésario Tillett l'engage, elle s'installe à Londres avec son père et sa soeur pendant l'hiver 43 (le Général de Gaulle est leur voisin !) et prend des cours de chant avec Roy Henderson, professeur à l'Académie Royale de Musique, impressionné par la "robustesse exceptionnelle de sa voix". Le 17 mai 1943 marque son premier succès public : elle chante à l'abbaye de Westminster Le Messie de Haendel, aux côtés de Peter Pears. Elle y rencontre les pianistes Gerald Moore et Phyllis Spurr qui seront de fidèles accompagnateurs ainsi que le chef Barbirolli, qui deviendra l'un de ses plus proches amis. Sa carrière est lancée, son répertoire se précise peu à peu : l'oratorio, Bach, Haendel, la musique anglaise et déjà Brahms et Schumann. Elle enregistre également ses premiers disques.

En 1946, Peter Pears l'ayant présentée à Britten subjugué, elle crée à Glyndebourne Le Viol de Lucrèce, bien qu'elle se sente gauche et maladroite sur une scène d'opéra. Un mauvais Carmen l'en dégoûtera totalement. Pourtant, elle endosse le rôle d'Orphée (qui deviendra un de ses rôles mythiques) dans l'opéra de Gluck l'année suivante à Glyndebourne, après avoir chanté Mahler pour la première fois sous la direction d'un Bruno Walter conquis. En 1948 s'enchaînent les tournées aux Etats-Unis, aux Pays-Bas, en Scandinavie, en Angleterre. Sans doute les années 1949-1951 sont-elles les plus importantes: une nouvelle tournée américaine, la rencontre du pianiste John Newmark, un séjour en Hollande (marqué par l'Orfeo et la création de la Spring Symphony de Britten), Salzbourg, Das Lied von der Erde sous la direction de B. Walter, le festival d'Edimbourg avec le même Walter au piano, un triomphe aux Etats-Unis, des concerts Bach à Vienne avec Karajan, de nouveau le Festival d'Edimbourg et des enregistrements légendaires : les Kindertotenlieder avec Walter, Frauenlieben und leben de Schumann, Les Vier ernste Gesänge avec John Newmark.

Sa vie privée indique le choix de la solitude amoureuse, elle rompt avec Rick Davis, antiquaire de Liverpool en 1951 une liaison débutée en 1948. La même année, la découverte d'un cancer l'oblige à l'ablation d'un sein, et à d'astreignantes séances de rayons pour vaincre les métastases. Par miracle, sa voix est intacte et elle peut chanter la Messe en Si à l'Albert Hall. L'été 1951 la conduit à de nouvelles séances de rayons, la maladie évolue dans d'épuisantes souffrances. Pourtant, elle entreprend en 1952 une tournée avec Britten, enregistre un sublime Das Lied von der Erde au fil d'éprouvantes séances et chante encore Orphée sur scène le 6 février 1953 bien que la douleur la paralyse au dernier acte. Ce sera sa dernière apparition sur scène.

Après avoir lutté sans rémission 8 mois encore, elle s'éteint le 8 octobre 1953, veillée par sa sœur, après avoir été assistée jusqu'au bout de John Barbirolli et de quelques intimes.

"La figure de cette artiste morte prématurément appartient à la légende musicale de notre siècle. Elle évoque, aux côtés du pianiste Dinu Lipatti et de la violoniste Ginette Neveu, l'image rilkéenne d'un ange foudroyé, dont l'absence et le souvenir ne cessent de nous hanter. " extrait de La Voix de Kathleen Ferrier, de Benoît Mailliet.

Où que l'on se tourne, musiciens, mélomanes et critiques sont unanimes et les qualificatifs les plus élogieux reviennent identiques et passionnés pour essayer de cerner la voix, l'art et l'humanité de Kathleen Ferrier. "La voix est l'individu" affirmait le ténor Peter Pears. "Chez Kath, sa personnalité était tout entière dans sa voix, qu'elle chantât le plus simple des refrains, le plus tragique lied de Mahler, ou la partie d'alto du Messie. Grandeur, pureté, somptueuse et large voix de vrai contralto, humilité devant la musique, disponibilité d'esprit, puissant pouvoir d'émotion, souffle superbement tenu, pudeur, plénitude du son, sincérité de l'expression. Et cette fragilité dans le léger vibrato de la voix, cette vulnérabilité que l'ombre tient captive, cette densité de la douleur qui chante la lumière!"

Voici Kathleen Ferrier dans Der Abschied (l'Adieu) extrait de Das Lied von der Erde (les Chants de la Terre) de Gustav Mahler dans un enregistrement exceptionnel et historique dirigé par son cher Bruno Walter:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=-LE48mLGBdI&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=vnTPint9LJY&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=92jYr_8f-vU&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=vwzCtlfZbKU&feature=related&fmt=18

5 octobre 1880 Naissance de Jacques Offenbach

2009-10-04T20:36:00.002+02:00

Jacques Offenbach est un compositeur et violoncelliste allemand, naturalisé français, né à Cologne le 20 juin 1819 et mort à Paris le 5 octobre 1880.
Jacques Offenbach naît en Allemagne en 1819. Son père, Isaac Judas Eberst, est cantor de la synagogue de Cologne. Originaire d'Offenbach am Main près de Francfort, celui-ci adopte le patronyme d'Offenbach vers 1810, en vertu du décret napoléonien du 28 juillet 1808.
Le jeune Jacob révèle très jeune ses dons pour le violoncelle, ce qui conduit son père à lui faire poursuivre ses études musicales à Paris. Offenbach étudie le violoncelle au Conservatoire de Paris, où il est admis à titre dérogatoire à l'âge de quatorze ans, et débute parallèlement une carrière de soliste virtuose. Indiscipliné, il quitte l'établissement au bout d'un an pour rejoindre l'orchestre de l'Opéra Comique, puis devient directeur musical de la Comédie-Française en 1847, grâce au succès d'une série de chansonnettes. En 1855, il crée son propre théâtre, les Bouffes-Parisiens sur les Champs Elysées afin qu'y soient exécutées ses propres œuvres. Il travaille entre autre avec les librettistes Henri Meilhac et Ludovic Halévy.

Émule de Rossini et de Mozart, il est le créateur de l'opéra-bouffe français, que l'on confondit par la suite avec l'opérette, genre dans lequel il excelle également mais dont on doit la paternité à son rival et néanmoins ami le compositeur-interprète Hervé. Parmi la centaine d'œuvres qu'il compose en 40 ans d'activité, plusieurs sont devenues des classiques du répertoire lyrique, d’Orphée aux Enfers en 1858, son premier grand succès grâce notamment à son "galop" final, aux Contes d'Hoffmann, en passant par La Grande Duchesse de Gérolstein, La Belle Hélène, La Vie parisienne ou Les Brigands (et le fameux "bruit de bottes" des carabiniers arrivant après la bataille).
Il meurt dans la nuit du 4 au 5 octobre 1880 à 61 ans des suites de la goutte, quatre mois avant la création des Contes d'Hoffmann, alors en répétitions. Il est enterré au cimetière de Montmartre (division 9) et sa tombe a été réalisée par Charles Garnier.
Voici quelques extraits d'œuvre de Jacques Offenbach:
Les Contes d'Hoffmann
Acte II: Olympia par Nathalie Dessay
http://www.youtube.com/watch?v=cEf1dvHqxPk&feature=related&fmt=18
Orphée aux enfers
Ouverture avec le galop à la fin
http://www.youtube.com/watch?v=y4hs7vW8SV0&fmt=18
Et le Galop seul qui est devenu la musique du French cancan
http://www.youtube.com/watch?v=g0WRJES4cyw&fmt=18

1° octobre 1903 Naissance de Vladimir Horowitz

2009-10-02T20:38:00.002+02:00

Vladimir Horowitz né à Kiev le 1er octobre 1903 et mort à New York le 5 novembre 1989, est un pianiste virtuose russe de renommée mondiale.
Pianiste mythique, "roi des pianistes", Vladimir Horowitz fut admiré pour la puissance de son jeu pianistique et pour ses multiples prouesses techniques, par le public comme par les pianistes professionnels Clara Haskil, qui le surnommait "Satan au clavier", Martha Argerich, Sviatoslav Richter, Arthur Rubinstein.
Il gagna la réputation de meilleur virtuose pour ses interprétations de Liszt, Chopin, Rachmaninov, Scriabine et Tchaïkovski. Soulignons aussi l'art d'Horowitz dans l'interprétation de la musique impressionniste (Liszt, Au bord d'une source par exemple, Wagner Isoldes Liebestod arrangée pour piano par Liszt, un des derniers enregistrements d'Horowitz) mais aussi de la musique moderne, il créa de nombreuses sonates de Kabalevski et de Prokofiev aux USA. Il fit aussi redécouvrir au monde musical des compositeurs tels que Clementi ou Scarlatti, en s'ingéniant à démontrer qu'ils furent des précurseurs du romantisme et de la musique de Beethoven.
Il mettait beaucoup de soin à composer ses récitals, et à choisir les quelques morceaux dignes d'être interprétés en concert ou en enregistrement. Comme conséquence, sa discographie est moins étendue qu'on aurait pu le souhaiter. Toutes ses interprétations étaient mûrement réfléchies.
"L'ouragan des steppes" déplaçait des foules pour chacun de ses concerts où les places étaient chères et réservées très longtemps à l'avance. Son très étroit et complice rapport au public était constitutif de son grand charisme. Cependant, ses rares concerts étaient très appréciés du fait qu'il y réalisait ses meilleures interprétations, surpassant de loin tous les enregistrements programmés en studio. Horowitz arrivait à des performances incroyables devant des milliers de personnes, prenant de grands risques pianistiques devant lesquels reculent la quasi-totalité des pianistes en public. Il était aussi le seul pianiste à faire ses concerts sur son propre piano.
Le voici dans une interprétation de la sonate n°2 op 35 en Si bémol mineur "funèbre" de Chopin donnée à la Maison Blanche pour le Président Carter:
http://fr.youtube.com/watch?v=OYG-Q-TlC8E&fmt=18

30 septembre 1791 Création de La Flûte enchantée de Mozart

2009-09-30T01:05:00.002+02:00

La Flûte Enchantée est un opéra de Mozart créé le 30 septembre 1791 à Vienne. Les thèmes abordés dans cet opéra sont pour beaucoup empruntés au rituel d'initiation de la Franc-maçonnerie dont Mozart était un membre actif.
Quelques parties ici entre crochets ne figurent pas dans l'intégrale proposée.
Acte I
Egaré en voyage dans un pays inconnu, le prince Tamino est attaqué par un serpent géant. Alors qu'il s'évanouit sûr de mourir, il est sauvé par les trois dames d'honneur de la Reine de la Nuit. Pendant que le prince est encore évanoui, les trois dames chantent la beauté du jeune homme. Elles décident d'aller porter la nouvelle à leur reine, mais chacune d'elles veut rester près de Tamino proposant aux deux autres de porter le message. Après s'être disputées, elles disparaissent. Le prince se réveille et voit le corps inanimé du monstre. Se demandant s'il a rêvé ou si quelqu'un lui a sauvé la vie, il entend soudain un air de flûte de Pan. Il se cache et voit arriver Papageno l'oiseleur. Papageno se vante d'avoir tué le serpent. [Les trois dames réapparaissent et le punissent de ce mensonge en lui donnant de l'eau à la place du vin et une pierre à la place du pain sucré qu'elles lui donnent d'habitude. Pour finir, elles le réduisent au silence en lui fermant la bouche avec un cadenas en or. Les trois dames révèlent à Tamino qu'elles lui ont sauvé la vie. Elles lui parlent ensuite de Pamina, la fille de la Reine de la Nuit. Elles lui montrent son portrait, et disparaissent].
À la vue du portrait, Tamino tombe amoureux de la jeune fille et songe au bonheur qui l'attend. Réapparaissent les trois dames lui disent de qui Pamina est prisonnière. Aussitôt, Tamino n'en a que plus envie de la délivrer. La Reine de la Nuit apparaît alors dans un grondement de tonnerre et lui narre son désespoir de voir sa fille prisonnière. Elle dit finalement à Tamino que si elle le voit revenir vainqueur, Pamina sera sienne pour l'éternité. La Reine disparaît. Tamino s'interroge alors sur ce qu'il a vu et prie les Dieux de ne pas l'avoir trompé.
Apparaît alors Papageno triste de ne plus pouvoir parler. Les trois dames réapparaissent et le libèrent de son cadenas, lui faisant promettre de ne plus mentir. Elles remettent également à chacun un instrument qui leur est envoyé par la Reine. Tamino se voit offrir une flûte enchantée, tandis que Papageno reçoit un carillon magique. Ces instruments les aideront à triompher des épreuves qui les attendent. Les deux hommes partent en quête de Pamina chacun de son côté.
Dans le palais de Sarastro, le serviteur maure Monostatos poursuit désespérément Pamina de ses assiduités. Survient Papageno. Le Maure et l'oiseleur se trouvent face à face. Chacun effraie l'autre croyant être en présence du Diable. Monostatos s'enfuit, et Papageno se trouve seul avec Pamina. Il lui révèle alors qu'un prince va venir la délivrer, en ajoutant que le prince est devenu follement amoureux d'elle sitôt qu'il a vu son portrait. Pamina lui fait un compliment sur son grand cœur. Touché par ces paroles, Papageno raconte alors sa tristesse de ne pas encore avoir trouvé sa Papagena. Pamina le réconforte, et la princesse et l'oiseleur s'accordent pour chanter la beauté de l'amour avant de fuir.
Pendant ce temps, Tamino est conduit vers les trois temples de la Sagesse, de la Raison et de la Nature par trois génies qui lui recommandent de rester ferme, patient et discret. Après que Tamino s'est vu refuser l'entrée des deux premiers temples, un prêtre s'adresse à lui pour lui expliquer que Sarastro n'est pas un monstre comme la Reine de la Nuit le lui a décrit, mais qu'il est au contraire un grand sage. Tamino, saisi par la solennité de la cérémonie, s'éprend d'une soif de connaissance et se met à poser des questions aux prêtres. Il saisit sa flûte magique et en accompagne son chant. Il se retrouve alors entouré de bêtes sauvages sorties de leur repaire qui viennent se coucher à ses pieds, charmées par le son de l'instrument. Seule Pamina ne répond pas aux sons cristallins de la flûte, mais Papageno répond à Tamino sur sa flûte de Pan. Réjoui, le prince essaie de les rejoindre.
De leur côté, Papageno et Pamina espèrent retrouver Tamino avant que Monostatos et ses esclaves ne les rattrapent. mais ils surgissent tout à coup et le Maure ordonne que les fugitifs soient enchaînés. Papageno se souvient alors qu'il possède un carillon magique et s'en sert pour envoûter Monostatos et ses esclaves qui se mettent à danser et à chanter avant de disparaître. Une fanfare de trompettes interrompt soudain le silence : c'est Sarastro suivi par une procession de prêtres. Papageno tremble de peur et demande à Pamina ce qu'il faut dire. Pamina répond qu'il faut dire la vérité même s'il leur en coûte, et s'agenouille devant Sarastro. Comme elle a décidé de dire la vérité, elle explique alors à Sarastro qu'elle tente d'échapper à Monostatos. Celui-ci refait alors son apparition, traînant avec lui Tamino qu'il a capturé. Aussitôt qu'ils se voient, Pamina et Tamino se jettent dans les bras l'un de l'autre en présence de Monostatos et des prêtres. Ce dernier les sépare et se prosterne devant Sarastro pour ensuite vanter ses mérites personnels. Il s'attend à être récompensé, mais est au contraire condamné à recevoir soixante-dix-sept coups de fouet. Sarastro ordonne alors que Papageno et Tamino soient conduits au Temple des Épreuves pour se purifier.
Acte II
Sarastro annonce aux prêtres que les Dieux ont décidé de marier Tamino et Pamina. Mais auparavant, Tamino, Pamina et Papageno devront traverser des épreuves avant de pénétrer dans le Temple de la Lumière qui leur permettra de contrer les machinations de la Reine de la nuit. Sarastro prie Isis et Osiris d'accorder aux candidats la force de triompher de ces épreuves.
Les prêtres interrogent Tamino et Papageno sur leurs aspirations. Celles de Tamino sont nobles, tandis que Papageno n'est intéressé que par les plaisirs de la vie, y compris par l'idée de trouver une compagne. Leur première épreuve consiste en une quête de la Vérité. Les prêtres leur enjoignent de conserver le silence complet et les laissent seuls. C'est alors qu'apparaissent les trois dames de la Reine de la Nuit. Tamino leur oppose un silence résolu, mais Papageno ne peut s'empêcher de leur parler. Les prêtres réapparaissent pour féliciter Tamino et gronder la faiblesse de Papageno.
Pendant ce temps, Pamina est étendue assoupie dans un jardin. C'est alors qu'entre Monostatos, décidé à tenter à nouveau la vertu de la jeune fille. La Reine de la Nuit apparaît alors dans un coup de tonnerre, faisant fuir Monostatos. 31 Elle donne un poignard à sa fille et le somme de tuer Sarastro, menaçant même de la renier si elle ne lui obéit pas (Air de la Reine de la Nuit). Et la Reine de la Nuit disparaît. Monostatos revient alors vers Pamina et tente de la faire chanter. Mais Sarastro apparaît et renvoie Monostatos sans ménagement. Le Maure décide alors d'aller trouver la mère de Pamina. Sarastro déclare alors à Pamina qu'il fera payer sa mère.
Dans une pièce sombre, les prêtres ont une nouvelle fois demandé à Tamino et Papageno de garder le silence. Comme toujours Papageno ne peut se maîtriser et engage la conversation avec une vieille femme qui se présente à lui. Elle disparaît avant de lui avoir dit son nom. Les trois génies leur rapportent la flûte enchantée et le carillon magique et de quoi manger.
Pamina apparaît et, ignorante de leur vœu de silence, s'approche des deux hommes. C'est alors qu'elle désespère de ne recevoir aucune réponse de leur part. Croyant que Tamino ne l'aime plus, elle sort le cœur brisé.
Les prêtres réapparaissent et proclament que Tamino sera bientôt initié. Sarastro le prépare à ses dernières épreuves. [Pamina est introduite les yeux bandés après qu'on lui a dit qu'elle verrait Tamino pour qu'il lui fasse un dernier adieu. Il s'agit en fait d'une épreuve et Sarastro s'applique à rassurer Pamina, mais elle est trop abattue pour comprendre le sens de ses paroles] .
Pendant ce temps, Papageno se voit accorder le droit de réaliser un vœu. Il demande un verre de vin, mais prend conscience qu'il aimerait par-dessus tout avoir une compagne. Il chante alors son désir en s'accompagnant de son carillon magique. La vieille femme réapparaît, et menace Papageno des pires tourments s'il ne consent pas à l'épouser. Il lui jure alors fidélité et elle se découvre être une jeune et belle femme. Mais un prêtre les sépare sous prétexte que Papageno ne s'est pas encore montré digne d'elle.
Dans un jardin, les trois génies annoncent l'avènement d'une ère nouvelle, de lumière et d'amour. Ils voient soudain Pamina, agitée par des idées de suicide. Ils la sauvent et la rassurent sur l'amour de Tamino.
Les prêtres conduisent Tamino vers ses deux dernières épreuves : celle du feu et celle de l'eau. Pamina se joint à lui, et le guide à travers ses dernières épreuves. Ils sont accueillis triomphants par Sarastro et les prêtres.
De son côté, Papageno est toujours à la recherche de Papagena. Désespéré, l'oiseleur envisage de se pendre à un arbre. Les trois génies apparaissent alors, et lui suggèrent d'utiliser son carillon magique pour attirer sa compagne. Profitant qu'il joue de l'instrument, les trois génies vont quérir Papagena et l'amènent à son amoureux. Après s'être reconnu, le couple peut enfin converser dans la joie.
À la faveur de l'obscurité, Monostatos mène la Reine de la Nuit et ses dames vers le temple pour une dernière tentative contre Sarastro. Mais le ciel est alors inondé de lumière et elles s'évanouissent dans les ténèbres ainsi que lui. Sarastro et le chœur des prêtres apparaissent pour vanter les mérites des nouveaux initiés, et louer l'union de la force, de la sagesse et de la beauté.

Voici en intégral et en playlist la version du Metropolitan Opéra de New York (le MET) sous la direction de James Levine:
http://www.youtube.com/watch?v=L5jyNLWkWtY&feature=PlayList&p=54A7C185FE4E0B5E&index=0&playnext=1

25 Septembre 1906 Naissance de Dmitri Chostakovitch

2009-09-28T00:47:00.004+02:00

Dmitri Chostakovitch, né le 25 septembre 1906 à Saint-Pétersbourg en Russie et décédé le 9 août 1975 à Moscou en URSS, est un compositeur russe de la période soviétique.
Après avoir étudié le piano avec sa mère, elle-même musicienne professionnelle, Dmitri Chostakovitch entre en 1919 au Conservatoire de Petrograd, où il étudie le piano et la composition.
En 1926 a lieu la création de sa première symphonie, œuvre d'une maturité de métier si exceptionnelle chez un garçon de vingt ans que des chefs d'orchestre tels que Bruno Walter, Leopold Stokowski et Arturo Toscanini l'adoptent immédiatement et lui assurent une renommée internationale. L'œuvre vaut même à son jeune auteur une lettre de félicitation d'Alban Berg.
En 1927, le gouvernement lui commande sa Seconde Symphonie pour commémorer l'anniversaire de la Révolution russe. La même année, il obtient un diplôme d'honneur au concours Chopin de Varsovie. Entre l'été 1927 et l'été 1928, Chostakovitch s'attelle à l'écriture de l'opéra Le Nez. La partition résolument avant-gardiste rend à merveille l'ironie et le sarcasme du récit de Gogol. Celui-ci connaît un immense succès populaire. Il écrit en 1929 sa première musique de film, La Nouvelle Babylone, puis sa Troisième Symphonie. Il compose ensuite deux ballets, l'Âge d'or et le Boulon, deux échecs publics.
En mai 1932, Chostakovitch se marie avec Nina Varzar et achève à la fin de l'année la composition de son second opéra, Lady Macbeth du district de Mtsensk. L'œuvre est créée en 1934 et remporte un immense succès, avec trois productions et quelque deux cents représentations tant à Leningrad qu'à Moscou au cours des deux années qui suivent, en plus de nombreuses exécutions en dehors de l'URSS.
Au cours du premier Congrès de l'Union des écrivains soviétiques, en été 1934, Gorki présente la doctrine du réalisme socialiste. Les gens du cinéma se réunissent en janvier 1935 et rendent hommage à cette dictature idéologique. La fin de l'année 1934 ouvre une des pages les plus sombres de l'histoire russe: l'assassinat de Kirov marque le déclenchement d'une terreur d'une ampleur sans précédent, donnant le signal à des persécutions massives et à d'innombrables condamnations.
Le 28 janvier 1936 paraît dans la Pravda un article intitulé "Le chaos remplace la musique", violente diatribe contre l'opéra Lady Macbeth, probablement dictée par Staline lui-même qui avait en effet assisté deux jours auparavant à une représentation de l'opéra au Bolchoï, et l'avait détesté. Trois types de reproches étaient faits à l'œuvre de Chostakovitch : sa musique, faite de "tintamarre, grincements, glapissements"; son "formalisme petit-bourgeois" qui niait simplicité et réalisme socialiste au profit de l'"hermétisme"; et son "naturalisme grossier" montrant sur scène des personnages "bestiaux", "vulgaires". L'article va même jusqu'à menacer l'existence de Chostakovitch par cette phrase lourde de sens en pleine folie des purges staliniennes : "On joue avec l'hermétisme, un jeu qui pourrait mal finir".
Voila comment on traitait les artistes dans le paradis socialiste…
Les représentations furent aussitôt arrêtées. Le 6 février 1936, Chostakovitch subit un autre coup du sort avec la publication dans la Pravda d'un article éreintant son ballet le Clair Ruisseau (Le Clair Ruisseau est le nom du Sovkhoze que tous les soviétiques de cette époque connaissaient car, à chaque automne, c'est dans cette ferme d'État modèle qu'étaient tournées les actualités cinématographiques montrant que la nouvelle récolte était encore plus abondante que les précédentes). Puis, quelques jours plus tard, il fait l'objet d'une condamnation officielle au cours d'une réunion de la section de Leningrad de l'Union des compositeurs.
Beaucoup de ses anciens amis rivalisent alors d'attaques contre lui. Chostakovitch devient ainsi officiellement un "ennemi du peuple", accusation qui, dans l'URSS des années 30, précédait bien souvent une déportation. En juin 1937, il est convoqué par le NKVD pour être interrogé et ne doit sa survie qu'à l'exécution de l'officier en charge de son dossier. L'attente constante du pire le plonge dans l'insomnie et la dépression. Il est hanté par des idées de suicide, qui ne cesseront de le tourmenter toute sa vie.
Obligé de faire des concessions, Chostakovitch donne à sa musique des accents plus traditionnels. Sa symphonie n° 5, dont la facture très classique emprunte à Beethoven et Tchaïkovski, lui permet un retour en grâce. Cette œuvre est officiellement qualifiée de "réponse d'un artiste soviétique à de justes critiques". (sic!)

Réhabilité en 1941, il est nommé professeur au Conservatoire de Leningrad et reçoit le Prix Staline pour son Quintette avec piano et cordes.
Il écrit, la Symphonie n° 7 "Leningrad", au moins en partie, en 1941 à Léningrad durant le siège de la ville, et la crée toujours durant le siège dans des conditions irréelles (des musiciens recrutés parmi la troupe, des haut-parleurs, des bombardements préventifs des lignes allemandes pour assurer le silence). Rapidement populaire aussi bien à l'Ouest qu'à l'Est, elle est jouée 62 fois sur le continent américain entre 1942 et 1943.

La Symphonie n° 8, dite parfois « Stalingrad » (cet hommage n'est pas de Chostakovitch lui-même), tragique et triomphale, est écrite en 1943. Elle est dédiée à Mravinski et est considérée par beaucoup comme le chef-d'œuvre symphonique de Chostakovitch. Elle est parfois comparée à un cri de protestation contre la guerre, le totalitarisme et la volonté de suprématie en général.

Ces deux symphonies, peut-être sombre et pessimiste quant à la seconde, lui valurent d'être soupçonné "d'esprit contre-révolutionnaire et antisoviétique", tant elles s'accordaient mal avec la propagande du régime. Ainsi, lorsque la guerre prit fin, le public et Staline s'attendaient à ce que Chostakovitch produisît une symphonie en forme d'apothéose. Tout au contraire, la Neuvième Symphonie ne dure pas plus d'une demi-heure et ne nécessite qu'un petit orchestre classique. Elle contient des thèmes que certains estiment légers, voire ridicules; les cuivres sont parfois traités comme on le ferait d'une fanfare de cirque, a-t-on même pu lire. Parmi ses collègues musiciens certains lui demandèrent, incrédules, s'il était sérieux, alors qu'au sein du parti on l'accusait de tourner en dérision la victoire.
En 1948, emporté par le tout puissant Jdanovisme artistique, il est, dans un premier temps, critiqué ouvertement (avec d'autres musiciens) lors d'une résolution du parti du 10 février 1948. Il doit faire alors, à plusieurs reprises, son autocritique et perd sa place de professeur, pour ne retrouver un poste qu'en 1961. Son fils Maxime Chostakovitch est même contraint de le condamner publiquement. Alors que le Parti renforce son emprise sur la vie culturelle et artistique soviétique, Chostakovitch, une seconde fois victime de la lutte contre le formalisme, écrit son œuvre la plus ouvertement contestataire, le Raïok, dans laquelle il se moque de Staline et de ses subalternes.

En juillet 1947, il aborde la composition du Premier Concerto pour violon, puis, durant l'été 1948, il écrit ses Chansons juives, notamment en réaction à l'antisémitisme ambiant. Il sera contraint de cacher ces œuvres, comme jadis la Quatrième Symphonie.

En 1949, Chostakovitch, participe à un voyage aux États-Unis organisé à l'occasion d'un congrès culturel. Il écrit la même année son oratorio le Chant des forêts, une œuvre de circonstance, mais non dénuée d'intérêt, ainsi que son Quatrième Quatuor à cordes, dans lequel se fait sentir l'influence du folklore juif, et qui ne sera créé qu'en 1953. C'est également en 1949 qu'il composa la musique du film La Chute de Berlin. En 1950, année du bicentenaire de la mort de Bach, Chostakovitch s'attèle à un cycle de 24 préludes et fugues puis, durant l'hiver 1952, il compose son Cinquième Quatuor à cordes.

En 1953, alors que la situation de Chostakovitch semblait figée, comme celle de bien d'autres musiciens soviétiques, survient l'annonce de la mort de Staline, le 6 mars 1953. Le compositeur revient alors à l'écriture symphonique, après cinq ans d'arrêt, en composant sa Dixième Symphonie de juillet à octobre 1953. La création en décembre 1953 est un triomphe. Même après la mort de Staline, le dogme du réalisme socialiste règne toujours en maître. Mais les premiers indices de changement se manifestent, et de nombreuses œuvres de Chostakovitch vont peu à peu reprendre place dans la vie musicale: les Chansons juives et le Premier Concerto pour violon sont ainsi créés en 1955 plus de sept ans après leur compositions. Chostakovitch reçoit le prix international de la paix en 1953.
Peu après, le compositeur traverse une crise d'inspiration. Il est en outre confronté à la mort de sa femme Nina fin 1954 ainsi qu'à celle de sa mère l'année suivante. Chostakovitch fête ses cinquante ans en 1956, année riche en événements. Lors du XXe Congrès du Parti, Khrouchtchev dénonce les crimes de Staline. Une vague libertaire s'étend à tout l'URSS. Dmitri Chostakovitch est à nouveau réhabilité en 1958, avec la publication d'un décret du Parti sur la correction des erreurs commises en 1948. De nombreux musiciens tels que Prokofiev, Khatchatourian, Chebaline, Popov, Miaskovski sont de même réhabilités.
Le XXIIe Congrès du Parti, en octobre 1961 marque une nouvelle étape dans les transformations intervenues depuis la mort de Staline. On assiste ça et là à des événements d'une portée capitale, comme l'arrivée de Leonard Bernstein et de l'Orchestre de New York dès 1959, ou le retour d'Igor Stravinski en 1962, après cinquante ans d'absence. Un événement musical inattendu se produit: le 30 décembre 1961, l'Orchestre philharmonique de Moscou placé sous la direction de Kirill Kondrachine donne pour la première fois la Quatrième Symphonie de Chostakovitch.

Au printemps 1962, Chostakovitch compose sa Treizième Symphonie, sur des textes d'Evgueni Evtouchenko. Le théâtre Stanislavski et Némirovitch Dantchenko de Moscou met en répétition Lady Macbeth de Mzensk, qui a changé de titre pour devenir Katerina Ismaïlova. En 1964, il écrit ses Neuvième et Dixième Quatuors à cordes, puis s'attèle à un poème vocal et instrumental sur un fragment poétique d'Evtouchenko, l'Exécution de Stépane Razine.

En octobre 1964, on assiste à la chute de Khrouchtchev et la nouvelle équipe au pouvoir s'éloigne de plus en plus de la voie du libéralisme.
L'année 1966, celle des soixante ans du compositeur, est particulièrement chargée. Des concerts solennels ont organisés dans le monde entier en son honneur. En février, il compose son Onzième Quatuor, puis en avril son Deuxième Concerto pour violoncelle, dédié à Rostropovitch. Le 28 mai 1966, Chostakovitch participe comme pianiste à un concert consacré à ses œuvres. C'est la dernière fois qu'il joue en public. Dans la nuit, il est frappé d'une crise cardiaque, et reste plusieurs semaines à l'hôpital.
Le Second Concerto pour violon, dédié à David Oïstrakh, est créé à l'automne 1967. En mars 1968, Chostakovitch achève son Douzième Quatuor à cordes. Pour la première fois, il utilise le langage dodécaphonique dans une de ses œuvres. On retrouvera cette technique dans son œuvre suivante, la Sonate pour violon et piano.

Le compositeur passe les mois de janvier et de février 1969 de nouveau à l'hôpital. Il lit beaucoup et se prend de passion pour des poèmes de Baudelaire, d'Apollinaire et de Rilke. Il s'attelle aux premières mesures de sa Quatorzième Symphonie à la mi-janvier. Cette œuvre a pour thème principal la mort, et c'est la première de plusieurs œuvres de Chostakovitch qu'on peut interpréter comme un adieu à la vie.

En juin 1970, il compose son Treizième Quatuor à cordes. Au début de l'année suivante, il se met à composer sa Quinzième Symphonie, qui sera créée à Moscou en janvier 1972, sous la direction de son fils Maxime Chostakovitch. Le 17 septembre 1971, il subit un nouvel infarctus.

Les dernières années de la vie de Chostakovitch coïncident avec celles de l'ère Brejnev, période durant laquelle le régime se durcit. Des mouvements d'opposition émergent toutefois, avec à leurs têtes Soljenitsyne et Sakharov. Parmi les musiciens, Rostropovitch est le seul à rejoindre les rangs de l'opposition. Chostakovitch n'a plus la force ni le courage de se révolter contre la situation politique. Il accepte de signer la lettre officielle condamnant Sakharov.

Après l'achèvement de sa Quinzième Symphonie, il n'écrit plus une note pendant un an et demi. Le spectre de la mort rôde autour de lui et lui enlève beaucoup d'amis proches. Au printemps 1973, il reprend le dessus et écrit son Quatorzième Quatuor à cordes et Six Romances sur des poèmes de Marina Tsvetaïeva. À la fin de l'année, on diagnostique chez lui un cancer.

Au printemps 1974 naît le Quinzième Quatuor à cordes, suivi d'une autre œuvre majeure, la Suite pour basse et piano sur des poèmes de Michel-Ange. En avril 1975, lors d'un séjour dans une maison de santé, Chostakovitch écrit un cycle de mélodies dédié à Nesterenko : quatre poèmes du capitaine Lebiadkine pour basse et piano, sur des textes de Dostoïevski. Il compose ensuite sa dernière œuvre, la Sonate pour alto et piano, terminée en juillet.

Admis à l'hôpital, Chostakovitch meurt le 9 août 1975. Les funérailles ont lieu le 14 août. La création de la Sonate pour alto et piano a lieu le 25 septembre 1975, jour de l'anniversaire du compositeur.
Voici sa symphonie n°5 "réponse d'un artiste soviétique à de justes critiques" en ré mineur sous la direction de Michael Tilson Thomas:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=2qhREaPYLw0&feature=channel_page&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=Lqn3xl1jIIk&feature=channel&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=IXQbaWkINEc&feature=channel&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=xi3zcILtS1g&feature=channel&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=Hna6Sb4RtE8&feature=channel&fmt=18
mouvement n°4
http://fr.youtube.com/watch?v=kfvBz3huGZU&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=axN0A5n-4yA&feature=related&fmt=18

26 septembre 1957 Création de West Side Story de Leonard Bernstein

2009-09-23T22:32:00.004+02:00

West Side Story est une comédie musicale de Leonard Bernstein (musique), Stephen Sondheim (lyrics) et Arthur Laurents (livret), inspirée de Roméo et Juliette de William Shakespeare et créée le 26 septembre 1957 au Winter Garden Theater sur Broadway.
Une adaptation cinématographique, West Side Story, a été réalisée par Robert Wise et Jerome Robbins en 1961.
L'histoire est inspirée de Roméo et Juliette de William Shakespeare. À New York, dans les années 1950, deux gangs de rue rivaux, les Jets (américains de la première génération, fils d'immigrés irlandais ou polonais) et les Sharks (d'origine portoricaine), font la loi dans le quartier de West Side. Ils se provoquent et s'affrontent à l'occasion. Tony et Maria, chacun d'eux attaché à l'un des belligérants, tombent amoureux, mais le couple doit subir le clivage imposé par leur clan.
Les airs de West Side Story sont dans toutes les têtes aussi avons-nous choisi de vous proposer d'être au cœur de la musique avec des vidéos de l'enregistrement réalisé par Leonard Berstein pour le disque, les répétitions sont toujours instructives, et celles-ci ne manquent pas de saveur. Kiri Te Kanawa chante Maria et José Carreras Tony, malgré leur niveau il leur arrive de chanter faux ou de ne pas être en mesure mais l'oreille de Bernstein ne laisse rien passer. Vous pourrez aussi remarquer l'orchestration très particulière de West Side Story.
Voici les principaux morceaux avec sous titres en français:
America
http://www.youtube.com/watch?v=VAxvI7Hz10Q&NR=1&fmt=18
Cool
http://www.youtube.com/watch?v=ndLn7brdpfg&fmt=18
I feel pretty
http://www.youtube.com/watch?v=Ri7omuize9I&feature=channel_page&fmt=18
Danse at the gym
http://www.youtube.com/watch?v=HZ3zTj4LKz8&feature=channel_page&fmt=18
Officer Krupke
http://www.youtube.com/watch?v=cDVHmxOlaPI&feature=related&fmt=18
Pour ceux qui veulent aller plus loin voici l'ensemble des vidéos de cet enregistrement en playlist mais sans sous titre français:
http://www.youtube.com/watch?v=FBHp52JFGs8&feature=PlayList&p=A72476E72684C52E&index=0&playnext=1

20 septembre 1950 décès de Jean Sibelius

2009-09-19T01:27:00.003+02:00

Jean Sibelius né le 8 décembre 1875 et mort le 20 septembre 1950 est un compositeur finlandais mais d'origine suédoise et considéré aujourd'hui comme un des grands symphonistes du XXème siècle. Il nous a laissé outre 7 symphonies, un concerto pour violon très célèbre et de nombreux poèmes symphoniques dont le plus célèbre Finlandia, écrit en 1899-1900 devint le symbole de la résistance finlandaise à l'occupation russe et est considérée aujourd'hui comme l'hymne national officieux de la Finlande. Sa valse triste extraite de sa musique de scène Kuolema (la mort) est aussi très connue.
Voici sa symphonie n°3 op 52 en Do majeur sous la direction d'Esa-Pekka Salonen:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=oHI5g2r1lh8&feature=channel_page&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=CF4r6Fq-yzo&feature=channel&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=2iy9g4PpcIk&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=zvGdHssHyic&feature=related&fmt=18

Le Chant Grégorien

2009-09-16T21:59:00.003+02:00

Le chant grégorien est le chant liturgique officiel de l'Église catholique romaine. Il reste pratiqué régulièrement dans certaines églises et communautés religieuses, spécialement dans les cérémonies plus solennelles de la liturgie du rite romain.
Indépendamment de la liturgie, le chant grégorien est aujourd'hui apprécié pour sa qualité esthétique. C'est un genre musical qui appelle au calme, au recueillement, à la contemplation intérieure.
Le chant grégorien est habituellement interprété par un chœur (hommes ou femmes) ou par un soliste appelé chantre. Il est destiné à soutenir le texte liturgique en latin. Il doit se chanter a cappella, c'est-à-dire, sans accompagnement instrumental.
Le chant grégorien doit son nom au pape Grégoire le Grand (fin du VIe siècle) auquel il a été attribué par l'historiographie carolingienne.
Le répertoire grégorien apparaît dans la seconde moitié du VIIIe siècle, dans la région de la Moselle berceau de la puissance franque et notamment après la réforme de l'évêque Chrodegang de Metz, dans la juridiction de l'abbaye de Gorze. On l'appelle alors chant messin.
C'est d'abord en Angleterre, par l'envoi de missionnaires partis de Rome, puis et surtout à la demande de Pépin le Bref, de Charlemagne et de leurs successeurs, que le chant romain s'épanouit hors d'Italie.
Il s'est alors répandu pour répondre à la volonté d'unité et d'ordre du pouvoir politique et pour remplacer le chant gallican. La diffusion du chant grégorien, comme l'initiation de l' ordre romain dans son ensemble, servit donc avant tout à la mise en place du nouvel ordre politico-religieux chrétien voulue par le nouvel empereur d'Occident. L'Église en fut l'instrument autant que la bénéficiaire.
Le répertoire et les formes musicales que l'on appelle aujourd'hui grégoriens sont le résultat du mariage du chant romain, diffusé par le bouche à oreille, avec le chant et les répertoires locaux. Le chant grégorien médiéval est né de leur cohabitation prolongée pendant des siècles. Ces échanges d'influences expliquent l'apparition de familles musicales différentes et la survivance de particularités locales à l'intérieur même de la tradition grégorienne.
Plus tard, les grandes familles religieuses du Moyen Âge ont également donné naissance à leur propre tradition musicale grégorienne (chant grégorien cistercien, cartusien, dominicain, etc.)

Le chant grégorien est habituellement considéré comme le point de départ de la musique occidentale savante, appelée musique classique. Cependant, celui-ci n'est pas né ex nihilo : en effet, les modes, les échelles, les mélodies même, faisaient sans doute partie des traditions orales appartenant aux nombreux groupes sociaux établis sur l'ancien empire romain: traditions gréco-romaines, celtiques et plus précisément gallicane, judéo-chrétiennes, germaniques, etc. L'autorité religieuse a, en fait, défini une norme de musique acceptable dans le cadre de l'office divin, préservant la sainteté et la dignité de celui-ci, en favorisant la contemplation et en bannissant strictement tout débordement sensuel comme par exemple l'interdiction des altérations dièses et bémols (!).

Voici quelques exemples de chant Grégorien:
Beata Mater par Ensemble Discantus
http://fr.youtube.com/watch?v=SwGXS1GmhyQ&fmt=18
Dis Irae
http://www.youtube.com/watch?v=Ucbm2P6dnvU&fmt=18
Salve Regina
http://www.youtube.com/watch?v=xmaXyvn4AdQ&feature=channel_page&fmt=18
Verax est pater par Chant group Psallentes
http://fr.youtube.com/watch?v=053YfWsDse8&fmt=18

14 septembre 1982 Décès de Christian Ferras

2009-09-13T22:43:00.003+02:00

Christian Ferras est un violoniste français né au Touquet le 17 juin 1933 et mort à Paris le 14 septembre 1982.Ayant reçu un violon en cadeau pour une maladie qui le tient au lit à 7 ans il entre au Conservatoire de Paris à 11 ans et obtient un premier prix à 13 ans !
Sa carrière est vraiment lancée quand il est appelé par Karl Böhm à l'Orchestre philharmonique de Vienne en 1951. En 1959 il débute une carrière aus Etats-Unis et en1964 débute sa célèbre collaboration avec Herbert von Karajan avec pour aboutissement les enregistrements chez Deutsche Grammophon des concertos de Brahms, Sibelius, Tchaïkovski, Beethoven, et ceux de Bach, qui deviennent rapidement des références. Sa profondeur de son et sa grande musicalité valent à Christian Ferras d'être le violoniste soliste préféré du chef d'orchestre autrichien, qui dira de lui: "Son génie, c'est le pressentiment du jeu de l'autre."
Mais malheureusement Christian Ferras, sérieusement alcoolique, doit mettre un terme à sa brillante carrière et est forcé de suivre une cure de désintoxication. En 1975, il est nommé au Conservatoire de Paris, mais ne donne plus de concerts, toujours à cause de ses problèmes de santé, auxquels s'ajoutent de graves difficultés financières, qui l'obligent à vendre un de ses deux Stradivarius pour rembourser des dettes de jeu.
Le 9 mars 1982, Christian Ferras retrouve la scène avec Alain Lefèvre, puis le 6 mai avec Pierre Barbizet. Il apparaît une dernière fois en concert à Vichy le 25 août 1982 et se donne la mort une vingtaine de jours plus tard, le 14 septembre 1982.
Voici Christian Ferras dans la sonate pour violon et piano en La majeur de César Franck:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=8wmTm_--d2Q&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=TCOkoyFvd2s&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=pyG6zmH0PpA&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=pNwgbRkNJ0c&feature=related&fmt=18

11 septembre 1668 Naissance de François Couperin

2009-09-10T20:44:00.002+02:00

François Couperin, dit "le Grand" (Paris 10 novembre 1668 - Paris 11 septembre 1733) est un compositeur français, organiste et claveciniste réputé.
Héritier d'une longue tradition familiale illustrée avant lui notamment, par son oncle Louis, François Couperin reste le plus illustre membre de la famille.
Organiste titulaire de la prestigieuse tribune de l'orgue de l'église parisienne de Saint Gervais et d'un quartier (trimestre) de la Chapelle Royale, François Couperin cumula des fonctions exercées avec discrétion et modestie à la Cour de Louis XIV et une carrière de compositeur et de professeur de clavecin très recherché.
Son œuvre comprend de nombreuses pièces, instrumentales et vocales, à destination profane ou religieuse. Certaines d'entre elles lui valent une place de premier plan parmi les musiciens français contemporains, notamment ses messes pour orgue, ses Leçons de Ténèbres pour le Mercredi Saint, ses sonates et concerts royaux ou il entend réunir les goûts français et italien.
Cependant c'est avant tout son œuvre pour le clavecin, consistant en 4 livres publiés entre 1713 et 1730, qui fait sa gloire et le fait considérer, avec Rameau, comme le grand maître de cet instrument en France. Son traité L'art de toucher le clavecin publié en 1717 est une source précieuse concernant son enseignement et l'interprétation au XVIIIe siècle.
Voici quelques exemple de la musique de François Couperin:
Messe à l'usage des paroisses Kyrie par Marie-Claire Alain
http://fr.youtube.com/watch?v=6pblG9ESy5A&fmt=18
Concert royal n°1
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=w_hizk4hqwQ&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=J04wwpJ1NCg&feature=related&fmt=18

7 septembre 1965 Naissance d'Angela Gheorghiu

2009-09-07T00:40:00.003+02:00

Angela Gheorghiu, née à Adjud (Roumanie) le 7 septembre 1965, est une soprano roumaine.
Elle étudie le chant à l'Académie de musique de Bucarest. Elle est engagée au Royal Opera House de Covent Garden à Londres pour chanter plusieurs rôles (Nina dans Chérubin de Massenet, Zerlina dans Don Giovanni de Mozart, Mimì dans la Bohème de Puccini) avant d'interpréter La Traviata de Verdi en 1994 sous la direction de sir Georg Solti qui dira d'elle "J’étais en larmes. J’ai dû sortir. Cette fille est merveilleuse. Elle peut tout faire.”
Divorcée de son premier mari, elle conserve son nom comme nom de scène et est remariée avec le ténor Roberto Alagna.
Angela Gheorgiu et Anna Netrebko sont les deux sopranos actuelles de très haut niveau musical et artistique qui ont le physique des grands rôles et l'aptitude scénique à les jouer. Il ne faut pas oublier que Ciociosan dans Madame Butterfly a 15 ans et que Violetta dans La Traviata en a 20, la vraie Traviata immortalisée par Alexandre Dumas fils est morte à 23 ans. La réalisation d'un opéra qui ne prend pas en compte cette jeunesse des héroïnes enlève beaucoup à la vraisemblance de l'histoire.
Car l'opéra est un spectacle total comme l'a montré Wagner, de la musique et du chant bien sûr mais aussi une mise en scène et des acteurs qui jouent une pièce de théâtre.
Alors les opéras du monde entier se disputent la venue de ces divas et en plus la rubrique people est alimentée par les caprices et la jalousie d'Angela Gheorgiu et les relations entre Anna Netrebko et Rolando Villazon qui ont toujours sur scène une belle complicité (non finalement Villazon n'a pas divorcé pour l'épouser et elle s'est mariée avec un chanteur peu connu).
Voici quelques exemples du talent de "Mademoiselle" comme elle se fait appeler sur son site Gheorgiu:
Charles Gounod
Roméo et Juliette
Acte I: Je veux vivre
http://www.youtube.com/watch?v=d2suTpGd64s&fmt=18
Giacomo Puccini
Madame Butterfly
Acte II: Un bel di vedremo
http://www.youtube.com/watch?v=mbG1ySzPMsM&feature=related&fmt=18
Gianni Schicchi
O mio babbino caro
http://www.youtube.com/watch?v=quSBG_3KKPk&fmt=18
Giuseppe Verdi
La Traviata
Acte I: Sempre libera
http://www.youtube.com/watch?v=Z9CzZjIK6iA&feature=related&fmt=18

5 septembre 1932 Création du Concerto pour deux pianos de Francis Poulenc

2009-09-05T00:47:00.002+02:00

Voici un enregistrement historique de ce concerto pour deux pianos de Francis Poulenc compositeur et pianiste français (1899-1963) membre du groupe des six. Cette interprétation est en effet dirigée par Georges Prêtre grand chef d'orchestre français qui va être invité pour la deuxième fois cette année à diriger le concert du nouvel an à Vienne, et Francis Poulenc le compositeur au piano avec Jacques Février et l'orchestre national de la RTF ancêtre de l'orchestre de Radio France !
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=cC4kJiTHTtQ&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=Z2B5xTGInzI&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=C7j7Vss8BSI&feature=related&fmt=18

4 Septembre 1907 décès d'Edvard Grieg

2009-09-04T00:47:00.002+02:00

Edvard Hagerup Grieg né le 15 juin 1843 à Bergen décédé le 4 septembre 1907, également à Bergen est un compositeur et pianiste norvégien de la période romantique. Il est surtout connu pour son Concerto pour piano en la mineur et Peer Gynt, la célèbre musique de scène spécialement composée pour le drame d'Henrik Ibsen.
Fils du consul britannique à Bergen il est élevé dans une famille de musiciens À partir de l'automne 1858, Grieg suit l'enseignement des plus grands maîtres au conservatoire de Leipzig tel Carl Reinecke, Ernst Ferdinand Wenzel ou Ignaz Moscheles, son ami de longue date. Il y entend beaucoup de bonne musique, comme le concerto pour piano de Schumann, interprété par Clara Schumann. En 1863, Grieg part pour Copenhague, où il reste trois années. Il y rencontre les compositeurs danois ainsi que le compositeur de l'hymne national norvégien Rikard Nordraak, qui devient pour Grieg un ami proche et une grande source d'inspiration. "Il me tomba des écailles des yeux", écrivit-il plus tard, "C'est par Nordraak que j'appris à connaître les chants populaires du Nord". Il s'installe à Christiana (Oslo), où il fonde l'Académie Norvégienne de musique en 1867.
Tout en assurant la direction de l'orchestre de la Société Philharmonique d'Oslo, dont son ami, le compositeur norvégien Johan Svendsen, va devenir un éminent chef, Grieg compose abondamment, après les Humoresques et les premières Pièces lyriques éditées en 1867, suivent le fameux concerto pour piano et orchestre n°1, les Mélodies norvégiennes et les Scènes de la Vie populaire.
Pendant l'hiver 1869-1870, Grieg séjourne à Rome auprès de Franz Liszt qui l'encourage dans la voie qu'il s'est tracée et donne à sa technique du piano une dimension nouvelle. Dès 1872, il peut se consacrer définitivement à la composition, en lui servant une solide rente viagère, l'état norvégien le dégage de toute obligation, l'honore et en fait implicitement un ambassadeur artistique.
De sa collaboration avec Henrik Ibsen, naît la musique de scène de Peer Gynt en 1876, qui connaît un extraordinaire succès.
Paris l'accueille entre 1889 et 1890, en 1894 puis en 1903. Son concerto pour piano, que joue Raoul Pugno, et les suites de Peer Gynt qu'il dirige lui-même obtiennent un très bon accueil. Partout où il passe, en Angleterre, en Italie, aux Pays-Bas, en Hongrie, en Pologne ou en Allemagne, ses tournées sont triomphales. Miné par une tuberculose pulmonaire, Grieg s'éteint le 4 septembre 1907, couvert d'honneurs et salué comme l'un des grands bienfaiteurs de cette Norvège désormais libre.
Voici son concerto pour piano en la mineur interprété ici par Arthur Rubinstein:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=Dxzpy1b1_BY&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=RZfkGCTMTyo&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=3CJDZTUnhPA&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=ZDZlOfpa36I&feature=related

1° septembre 1935 Naissance de Seiji Ozawa

2009-08-31T22:34:00.003+02:00

Seiji Ozawa est un chef d'orchestre japonais, né le 1er septembre 1935 à Shenyang (Chine).
Il étudie la musique classique occidentale à l'école de musique Toho de Tokyo. Puis il part en Europe où il remporte le premier prix du Concours de Besançon en 1959, ce qui lui vaut d'être remarqué par Charles Münch qui l'invite à diriger l'Orchestre symphonique de Boston à Tanglewood, orchestre dont il deviendra le directeur musical durant près de trente ans, de 1973 à 2002.
Il étudie à Berlin avec Herbert von Karajan. Il a été directeur du Festival de Ravinia (1964-68), de l'Orchestre symphonique de Toronto (1965-69) et de l'Orchestre symphonique de San Francisco (1970-76). Il dirige aussi de nombreux orchestres prestigieux tels que l'Orchestre philharmonique de Berlin, de Vienne, de Londres, l'Orchestre national de France ou l'Orchestre symphonique de Chicago. Il a donné en création de nombreuses œuvres dont l'opéra Saint-François d'Assise d'Olivier Messiaen en 1983 mais aussi des partitions de ses compatriotes nippons, entre autres de Toru Takemitsu. Toujours par attachement pour le Japon, Seiji Ozawa fonde le New Japan Philharmonic Orchestra, puis en 1984 l'Orchestre International Saito Kinen composé d'instrumentistes japonais appartenant à des orchestres occidentaux qui se réunissent tous les étés depuis 1992 au festival international Saito Kinen à Matsumoto.
En 1999 il reçoit l'insigne de Chevalier de la Légion d'honneur pour son soutien à la musique française et ses travaux à l'Opéra national de Paris.
En 2002, il a pris la direction de l'opéra de Vienne jusqu'en 2010. En 2003, il fonde le Tokyo Opera Nomori, première compagnie lyrique du Japon.
En 2004, Il fonde l'International Music Academy of Switzerland dont il est le directeur. Cette Académie à but non lucratif est ouverte aux jeunes musiciens afin de leur enseigner la pratique de la musique de chambre et l’exercice de la forme orchestrale.
Le répertoire de Seiji Ozawa est particulièrement vaste et s'étend de la musique baroque aux créations contemporaines.
Voici Seiji Ozawa à la tête du Philarmonique de Berlin dans la sixième symphonie op. 74 Pathétique de Tchaïkovski:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=O1KCy3l-AQg&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=ZICd9jNIvD4&feature=relatd&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=emsVUX4yfp4&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=d2htkQNnJSw&feature=related&fmt=18
partie 5
http://www.youtube.com/watch?v=2nJTPuH6jos&feature=related&fmt=18

26 août 1901 Décès de Vladimir Sofronitsky

2009-08-26T00:09:00.003+02:00

Vladimir Vladimirovitch Sofronitsky , né le 8 mai 1901 à Saint-Pétersbourg, mort le 26 août 1961 à Moscou, était un pianiste russe, élève spirituel du compositeur et pianiste Alexandre Scriabine.
En 1903, la famille du pianiste déménage à Varsovie, où Sofronitsky est l'élève de Lebedeva-Getchevitch et d'Alexandre Michalowski. À partir de 1916, Sofronitsky étudie au conservatoire de Pétrograd (Léningrad), élève de Leonid Nikolaïev, en même temps que Dmitri Chostakovitch et Maria Yudina. Il donne son premier concert en 1919. En 1920, il se marie avec la fille aînée de Scriabine, Elena Scriabina, qui étudie avec lui au conservatoire. Il sort du conservatoire en 1921 et commence sa carrière de pianiste.
Son jeu était porté en très haute estime par Heinrich Neuhaus ou Vladimir Horowitz. En 1939, il est nommé professeur au conservatoire de Léningrad. Au début de la Seconde Guerre mondiale, il est enfermé dans la ville lors du siège de Léningrad par l'armée allemande, tout comme Chostakovitch, ce qui lui donne l'occasion de jouer par -3°C. Il est évacué par pont aérien et ne retourne à Léningrad qu'après la fin de la guerre.
Il donne son dernier concert dans la Petite Salle du conservatoire de Moscou, le 9 janvier 1961. Il meurt d'un cancer le 29 août 1961.
Même si Scriabine lui-même n'ai jamais entendu Sofronitsky jouer, la femme de Scriabine affirmait que le pianiste était l'interprète le plus fidèle à l'esprit des œuvres de son mari. Les enregistrements de Scriabine par Sofronitsky sont perçus par beaucoup comme inégalés. Les pianistes Sviatoslav Richter et Emil Guilels considéraient Sofronitsky comme leur maître. Un jour Sofronitsky, ivre, déclarait à Richter que celui-ci était un génie, Richter lui rétorqua qu'il était Dieu.
Voici donc Vladimir Sofronitsky dans deux sonates de Scriabine:
sonate n°2 op 19 en Sol dièse mineur
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=0bvoYK5pUMc&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=RL3fdMwQULw&feature=related&fmt=18
sonate n°5 op 53 en Fa dièse majeur
http://www.youtube.com/watch?v=b3hXACyw1mc&fmt=18

25 Août 1918 Naissance de Leonard Bernstein

2009-08-25T02:18:00.002+02:00

Leonard Bernstein est un compositeur, chef d'orchestre et pianiste américain, né à Lawrence (Massachusetts) le 25 août 1918 et mort à New York le 14 octobre 1990.
Nous nous intéresserons aujourd'hui au chef d'orchestre.
Il fait ses études à l'université de Harvard jusqu'en 1939, puis rencontre les chefs d'orchestre Fritz Reiner, Dimitri Mitropoulos, puis Serge Koussevitzky dont il devient l'assistant en 1940 à Tanglewood. Il est nommé chef assistant de l'Orchestre philharmonique de New York dès 1943 avant de revenir à Tanglewood afin de diriger et d'enseigner à partir de 1951. De 1958 à 1973, il présente les Young People's Concerts à la télévision, émissions au cours desquelles il démontre toutes ses qualités de pédagogue auprès des enfants qui découvrent la musique classique de manière ludique.
Il est nommé directeur musical de l'Orchestre philharmonique de New York de 1958 à 1969 et acquiert une réputation internationale.
Chef d'orchestre réputé pour son énergie fulgurante tant aux répétitions qu'aux concerts, il a dirigé les plus grandes formations de ce monde : outre le Philharmonique de New York, il a dirigé également très fréquemment l'Orchestre philharmonique d'Israël, l'Orchestre philharmonique de Vienne (où il eut du mal à faire accepter la musique de Mahler), l'Orchestre du Concertgebouw d'Amsterdam, l'Orchestre symphonique de Londres, l'Orchestre symphonique de la radio bavaroise et l'Orchestre national de France. Il n'eut qu'une seule collaboration avec l'Orchestre philharmonique de Berlin, dont témoigne l'enregistrement live très réussi de la 9e symphonie de Mahler en 1979. Il était à l'aise dans tous les répertoires, avec une préférence nette pour Gustav Mahler, il disait d'ailleurs "Mahler, c'est moi !".
Voici quelques images particulières de Leonard Berstein chef d'orchestre:
- dansant sur La Valse de Ravel
http://www.youtube.com/watch?v=TK6gGWMnTZI&feature=related&fmt=18
- en répétition:
http://www.youtube.com/watch?v=oLLzZVsErjo&feature=related&fmt=18
- et l'histoire de son dernier concert à Tanglewood:
http://www.youtube.com/watch?v=A3K7xV4ENCo&fmt=18

22 août 1862 Naissance de Claude Debussy Préludes

2009-08-21T19:17:00.002+02:00

Nous avons eu l'occasion de parler de Claude Debussy à l'occasion de l'anniversaire de son décès le 25 mars 1918, je vous propose donc aujourd'hui pour l'anniversaire de sa naissance les quatre premiers préludes du Livre 1 interprétés par Walter Gieseking:
Livre 1 n°1 Danseuses de Delphes par Walter Gieseking
http://fr.youtube.com/watch?v=Q8ql_3lP9_4&feature=related&fmt=18
Livre 1 n°2 Voiles par Walter Gieseking
http://fr.youtube.com/watch?v=Po-eZY3ZtN4&feature=related&fmt=18
Livre 1 n°3 Le vent dans la plaine par Walter Gieseking
http://fr.youtube.com/watch?v=Da_On8_-5Y8&feature=related&fmt=18
Livre 1 n°4 Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir par Walter Gieseking
http://fr.youtube.com/watch?v=nn_YAHXL67k&feature=related&fmt=18

19 Août 1881 Naissance de Georges Enesco

2009-08-18T01:20:00.003+02:00

Georges Enesco (en roumain : George Enescu), né le 19 août 1881 à Liveni (Moldavie roumaine) et mort le 4 mai 1955 à Paris, est le plus célèbre compositeur roumain. Enfant prodige décoré de la médaille d'argent du Conservatoire de Vienne à 14 ans il poursuit ses études au Conservatoire de Paris, il s'y lie notamment d'amitié avec Alfred Cortot, Pablo Casals, Jacques Thibaud, Maurice Ravel, Jean Roger-Ducasse, Florent Schmitt et Paul Dukas. Il a 17 ans quand son Poème Roumain est créé par Edouard Colonne au théâtre du Chatelet. Il voyage compose et dirige, il dirigera en particulier la première exécution de la neuvième symphonie
de Beethoven en Roumanie pendant la guerre de 14-18. Mai il fut aussi un pédagogue renommé et la liste de ses élèves comprend les plus grands solistes: Yehudi Menuhin, le quatuor Amadeus, Dinu Lipatti, Christian Ferras, Ivry Gitlis, Arthur Grumiaux. Le régime communiste le conduira à s'exiler définitivement et c'est à Paris qu'il décède veillé entre autres par la reine de Belgique. Il repose au cimetière du Père Lachaise. Enesco a touché à tous les genres : piano seul, musique de chambre (un domaine de prédilection), symphonies, mélodies (en particulier dans sa jeunesse) et opéra avec son Œdipe tout entier marqué par un profond humanisme et salué comme un chef-d'œuvre dès sa création en 1936 au palais Garnier.
Le langage musical d'Enesco, foncièrement original, est inspiré avant tout par le folklore réinventé tantôt nostalgique, tantôt dansant, de son pays natal, mais les traditions françaises (Debussy, Fauré) et germaniques (Brahms, Strauss) y affleurent parfois aussi. Libre et puissant, au geste lyrique ample, d'une modernité à la fois discrète et exigeante, il constitue un trait d'union musical entre l'Orient et l'Occident de l'Europe.
Voici sa Rhapsodie Roumaine interprétée ici par Sir Simon Rattle à la tête du Philarmonique de Berlin
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=odLJi7JvxtQ&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=0ySw87HR9Ik&feature=related&fmt=18

16 août 1932 Création de l'Ouverture Cubaine de George Gershwin

2009-08-15T22:36:00.003+02:00

L'Ouverture cubaine de George Gershwin est une ouverture symphonique pour orchestre. Cette pièce, initialement intitulée Rumba, a été écrite en juillet et août 1932, à l'issue de deux semaines de vacances que Gershwin passa à La Havane, à Cuba, en février 1932. Elle est influencée par les rythmes des Caraïbes et les percussions cubaines. C'est une pièce riche et excitante, complexe et sophistiquée, illustrant l'influence de la musique et de la danse cubaines.
L'œuvre, sous le titre Rumba, fut créée au Lewisohn Stadium de New York le 16 août 1932 par le New York Philharmonic. Elle faisait partie d'un programme mettant en vedette uniquement des pièces de Gershwin. Le concert fut un énorme succès, comme écrivit Gershwin "c'était, je crois, la soirée la plus excitante que j'avais jamais eue, 17 845 personnes avaient payé pour rentrer et 5 000 personnes étaient à l'extérieur à la fermeture, essayant de rentrer sans succès".
L'œuvre fut bien accueillie par les critiques. Elle fut renommée Ouverture Cubaine trois mois plus tard lors d'un concert dirigé par Gershwin au Metropolitan Opera. Le nouveau titre donne, comme le mentionne le compositeur, "une idée plus juste du caractère et de l'intention de la musique".
Cette ouverture est orchestrée pour trois flûtes (troisième doublant au piccolo), deux hautbois, un cor anglais, deux clarinettes en si bémol, une clarinette basse, deux bassons, un contrebasson, quatre cors français, trois trompettes en si bémol, trois trombones, un tuba, des timbales, des percussions et des cordes. Une note du compositeur dans la partition donne l'emplacement spécifique des percussions incluant bongo, claves, gourdes, et maracas "juste en avant du pupitre du chef d'orchestre", avec des images.
Voici donc cette ouverture cubaine par l'orchestre philarmonique de Berlin sous la direction de Sir Simon Rattle en espérant que Karajan ne se retourne pas dans sa tombe !! Et tant qu'à faire des remarques personnelles je trouve que cette interprétation croule sous des cordes abondantes et bruyantes, mais quand on s'appelle l'orchestre philarmonique de Berlin on ne se refait pas même dirigé par un Sir anglais !
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=1nXcoWmTL5Q&feature=related&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=CgCepuOV2eI&feature=channel&fmt=18
Voici donc une autre version, brésilienne celle-là, le son n'est pas fantastique mais ne trouvez vous pas qu'elle est plus conforme à l'esprit de Gershwin ?
http://www.youtube.com/watch?v=mVsFerL8N0g&fmt=18

9 août 1902 Naissance de Zino Francescatti

2009-08-09T02:33:00.003+02:00

René-Charles (Zino) Francescatti né à Marseille le 9 août 1902 et mort à La Ciotat le 17 septembre 1991 était un violoniste et pédagogue français d'origine italienne.
Ses parents étaient musiciens, son père, violoniste, avait appris son métier auprès de Camillo Sivori, le meilleur élève de Niccolò Paganini. Zino Francescatti était un enfant prodige, qui se produisait en public avec le concerto de Beethoven à l'âge de dix ans ! Sa carrière, démarrée sous les meilleurs auspices, promettait une gloire sans pareille; cependant, avec son départ pour les États-Unis avant la guerre et sa semi retraite là-bas pendant la durée du conflit, elle fut quelque peu mise en veilleuse. Francescatti garda cependant intacte l'admiration de ses pairs, et il fut, surtout dans les années 1950, un virtuose mondialement demandé.
La carrière de Zino Francescatti fut marquée par quatre autres artistes: Jacques Thibaud, qui le protégea et l'encouragea, Maurice Ravel dont il fut l'ami et l'interprète le plus fidèle (l'équivalent de Vlado Perlemuter pour le piano), Bruno Walter qui le dirigea souvent et avec qui l'entente fut parfaite et Robert Casadesus avec lequel il formait un duo de choix. Parmi les élèves de Francescatti on compte Gérard Poulet, Régis Pasquier et Nina Bodnar. Il prit sa retraite à La Ciotat où il vécut 16 années paisibles jusqu'à sa mort en 1991. Un an avant, la ville venait de baptiser son conservatoire municipal de musique et d'art dramatique "Zino Francescatti" en sa présence et celle de son épouse Yolande, qui léga au musée de la ville photos, partitions, et son premier violon d'enfant.
Voici Zino Francescati dans le concerto pour violon n°4 en Ré majeur de Mozart:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=poDsUaUDIyI&feature=related&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=16POXC24Bps&feature=related&fmt=18
partie 3
http://fr.youtube.com/watch?v=WASCWqjvg9E&feature=related&fmt=18

7 août 1912 Création du premier concerto pour piano de Sergueï Prokofiev

2009-08-07T01:54:00.002+02:00

Le Concerto pour piano n° 1 en ré bémol majeur, op. 10, de Sergueï Prokofiev a été composé en 1911-1912. Il respecte la forme du concerto classique, deux mouvements rapides encadrant un mouvement lent.
Le premier mouvement est d'une grande variété interne, et comporte plusieurs ruptures complètes de caractère. Ainsi, à l'exposition du thème succède rapidement et sans transition un solo du piano. Le thème central en mi mineur, grave et angoissé, est également exposé sans transition et constitue donc une forte rupture. Le mouvement se conclut par le retour du thème principal, enchaîné cette fois à ce qui précède.
Le deuxième mouvement est un mouvement lent qui débute par un thème très expressif (en sol dièse mineur), de caractère assez onirique. Exposé d'abord par les premiers violons, il est prolongé par la clarinette, soutenue par les cordes en sourdines. Le piano entre alors en scène, et rejoue ce thème dans un solo qui approfondit l'atmosphère intimiste. Après un court échange avec les solistes à vent, le thème est réexposé avec plus d'ampleur (en fortissimo). Peu à peu, l'atmosphère se calme ; le mouvement s'achève par un accord incertain des vents, auquel s'ajoute un arpège irrégulier du piano descendant vers le grave. La note finale (un la bémol très grave) indique bien que la fin de ce mouvement est suspensive, et annonce le mouvement final.
Le troisième mouvement répète largement la structure du premier mouvement : un premier thème très rapide et bref est enchaîné avec un motif qu'on trouve sous une forme proche dans le premier mouvement. Un thème mineur semblable à celui du premier mouvement suit, amené sans transition comme dans le premier mouvement. Et le thème initial du concerto revient ensuite en forme de conclusion.

Voici donc ce concerto par Boris Berman et le Royal Concertgebouw d'Amsterdam sous la direction de Neeme Järvi:

mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=vF9tE41SV1Q&feature=relatde&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=aaAyKkwF5gk&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=C9OUfgug3pI&feature=related&fmt=18

2 Août 1922 Naissance d'Ivry Gitlis

2009-08-03T01:42:00.004+02:00

Ivry Gitlis est un violoniste israélien, né le 2 août 1922 à Haïfa en Palestine.
Originaires d'Ukraine, les parents d’Ivry Gitlis se rencontrent lors de leur départ pour Israël, où naît le violoniste en 1922.
Un grand père Kantor de Synagogue, un père modeste artisan puis meunier, pas de pression familiale sur ce fils unique, c’est le jeune Ivry qui réclame un violon à l’âge de six ans. Son entourage se cotise pour lui offrir l’instrument et les premières leçons. Les progrès sont fulgurants. Il donne son premier concert à sept ans. Les dons musicaux d’Ivry sont vite remarqués par l’influent Bronislaw Huberman (fondateur de l’orchestre de Palestine) qui encourage l’enfant prodige à travailler en Europe. Ce sera le départ pour Paris, tout d’abord, avec l’expérience en demi-teinte du Conservatoire et la révélation, enfin, grâce aux cours particuliers avec des géants du violon comme Jacques Thibaud ou Georges Enesco.
Londres, ensuite, à l’approche de la guerre, période agitée pour le jeune violoniste qui connaît ses premiers succès devant l’armée anglaise tout en se portant volontaire pour travailler dans une usine de munitions. Après la guerre il fait ses débuts avec l'orchestre philharmonique de Londres et enregistre pour la BBC. Puis, au début des années cinquante, c’est la découverte des Etats-Unis et la rencontre avec Jascha Heifetz et le grand pédagogue Carl Flesch.
En 1955, il rentre dans l’écurie du plus grand imprésario de l’époque, Sol Hurok qui fera d’Ivry un symbole, le premier violoniste israélien à aller jouer en URSS. Parallèlement, plusieurs tournées ont lieu à travers les Etats-Unis avec des chefs comme Eugene Ormandy et George Szell. Viennent ensuite les premiers enregistrements pour relayer les concerts. Ses interprétations des grands concertos du 20ème siècle, de Berg, Sibelius, Bartok, sont saluées par les plus hautes récompenses en France comme aux Etats-Unis.
Dans les années soixante, c’est le retour à Paris, où Ivry réside le plus régulièrement entre deux tournées. Il devient un des interprètes les plus demandés de la scène classique internationale et donne des concerts avec les plus grands orchestres. Ses disques d’anthologie, des grandes œuvres de virtuosité du répertoire, sont des succès populaires.
Ses apparitions sur les chaînes de télévision sont nombreuses et il contribue ainsi largement à populariser la musique classique auprès du grand public.
Mais sa célébrité médiatique n’empêche pas les compositeurs contemporains les plus exigeants, tels Bruno Maderna et Iannis Xenakis, d’écrire pour lui. À la même époque, il crée et anime le festival de musique de Vence, qui devient le symbole d’une nouvelle manière, plus libre, de diffuser la musique classique. Il tentera d’autres expériences du même type en collaboration, notamment, avec la pianiste Martha Argerich.
Il apparaît avec Yōko Ono dans The Rock and Roll Circus, concert filmé des Rolling Stones en 1968. Il apparait également dans L'Histoire d'Adèle H. de François Truffaut et dans Sansa, un film de Siegfried sorti en 2003, dans lequel il interprète un violoniste passionné et participe ainsi à la bande originale du film. Il est également l'interprète du concerto pour violon composé par Vladimir Cosma pour La Septième Cible de Claude Pinoteau.
En 2009, un documentaire lui est consacré : Ivry Gitlis, le violon sans frontières, diffusé le 30 mars 2009 sur Arte.
Voici Ivry Gitlis dans le deuxième concerto pour violon de Bartok:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=A-6LYqSvhAE&feature=related&fmt=18

http://www.youtube.com/watch?v=v2ojR4EeGb8&feature=related&fmt=18

mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=WQDWaR8-YHM&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=xmgXKHoSqOY&feature=related&fmt=18

1° Août 1997 Décès de Sviatoslav Richter

2009-07-31T21:10:00.003+02:00

Sviatoslav Richter né à Jytomyr (Ukraine) le 20 mars 1915 et mort à Moscou le 1er août 1997, était un pianiste russe.
Il commença l'étude du piano en autodidacte et avec son père, organiste et pianiste d'origine allemande, avant d'entrer au Conservatoire de Moscou pour étudier avec le célèbre professeur Heinrich Neuhaus. Il s'affranchira des contraintes staliniennes de l'éducation soviétique en menant un apprentissage musical marginal.
À partir de l'âge de 25 ans, il choisira dans le répertoire les œuvres qu'il jouera toute sa vie durant. Il ne s'écartera jamais de cet esprit et de cette exigence, ce qui lui permit d'aborder un nombre impressionnant de partitions (836 œuvres).
Ami de Prokofiev, il créa les sonates pour piano 6, 7 et 9 dont la dernière lui est dédiée. La puissance de ses interprétations réside dans l'énergie qu'il peut y mettre et dans son respect presque mystique des compositeurs qu'il interprète. Son répertoire touche à l'ensemble de la littérature pour piano, mais il se montre particulièrement remarquable dans ses interprétations de Rachmaninov, de Prokofiev, de Ravel, de Chopin de Beethoven et paradoxalement de Schubert, faisant ressortir chez ce dernier une profondeur insondable (dans les deux premiers mouvements de la sonate D.960 par exemple). Il préférait Haydn à Mozart.
Longtemps retenu en Union Soviétique par le pouvoir communiste, il fut le dernier des grands artistes russes de son époque à être autorisé à se produire à l'étranger. Un de ses défenseurs fut Emil Gilels, un autre élève de Neuhaus, qui après un triomphe aux États-Unis déclara aux journalistes "Attendez seulement d'entendre Richter!". Il ne sera autorisé à se produire à l'Ouest qu'en mai 1960 à Helsinki. Il connaîtra ensuite la célébrité à l'Ouest après une tournée triomphale aux États-Unis fin 1960, mais rapidement il fonctionna en dehors du système en donnant des concerts là où cela l'inspirait. Son style de vie refusait toute médiatisation.

En 1963, Sviatoslav Richter, qui cherchait sur les bords de la Loire un monument propice à l’organisation de festivals de musique, jeta son dévolu sur la Grange de Meslay (photo ci-dessus), grange fortifiée du XIIIe siècle à quelques kilomètres au nord de Tours. Au premier coup d’œil, l'ampleur exceptionnelle de son volume intérieur et la majesté de son architecture l’avaient séduit. Depuis ce bâtiment devient chaque année le théâtre d'un festival de musique.

Voici Sviatoslav Richter dans la sonate n°17 op 31 n°2 La Tempête de Beethoven:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=5JwxxQIxL-g&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=DwRFzsnazq0&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=Ixh_eWWM7hQ&feature=related&fmt=18

31 Juillet 1886 Décès de Franz Liszt

2009-07-31T01:47:00.004+02:00

Franz Liszt est un compositeur et pianiste hongrois, sujet des Habsbourg, né à Doborján (all. Raiding, aujourd’hui en Autriche) le 22 octobre 1811 et mort à Bayreuth (Allemagne) le 31 juillet 1886.
En 1833 commence sa liaison avec la comtesse Marie d'Agoult (connue sous son nom de plume de Daniel Stern) qui lui donne trois enfants un garçon et deux filles dont l'une Cosima deviendra l'épouse de Richard Wagner après avoir été celle de Hans von Bülow. Liszt est un grand séducteur et connaît de nombreuses et célèbres femmes avant d’embrasser la carrière religieuse. Après s’être séparé de Marie d'Agoult en 1844, il rencontre à Kiev en 1847 la princesse Carolyne Sayn-Wittgenstein qui lui conseille d’interrompre ses tournées de concert pour se consacrer à la composition. Après avoir tenté sans succès d’obtenir auprès du Pape son divorce, Carolyne se sépare de Liszt, qui entre dans les ordres mineurs en 1865.
Liszt est le père de la technique pianistique moderne et du récital. Avec lui, naissent l’impressionnisme au piano, le piano orchestral Mazeppa, la quatrième étude d’exécution transcendante et le piano littéraire comme les Années de pèlerinage.
Il est à l’origine, avec Frédéric Chopin, de toute une lignée de compositeurs comme Ravel, Rachmaninov ou Scriabine.
Voici quelques exemples de la musique pour piano de Franz Liszt:

Etude d'exécution transcendante
S.140 n°4 Mazeppa en Ré mineur par Claudio Arrau
http://fr.youtube.com/watch?v=8aAtda4h2Dc&feature=related&fmt=18
Valse
Mephisto Waltz No.1 par Arthur Rubinstein
http://www.youtube.com/watch?v=p2Cgr0eZ0rk&feature=related&fmt=18
Années de pèlerinage
S.160 Première année Suisse 1. Chapelle de Guillaume Tell par Georges Cziffra
http://fr.youtube.com/watch?v=yPVcLNaMsdg&feature=related&fmt=18
S.160 Première année Suisse 2. Au lac de Wallenstadt par Georges Cziffra
http://fr.youtube.com/watch?v=Pkg3GoU3qM4&feature=channel_page&fmt=18
S.160 Première année Suisse 3. Pastorale par Georges Cziffra
http://fr.youtube.com/watch?v=5yNNCurnb4o&feature=channel_page&fmt=18

L'orchestre symphonique de Kinshasa

2009-07-29T23:19:00.003+02:00

Nous vous présentons ici, par les anniversaires, les compositeurs les œuvres et les artistes solistes et chefs d'orchestre majeurs de la musique classique mais il est un acteur dont nous n'avons jamais parlé et pour cause car il n'a pas d'anniversaire il s'agit de l'orchestre symphonique.
Pour remédier à cet oubli nous vous présenterons à l'occasion les grands orchestres symphoniques mais aujourd'hui je voudrai simplement vous indiquer un reportage du Figaro sur une initiative tout à fait remarquable, il s'agit de la création à partir de presque rien de l'orchestre de Kinshasa. Un musicien, pasteur de son état, a créé à Kinshasa un orchestre symphonique sans moyens importants et sans musiciens formés mais avec un enthousiasme extraordinaire et pas mal de débrouille il est arrivé à constituer une phalange remarquable, le premier orchestre symphonique noir comme il le dit lui-même.
Regardez les reportages ils sont ici après Aldo Ciccolini et le festival des arts populaires de Marrakech:

http://blog.lefigaro.fr/deletraz/
ou directement ici pour les vidéos:
http://www.youtube.com/watch?v=rAL8Mwedjs4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=qGqQ6OcUSPY&feature=related

29 juillet 1782 Création de la Symphonie Haffner de Mozart

2009-07-29T22:46:00.003+02:00

La Symphonie nº 35 en ré majeur, KV 385, est une symphonie composée par Mozart en 1782.Il résidait à Vienne et venait de célébrer son mariage avec Constance Weber, contre l’avis de son père qui n’appréciait pas la jeune femme. Il reçut alors une commande de la part de Sigmund Haffner, maire de Salzbourg, qui venait d’être anobli et désirait une sérénade pour célébrer l’évènement (Mozart lui avait déjà consacré une œuvre, la Sérénade n°7, KV 250, en ré majeur « Haffner », en 1776.

mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=yNDFJwWHnRA&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=KNQGmwC4sCA&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=k1aBvt8ZLE4&feature=channel&fmt=18
mouvement n°4
http://fr.youtube.com/watch?v=XkdaHraQ1Ko&feature=channel&fmt=18

28 juillet 1741 Décès d'Antonio Vivaldi

2009-07-28T01:44:00.003+02:00

Antonio Lucio Vivaldi, né le 4 mars 1678 à Venise et mort le 28 juillet 1741 à Vienne, est un violoniste et compositeur italien. Vivaldi a été l’un des virtuoses du violon les plus admirés de son temps ; il est également reconnu comme l’un des plus importants compositeurs de la période baroque, en tant que principal créateur de concertos de soliste, genre initié par Corelli. Son influence, en Italie comme dans toute l’Europe, a été considérable, et peut se mesurer au fait que Bach a adapté et transcrit plus d’œuvres de Vivaldi que d’aucun autre musicien. Son activité s’est exercée dans les domaines de la musique instrumentale, particulièrement violonistique, et de la musique lyrique; elle a donné lieu à la production d’un nombre considérable de concertos, sonates, opéras, pièces religieuses. Il se targuait de pouvoir composer un concerto plus vite que le copiste ne pouvait le recopier.

Prêtre catholique, sa chevelure rousse le fit surnommer il Prete rosso "Le Prêtre roux", sobriquet peut-être plus connu à Venise, que son véritable nom.

Comme ce fut le cas pour de nombreux compositeurs du XVIIIe siècle, sa musique, de même que son nom, fut vite oubliée après sa mort. Elle ne devait retrouver un certain intérêt auprès des érudits qu’au XIXe siècle, à la faveur de la redécouverte de Jean-Sébastien Bach ; cependant sa véritable reconnaissance a eu lieu pendant la première moitié du XXe siècle. Aujourd’hui, certaines de ses œuvres instrumentales, et notamment les quatre concertos connus sous le titre "Les Quatre Saisons" comptent parmi les plus populaires du répertoire classique.
Voici le premier de ces concertos Le printemps interprété par Anne Sophie Mutter sous la direction d'Herbert Von Karajan:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=50lmd0ngwPc&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=o_xcyOCrNx0&feature=channel_page&fmt=18
partie 3
http://fr.youtube.com/watch?v=_rqNuxaqpu0&feature=channel_page&fmt=18

24 juillet 2000 décès d'Oscar Shumsky

2009-07-24T01:58:00.002+02:00

Oscar Shumsky (23 mars 1917 – 24 juillet 2000) était un violoniste et chef d'orchestre américain né à Philpadelphie de parents juifs russes. Il a été considéré comme l'un des plus grands violonistes du XXème siècle en particulier par David Oistrakh. Il ne recherchait pas la reconnaissance en tant que soliste mais préférait se concentrer sur l'enseignement, la musique de chambre et la direction d'orchestre.
Voici donc Shumsky dans la sonate des trilles du Diable de Tartini et ce qu'en disait le compositeur:
"J'ai rêvé une nuit que j'avais scellé un pacte avec le Diable pour le prix de mon âme. Tout obéissait à ma volonté, mon nouveau serviteur connaissait d'avance tous mes souhaits. Alors me vint l'idée de lui confier mon violon et d'attendre ce qu'il en tirerait. Quel ne fut pas mon étonnement lorsque je l'entendis jouer, avec un art consommé, une sonate d'une beauté telle que je n'aurais pu en imaginer de plus belle. J'étais stupéfait et charmé, le souffle court et je me réveillai. Je saisis alors mon violon et essayai de reproduire cette sonorité extraordinaire. En vain. La pièce que j'ai alors écrite est certainement une des plus belles que j'aie jamais composée ; elle reste cependant bien au-dessous de ce que j'avais entendu en rêve."
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=i2Y0kuOBLQQ&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=bebi1VHrGMA&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=-BV_WerbAWg&feature=related&fmt=18

21 Juillet 1920 Naissance d'Isaac Stern

2009-07-21T01:46:00.002+02:00

Isaac Stern, né le 21 juillet 1920 à Kremenets (Ukraine) et mort le 22 septembre 2001 à New York, est un violoniste américain, l'un des plus illustres représentants de la première génération de musiciens entièrement formés aux Etats-Unis.
Stern est réputé pour l'excellence de ses enregistrements. Il a publié l'intégrale des concertos de Brahms, Bach, Beethoven, Mendelssohn ainsi que les œuvres de compositeurs plus modernes tels que Samuel Barber, Béla Bartók, Igor Stravinski et Leonard Bernstein.
En 1995 et 1996, Sony Classical a fait paraître une série de quatre coffrets intitulée Isaac Stern, A Life in Music où est rassemblée la quasi-totalité de sa production discographique comme soliste, chambriste et concertiste.
Le voici dans le concerto de Barber sous la direction de Leonard Bernstein:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=Dxf1Gk6L4Xw&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=3F1mNNZhwaM&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=EbjKr1Z6Cmk&feature=channel_page&fmt=18

16 Juillet 1989 Décès d'Herbert Von Karajan

2009-07-16T01:29:00.003+02:00

Herbert von Karajan, né à Salzbourg le 5 avril 1908, décédé à Anif près de Salzbourg le 16 juillet 1989, est un chef d'orchestre autrichien.
Spécialiste du répertoire austro-germanique et mitteleuropéen de Bach à Bartok ainsi que de l'opéra italien, il a laissé près d'un millier d'enregistrements chez Deutsche Grammophon, EMI et Decca, ce qui en fait un des chefs les plus enregistrés du XXe siècle. Il faut dire qu'il dirigeait un des orchestres les plus prestigieux du monde le philarmonique de Berlin dont il s'étai fait élire chef à vie (1955-1989) et qu'il était étroitement associé à la marque de disques classiques la plus connue à savoir Deutsche Gramophon.

Son nom reste surtout attaché aux piliers du répertoire germanique. Son répertoire est en fait celui des autres chefs de sa génération, voire plutôt de la génération précédente. S'il montre dans Mozart, surtout dans les années 1950, un naturel assez nouveau, ni Schubert ni Schumann ne font vraiment partie de son univers. Ses interprétations de Haydn, et plus encore de Bach, ne sont pas de sa spécialité. Les œuvres du vingtième siècle qu'il a dirigées étaient soigneusement choisies: le Concerto pour orchestre de Bartók, Le Sacre du printemps de Stravinski, la 10° symphonie de Chostakovitch et quelques autres (Honegger, Nielsen). Dans les années 1970, il ajoute à son répertoire quelques œuvres de l'École de Vienne et de Gustav Mahler (symphonies n° 4, 5, 6, 9 et Le Chant de la terre). Avec Bruckner également, il entretient la même relation que des chefs nés quinze ans avant lui: si ses 4°, 5°, 7°, 8° et 9° symphonies font partie du cœur de son répertoire, il ne s'aventure que rarement dans les autres, qui semblent moins bien lui convenir. En définitive les compositeurs qu'il a le plus pratiqués, le plus exhaustivement et dans lesquels il est le plus reconnu sont Beethoven, Brahms, Wagner et peut-être Richard Strauss.
Concernant son style de direction, il appartient à une génération de chefs germaniques de culture et d'école mais influencés par quelques chefs latins, italiens surtout: tout particulièrement Toscanini et De Sabata. Par rapport à des chefs d'une génération antérieure, cela se traduit par des tempos plus stables et une plus grande transparence, tout en conservant un son orchestral de culture germanique, large et puissant. Même si le style de Karajan a évidemment évolué au cours de sa carrière, on peut dire que ces caractéristiques se sont maintenues, avec toutefois une prédilection croissante pour le legato et le son.
Le legs discographique de Karajan est considérable. Karajan a enregistré jusqu'à quatre ou cinq fois certaines œuvres (le Canon de Pachelbel, des symphonies de Beethoven, la Missa Solemnis de Beethoven, Un requiem allemand de Brahms).
Pour la petite histoire Karajan avait ses habitudes sur la Côte d'Azur. C'est à Saint-Tropez, début 1957, qu'il rencontre Eliette Mouret, un mannequin de 17 ans, originaire de Mollans-sur-Ouvèze (Drôme), qui devient sa troisième épouse le 18 octobre 1958, le jour des 19 ans de cette dernière. Il acquit la villa "La Palme" en bord de mer au Cap de Saint-Tropez, à l'entrée de la baie des Canoubiers, où ses voiliers successifs étaient amarrés sur lesquels il participa à de nombreuses régates.
Le voici dans la 5ème symphonie de Beethoven:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=zhcR1ZS2hVo&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=jDar-ycF5fE&feature=channel&fmt=18

13 juillet 1951 Décès d'Arnold Schoenberg

2009-07-13T00:28:00.002+02:00

Arnold Schönberg est un compositeur et théoricien autrichien né le 13 septembre 1874 à Vienne, et mort le 13 juillet 1951 à Los Angeles (États-Unis). Son influence sur la musique du XXe siècle a été considérable.

Schoenberg est l'inventeur de la musique dite sérielle (il refusait le terme d'atonale) qui utilise les douze sons de la gamme chromatique. Il décréta ainsi que tout morceau devrait être basé sur une « série » de douze sons parmi les douze sons de l'échelle chromatique. L'on peut donc faire se succéder ces douze sons dans l'ordre que l'on veut au gré de l'inspiration « sérielle », et l'on ne doit pas répéter deux fois le même son. La série peut ensuite être utilisée par mouvement inverse, puis par miroir, être transposée, puis par fragment, et enfin sous forme d'agrégation. Tout le morceau découle donc d'une série préalablement établie, ce qui donne donc un cadre formel substitutif de la tonalité.
Juif et membre d'un courant artistique que le régime nazi considérait comme "dégénéré", Schönberg est contraint de fuir son pays. En 1933, il s’établit aux États-Unis où il finira ses jours et pourtant il avait déclaré à propos de son système: "Mon invention assurera la suprématie de la musique allemande pour les cent ans à venir " et il était un grand admirateur de Brahms et de Wagner.
Voici son concerto pour piano op 42 qui est écrit strictement selon la méthode sérielle:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=SkXO3ubAvdQ&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=suRLOn3-Fkg&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=IBh8-6IHye0&feature=related&fmt=18

11 Juillet 1937 Naissance de George Gershwin

2009-07-11T02:01:00.003+02:00

George Gershwin (26 septembre 1898 à Brooklyn, New York – 11 juillet 1937 à Hollywood) était un compositeur américain, né Jacob Gershowitz, de parents juifs immigrants russes.
George Gershwin composa la plupart de ses œuvres avec son frère Ira Gershwin, parolier. Gershwin composa à la fois pour Broadway et le théâtre de concert classique, sa musique contenant des éléments provenant des deux univers. Il connut également beaucoup de succès dans l'écriture de chansons populaires. Parmi ses compositions, beaucoup ont été employées au cinéma, et bien d'autres sont devenues de grands standards de jazz : des livrets ont été enregistrés par Ella Fitzgerald (mémorable enregistrement de 3 disques pour Verve, avec Louis Armstrong et l'orchestre de Nelson Riddle), Herbie Hancock et plusieurs autres chanteurs ou acteurs.
Parmi les œuvres les plus célèbres de Gershwin il faut citer la Rhapsody in Blue, un concerto pour piano, l'opéra folk Progy and Bess qui contient la fameuse aria Summertime et un américain à Paris. Dans ce morceau Gershwin utilise des klaxons d'automobile. Pour la première New Yorkaise, le compositeur avait ramené de Paris des klaxons de taxis.
Voici donc Un Américain à Paris sous la direction de Simon Rattle:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=E-O4whs-8d8&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=cfgC1mlSUSo&feature=related&fmt=18

7 Juillet 1791 Création de la Symphonie 92 "Oxford" de Joseph Haydn

2009-07-07T00:52:00.003+02:00

La symphonie 92 de Joseph Haydn fait partie d'une première série de symphonies dites Londoniennes composées à l'occasion du premier voyage de Haydn en Angleterre, elle est d'ailleurs sous-titrée Oxford. Elle a été composée pour le Prince Ernst de Oettingen-Wallerstein et comporte quatre mouvements: Adagio (Sol majeur), Adagio (Ré majeur), Menuetto (Sol majeur) et Presto (Sol majeur).
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=Gdv8IqgTgF4&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=Cl_mPiSRhfI&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=SNKxXlZi4dc&feature=related&fmt=18
mouvement n°4
http://www.youtube.com/watch?v=q6GvlDYMxnc&feature=related&fmt=18

3 juillet 1930 Naissance de Carlos Kleiber

2009-07-03T01:38:00.003+02:00

Fils du chef d’orchestre autrichien Erich Kleiber, Carlos Kleiber est né Karl Kleiber à Berlin où son père occupe alors le poste de directeur musical du Staatsoper. Fuyant le nazisme, il émigre avec sa famille en Argentine, où Erich va diriger les opéras allemands au célèbre Teatro Colón de Buenos Aires. C’est là, en 1950, qu’il s’initie à la musique, apprenant le piano et les timbales, et modifie son prénom.
De retour en Europe à la fin de la guerre, il entame des études de chimie mais l’atavisme sera le plus fort, et il se remet vite à la musique, composant parfois à ses heures. En 1952, il trouve un poste de répétiteur au Gärtnerplatz Theater de Munich et, en 1956, à Vienne, au Volksoper où il sera nommé chef d'orchestre en 1958. C'est également en 1954 qu'il fait ses débuts de chef d'orchestre à Postdam, sous le pseudonyme de Karl Keller.
De 1958 à 1964, il est nommé maître de chapelle au Deutsche Oper am Rhein de Düsseldorf/Duisburg. De 1964 à 1966, il obtient le même poste à Zurich.
En 1966, Carlos Kleiber est invité au Festival d'Édimbourg, où il dirige Wozzeck d'Alban Berg, une œuvre dont son père avait assuré la Première en 1925. Même s'il aura ses choix personnels, la carrière de Carlos Kleiber reflètera beaucoup celle d'Erich. En 1974, il fait ses débuts au Festival de Bayreuth avec Tristan et Isolde. Il reprendra souvent cet opéra avec des distributions différentes, et l'enregistrera en imposant face aux sceptiques une Margaret Price d'une rare sensualité.
Il apparaît aux États-Unis en 1977, avec l'Opéra de Los Angeles; puis en 1983, avec le Chicago Symphony Orchestra. Ses débuts au Metropolitan Opera de New York datent de 1988 où il dirige La Bohème de Puccini avec Luciano Pavarotti et Mirella Freni.
Carlos Kleiber n'aime pas voyager et voyagera peu. Pour l'anecdote, il acceptera de venir à l'Opéra de Paris pour la première de Lulu en version intégrale et rêvera toute sa vie, une lubie comme une autre, d'y diriger Carmen.
Carlos Keiber dirige peu, peu d'œuvres, et se fait rare, annulant souvent à la dernière minute. D'un perfectionnisme extrême, ennemi juré de la routine, il ne se liera jamais à un orchestre ni à une scène lyrique déterminés. Il travaille chaque détail d'une partition sans compter les heures, réclamant répétition sur répétition (34 pour son premier "Wozzeck" et 17 pour "La Bohème" de Covent Garden), en n'ayant pour devise que la recherche de la clarté absolue. "C'est un géant, confiait la cantatrice Gwyneth Jones en 1982. Son sens de l'analyse est unique; et cet homme connu pour être peu bavard peut vous donner, des heures durant, et avec humour, des centaines de précisions qui, toutes, se révèlent utiles".
En 1976 il enregistre en live Otello à la Scala de Milan avec Placido Domingo, qui le surnommait « le magicien », et qui s'attaquait ce soir-là au rôle-titre pour la première fois, tout comme Mirella Freni en Desdémone et Piero Cappuccilli en Iago. Qui plus est, Carlos Kleiber n'a encore jamais dirigé cet opéra. « On y entend le tonnerre gronder comme jamais, et puis soudain, dans le duo d'amour entre Otello et Desdemone, à la fin du premier acte, c'est un miracle de délicatesse et de douceur » écrit Elisabeth Forbes, dans sa notice nécrologique de 2004.
En 1985, il vient à Florence diriger La Traviata, dans une mise en scène de Franco Zefirelli. Il enchante aussi le monde entier par ses quelques présences à Vienne, lors du traditionnel Concert du Nouvel An retransmis par la télévision, où il dirige les Valses et autres Polkas de Johann Strauss fils. Sur la scène de l'opéra de Munich, lorsqu'il le veut bien, il fête Noël avec de somptueuses productions et de non moins somptueuses distributions de la Chauve-Souris du même compositeur.
Le 20 octobre 1994 il fait ses adieux à l'opéra avec Le Chevalier à la rose qu'il dirige à Tokyo.
Sa nationalité réelle demeure un mystère. Certains affirment qu'il a pris, lors de son exil à Buenos Aires, la nationalité argentine et ne l'a jamais quittée; d'autres prétendent qu'il a été naturalisé autrichien en 1980.
Marié à la ballerine slovène Stanislava Brezovar dont il a eu deux enfants, Carlos Kleiber s'est éteint à soixante-quatorze ans (nul ne sait où), sept mois après le décès de sa femme. Il est enterré auprès d'elle dans le village de Konjšica, à quelques kilomètres de Litija.
Carlos Kleiber n'a jamais accordé la moindre interview.
Le voici dans la 4ème symphonie de Brahms:
mouvement n°1
http://fr.youtube.com/watch?v=yCaaPaQx5zg&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=MQ9myj8a2QE&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://fr.youtube.com/watch?v=hvsM_EMwj8M&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=MYKvyXJ-cY4&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://fr.youtube.com/watch?v=Trr_9rXaI1U&feature=related&fmt=18
mouvement n°4
http://www.youtube.com/watch?v=WZGWB93-mmI&feature=related&fmt=18

1° juillet 1927 création du premier concerto pour piano de Béla Bartók

2009-06-30T22:41:00.002+02:00

Le Concerto pour piano et orchestre n°1 B91 de Béla Bartók fut composé d'août 1926 au 12 novembre de la même année. Il fut créé par le compositeur lui-même à Francfort, le 1er juillet 1927, lors du 5ème festival de la SIMC (Société Internationale de Musique Contemporaine), sous la direction de Wilhelm Furtwängler. Il s'agit d'une œuvre de maturité mais Bartók composera ensuite deux autres concertos pour piano, rappelons aussi que Bartók était professeur de piano à l'Académie Royale de Budapest quand il a composé ce concerto. Bartók utilise le piano comme un instrument de percussion et bien sur les dissonances sont nombreuses, oreilles chastes s'abstenir !
Voici ce concerto par Vladimir Ashkenazy sous la direction de Sir Georg Solti:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=hvm6BnH7KMo&fmt=18
mouvement n°2

http://www.youtube.com/watch?v=ZM3yg0LxeyM&feature=related&fmt=18

mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=RVQddCgchm8&feature=related&fmt=18

2009-06-29T01:35:00.004+02:00

La Messe solennelle en ré majeur ou Missa Solemnis, opus 123, de Ludwig van Beethoven, fut composée entre 1818 et 1822, publiée en avril 1827 et dédiée à l'archiduc Rodolphe qui en fut l'instigateur. L'élévation de cet élève et ami au rang d'archevêque d'Olmütz, en juin 1818, fournit à Beethoven le prétexte pour concevoir une grande œuvre religieuse qu'il projetait d'abord comme une messe d'intronisation. Mais les proportions monumentales que prit la Missa Solemnis lui réclamèrent près de cinq années de travail acharné, période durant laquelle il conçut également les quatre dernières sonates pour piano. Ébauchée à l'été 1818, la messe ne fut achevée que dans les derniers mois de 1822 et ne fut remise à l'archiduc qu'en 1823. Sous le régime de Metternich qui était alors établi en Autriche, la censure interdisait la représentation d'une messe dans un concert public. La Missa Solemnis ne fut donc créée que partiellement (Kyrie, Credo et Agnus Dei) le 7 mai 1824 au cours du fameux concert qui vit également la création de la Neuvième Symphonie. Sa première exécution intégrale eut lieu le 29 juin 1830 à Warnsdorf.
Pièce majeure du répertoire sacré en bonne place aux côtés de la Messe en si mineur de Bach et du Requiem de Mozart, elle est l'œuvre la plus longue de Beethoven et assurément celle qui lui a réclamé le plus de travail. Il s'agit de sa troisième œuvre liturgique, après Le Christ au Mont des Oliviers (1801) et la Messe en ut majeur (1807).
La Missa Solemnis était considérée par Beethoven comme "sa meilleure œuvre, son plus grand ouvrage".
Voic cette messe sous la direction de Leonard Bernstein:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=wpFmR-Uwz5w&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=uA3U768UTzg&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=7gYymxuWj6k&feature=related&fmt=18
partie 4
http://www.youtube.com/watch?v=vhhDjAng1do&feature=related&fmt=18
partie 5
http://www.youtube.com/watch?v=eQ-3ne12iSQ&feature=related&fmt=18
partie 6
http://www.youtube.com/watch?v=cVPXd1b-pxU&feature=related&fmt=18
partie 7
http://www.youtube.com/watch?v=D4JSH7LLX6s&feature=related&fmt=18
partie 8
http://www.youtube.com/watch?v=pvAM3mR4DGQ&feature=related&fmt=18
partie 9
http://www.youtube.com/watch?v=-OWZ3wu5Smw&feature=related&fmt=18

23 juin 1943 Naissance de James Levine

2009-06-22T22:32:00.004+02:00

James Levine né le 23 juin 1943 est un pianiste et chef d'orchestre américain. Il fit sa première apparition avec le Metropolitan Opera de NewYork en 1971 dans une représentation de Tosca et en devint le chef titulaire en 1973. Depuis James Levine a fait de cet orchestre et du chœur un des meilleurs ensembles du monde. Les productions du MET, en particulier ses réalisations d'opéras, figurent parmi les meilleures et ont été popularisées par des publications de DVD de référence.
Depuis 2004 James Levine dirige aussi le Boston Symphony Orchestra.
Mais James Levine est aussi pianiste et nous avons donc choisi de vous le montrer dans le concerto pour quatre pianos de Bach BWV 1065 en La mineur dans une formation peu commune puisqu'elle réunit Martha Argerich, Evgeny Kissin James Levine et Mikhaïl Pletnev:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=Ihlz7qCtW8w&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=F_2BNnTN1EQ&feature=related&fmt=18

21 juin 1868 Création des Maîtres Chanteurs de Nuremberg de Richard Wagner

2009-06-21T02:27:00.003+02:00

Die Meistersinger von Nürnberg, en français Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg, est un opéra de Richard Wagner créé le 21 juin 1868.
Septième des dix opéras de maturité de Wagner dans l'ordre d'achèvement, il est le seul à être une comédie. C'est également le seul à s'inscrire dans un contexte historique et géographique précisément situé plutôt que dans un cadre mythique ou légendaire. Durant quatre heures et demi sans les entractes, c'est l'un des plus longs opéras parmi ceux régulièrement joués aujourd'hui.
L'histoire
A Nuremberg une guilde de chanteurs les Maîtres maintient les traditions du chant allemand. Pour être admis et reconnu comme Maître il faut être capable de composer un poème et de le chanter en respectant certaines contraintes bien précises. Cette guilde a effectivement existé et le personnage principal de l'opéra le Maître Hans Sachs a existé aussi et est un Maître très célèbre.
Un jeune seigneur Walther qui passait par Nuremberg est tombé amoureux d'Eva la fille d'un Maître mais celui-ci ne donnera sa fille qu'à un Maître. Un autre Maître Beckmesser est aussi sur les rangs pour conquérir Eva. Avec l'aide du Maître Hans Sachs Walther réussira son examen de passage alors que Beckmesser se ridiculisera en ratant complètement un chant.
Au delà de l'histoire Wagner fait passer quelques messages sur l'art.
La sauvegarde de l'art par la conciliation de la tradition et de la nouveauté. Tout l'opéra mène vers la composition et la création du Chant du concours à l'acte III, et Wagner se présente autant dans la jeunesse, le talent spontané et l'enthousiasme de Walther, dont il montre cependant l'inexpérience, que dans la sagesse et la maîtrise formelle de Sachs, qui tempère ses ardeurs et lui révèle la signification et la logique des règles établies.
La médiocrité et le grotesque des critiques dans leur attachement borné à la tradition et leur incapacité à créer, que symbolisent le personnage de Beckmesser dont le nom est depuis devenu une insulte ou une boutade à l'égard de la critique musicale.
Le dévouement à l'art, qui pousse le père d'Eva à réserver la main de sa fille à un Maître Chanteur.
L'opposition entre les bourgeois comme Sachs, soucieux de sortir de leur condition de commerçants et de s'élever grâce à l'art, et l'aristocrate Walther cherchant à s'allier à cette classe montante mais rétif à se soumettre aux règles du concours.
Enfin la gloire de l'art allemand et le sentiment nationaliste reflet d'une époque.
Voici donc d'une part l'ouverture et d'autre part une version intégrale avec sous titres en français en playlist.
Ouverture par James Levine
http://www.youtube.com/watch?v=jYHehDaXCUs&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=5qAzn_9-8Fo&feature=related&fmt=18
Intégral Bayreuth 1984 playlist sous titres français par Horst Stein
http://www.youtube.com/watch?v=bwy3yCe6Y88&feature=PlayList&p=9A90D9BCEF03DB2A&index=0&pl

19 juin 1899 Création des variations Enigma d'Elgar

2009-06-19T00:38:00.002+02:00

Les Variations Enigma Op. 36, sont une œuvre symphonique comportant un thème et quatorze variations composées par Edward Elgar entre 1898 et 1899. Il s'agit de l'une de ses partitions les plus connues, de par sa musique et par ses énigmes. Elgar l'a dédicacé à "ses amis décrits ici", chaque variation étant un portrait musical d'un personnage de son proche entourage.
La légende veut qu'en 1898, après une journée fatigante d'enseignement, Elgar joue au piano. Le thème d'une mélodie attire alors l'oreille de sa femme qui lui demande de le répéter. Suite à ce souhait, le musicien commence à improviser des variations sur ce thème, chacune de ces dernières étant le portrait musical d'un ami proche, ou dans le style musical qui lui est le plus proche. Elgar en fait alors une orchestration, ce qui donne ses Variations Enigma.
La pièce a été créée à Londres le 19 juin 1899, sous la direction de Hans Richter. Les critiques ont été, dans un premier temps, quelque peu irrités par l'atmosphère mystificatrice de l'œuvre mais la plupart ont loué la substance, la structuration et l'orchestration de la partition, cette dernière devenant particulièrement populaire.
Voici donc ces variations Enigma:
Partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=Dsw4IhZ_uQ0&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=2WFL06es-HI&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=AbocgV_QYEk&feature=related&fmt=18

17 juin 1818 Naissance de Charles Gounod

2009-06-16T22:43:00.003+02:00

Charles Gounod est un compositeur français né à Paris le 17 juin 1818 et mort à Saint-Cloud le 18 octobre 1893. En 1839, il remporta le Grand Prix de Rome pour sa cantate Ferdinand.
Si Gounod reste surtout réputé pour ses opéras (Faust, Mireille, Roméo et Juliette) il composa également deux symphonies, une Petite symphonie pour neuf instruments à vent (1885) et de nombreuses œuvres de musique sacrée dont la Messe Solennelle de Sainte Cécile (patronne des musiciens que l'on fête le 22 novembre) un Requiem et son célébrissime Ave Maria, non destiné à être interprété dans une église et dérivé du premier prélude du Clavier bien tempéré de Bach. Il composa également de nombreuses mélodies sur des poèmes d'Alfred de Musset ou de Victor Hugo comme Venise, Ô ma belle rebelle, D'un cœur qui aime ou L'Absent qu'il a écrit lui même.
Voici donc de son Ave Maria et un extrait de sa messe Solennelle de Sainte Cécile:
Ave Maria par Andrea Bocelli
http://www.youtube.com/watch?v=l3JtQ6XKIVQ&feature=related&fmt=18
Messe solennelle de Sainte Cécile
http://www.youtube.com/watch?v=_kFNhsqyzZ0&feature=related&fmt=18

15 juin 1983 Naissance de Julia Fischer

2009-06-14T21:50:00.003+02:00

Julia Fischer (née à Munich le 15 juin 1983) est une violoniste et pianiste allemande. A 12 ans, elle est lauréate du Concours Yehudi Menuhin de violon en 1995.
Son répertoire reste essentiellement la musique concertante pour violon et orchestre. Elle n'a que peu abordé le domaine de la musique de chambre si ce n'est un enregistrement des Sonates et partitas pour violon solo de Bach.
Julia Fischer est également pianiste professionnelle. Sa première représentation en tant que telle date du 1er Janvier 2008, date à laquelle elle interpréta le concerto pour piano de Grieg sous la direction de Sir Neville Marriner à l'Alte Oper Frankfurt.
Voici Julia Fischer dans le premier concerto pour violon op 19 en ré majeur de Prokofiev:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=EG56JRNo3RM&feature=channel_page&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=f6e1tT6brRA&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=iVjk7v8nBAY&feature=related&fmt=18

12 juin 1995 Décès d'Arturo Benedetti Michelangeli

2009-06-12T00:02:00.002+02:00

Arturo Benedetti Michelangeli, est un pianiste italien né à Brescia le 5 janvier 1920 et mort à Lugano le 12 juin 1995.
Il est souvent considéré comme le pianiste italien le plus important du XXe siècle, après Ferruccio Busoni. Il a été entre autres le professeur de Martha Argerich et de Maurizio Pollini.
D'une personnalité singulière, il avait un sens de l'esthétique inné et un jeu d'une perfection absolue. Homme très secret, il détaillait peu sa vie privée mais, paradoxalement, il aimait faire courir des rumeurs sur son compte.
Le pianiste russe Evgeni Kissin a dit un jour de lui que jamais on n'a entendu Michelangeli jouer ne serait-ce qu'une seule fausse note.
Il ne jouait que lorsque les conditions étaient réunies pour donner le meilleur de lui-même; il a annulé nombre de ses concerts, parfois même en plein milieu, souvent parce que le piano n'était pas au niveau qu'il souhaitait. Il en était venu à se déplacer avec son propre piano qu'il savait parfaitement démonter et remonter lui-même. Son répertoire était relativement restreint comparé à son rang en tant que pianiste. De plus, son perfectionnisme obsessionnel a rendu ses enregistrements en studio d'autant plus rares. Néanmoins, ses enregistrements en concerts sont abondants.
Ses œuvres de chevet étaient le Gaspard de la nuit de Ravel, la Sonate n° 2 de Chopin et le Carnaval op. 9 de Robert Schumann. Sa lecture du Concerto n° 4 de Rachmaninov reste un standard, comparable à celle de Rachmaninov lui même, tout comme ses interprétations de Debussy.
Le voici dans le premier livre d'Images de Claude Debussy:
http://fr.youtube.com/watch?v=K4e0yJmbcN8&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=0LP7o4HHp0A&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=zEpU5_q5-Fk&feature=related&fmt=18

10 juin 1784 Création du Concerto pour piano n°17 de Mozart

2009-06-09T23:16:00.004+02:00

Sans commentaire il suffit d'écouter, le génie ne se commente pas, voici ce concerto par Dezső Ránki et l'English Chamber Orchstra dirigé par Jeffrey Tate:
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=s2aYVBaBNbU&feature=related&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=VG9KuDgZYtY&feature=related&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=B8_W3F4BfE0&feature=related&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=q-jzrT5fnSU&feature=related&fmt=18
mouvement n°3
http://www.youtube.com/watch?v=Yo7TKBxqno8&feature=related&fmt=18

9 juin 1991 Décès de Claudio Arrau

2009-06-08T18:15:00.004+02:00

Claudio Arrau, né à Chillán (Chili) le 6 février 1903 et mort à Mürzzuschlag (Autriche) le 9 juin 1991, est un pianiste chilien.
Ayant débuté comme enfant prodige dès l'âge de quatre ans, il connut l'une des carrières les plus longues et les plus admirées de la musique classique.
Le jeu d'Arrau se caractérise tout d'abord par un scrupuleux respect du texte. Il s'insurgera notamment contre le fait que le compositeur et pianiste Sergueï Rachmaninov ait, dans un de ses enregistrements, modifié la partition de la seconde sonate pour piano de Chopin. Pour autant, il sait faire respirer le texte et ses interprétations sont des modèles de l'art de faire sonner et de timbrer le piano. Ne le cédant en rien aux virtuoses du clavier tels Horowitz, sa technique, héritage directe de la technique de Liszt, fait merveille dans les œuvres les plus ardues du répertoire telles que les variations Paganini de Brahms. Pianiste à l'idiome poétique métaphysique, artiste angoissé (champion des traitements de psychanalyse), il avait ce toucher de velours que plusieurs pianistes lui enviaient. Sa « patte » léonine montrait une dynamique éblouissante qui, bien souvent, donnait l'impression qu'il jouait sur un clavier dont l'étendue dépassait les 88 notes. Rares sont les pianistes qui furent aussi à l'aise à la fois dans Beethoven et dans Chopin. Claudio Arrau savait les revisiter avec un souffle mélodique toujours intense, inquiet, ténu mais d'une précision psychologique exceptionnelle.
Le voici dans la dernière sonate de Beethoven, la vidéo permet de mesurer la technique de Claudio Arrau (observez ses substitutions de doigts en particulier au début du deuxième mouvement) mais surtout vous pourrez apprécier son interprétation de cette sonate que les grands pianistes n'abordent généralement que tard dans leur carrière car elle est un des sommets de la musique pour piano, certains analystes y voient le passage de la vie à l'au-delà…à vous de vous faire votre opinion…
Beethoven sonate n°32 op 111 en do mineur
mouvement n°1
http://www.youtube.com/watch?v=y6pct52B1js&fmt=18
mouvement n°2
http://www.youtube.com/watch?v=j78Cm6xhjmQ&feature=related&fmt=18
http://www.youtube.com/watch?v=7EifJN0SjoU&feature=related&fmt=18

5 juin 1941 Naissance de Martha Argerich

2009-06-04T23:47:00.004+02:00

Martha Argerich née à Buenos Aires le 5 juin 1941, est une pianiste argentine. Elle déteste la publicité faite autour de son nom ce qui l'amènera à s'éloigner de la scène pendant une partie importante de sa carrière. Elle n'accordera que peu d'entretiens avec le corollaire d'être mal connue du public. Elle est néanmoins considérée comme une des pianistes les plus talentueuses des temps modernes.
En 1957, âgée de seulement 16 ans, elle remporte deux concours importants, le Concours International d'Exécution Musicale de Genève et le Concours Busoni à Bolzano en l'espace de quelques semaines.
En 1965, elle crée la surprise lors du Concours International de Piano Frédéric Chopin de Varsovie en interprétant l'Étude op. 10 n° 1 de Chopin et une Mazurka du même compositeur. Son incroyable maîtrise de l'instrument, son extrême sensibilité et sa technique hors pair lui font remporter trois prix : le Premier Prix, le Prix du public et celui de la Meilleure interprétation des Mazurkas. Les critiques comme les spectateurs ne tarissent pas d'éloges.
Sauvage et rebelle, son indépendance qu'elle revendique elle-même haut et fort, est un cauchemar pour les organisateurs de ses concerts, elle se désiste au dernier moment de façon impromptue et répétée, ou bien se présente pour son récital mais décide d'interpréter des œuvres qui ne sont pas au programme ou encore arrête son travail au gré de sa fantaisie tout en sachant que son activité de concertiste est programmée pour plusieurs mois. C'est ainsi qu'elle décide brutalement de prendre du repos de 1961 à 1965, après avoir donné naissance à son premier enfant, puis, à nouveau, entre 1973 et 1976. Elle n'a jamais été poursuivie en rupture de contrat pour la simple raison que, jalouse de son indépendance, elle n'en a jamais signé!
Son caractère entier se manifeste jusque dans sa discographie: pas de grandes suites comme celles d'un Brendel, d'un Horowitz ou d'un Pollini. Elle interprète ce qu'elle aime en fonction de son inspiration.
Son caractère influence également sa vie privée. Elle épouse en premières noces Robert Chen dont elle aura une fille, Lyda Chen. De 1969 à 1973, elle est la femme du chef d'orchestre Charles Dutoit sous la direction duquel elle poursuit sa carrière de concertiste et discographique. De leur union naît son duexième enfant, Annie Dutoit. Son troisième mari est le pianiste américain Stephen Kovacevich avec lequel elle conçoit Stéphanie Argerich. Martha Argerich a également été la compagne des pianistes Michel Béroff et Alexandre Rabinovitch.
Depuis 1976, elle semble avoir repris une activité plus régulière, mais continue à revendiquer sa liberté. Elle est, pour certains, la dernière pianiste de légende, la meilleure pianiste de sa génération par sa grande sensibilité alliée à une technique virtuose considérée comme l'une des plus impressionnantes dans le cercle relativement restreint des plus grands interprètes contemporains. Certains n'hésitent pas à la comparer à Vladimir Horowitz ou a Maurizio Pollini.
Le répertoire de Martha Argerich est très étendu. Il recouvre de Bach jusqu'au compositeur contemporain d'origine russe Alexandre Rabinovitch en passant par Bartok, Beethoven, Chopin, Liszt, Debussy, et plus près de nous, Ravel, Franck, Prokofiev, Stravinski, et bien d'autres.
Artiste demandée par les chefs d’orchestres ainsi que par les orchestres les plus prestigieux, Argerich se produit dans de nombreux festivals de musique aux États-Unis, en Europe et au Japon. Elle joue régulièrement en compagnie du pianiste Brésilien Nelson Freire, son ami intime depuis 1957, du pianiste Alexandre Rabinovitch, du violoncelliste Mischa Maisky et du violoniste Gidon Kremer.
Comme on la voit rarement en récital voici son interprétation des scènes d'enfant op 15 de Robert Schumann:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=uOM-Ruentms&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=FSUJV7BrkdA&fmt=18

2 juin 1937 Création de Lulu d'Alban Berg

2009-05-31T18:39:00.005+02:00

Lulu est un opéra dodécaphonique, composé par Alban Berg juste avant sa mort. Il est resté très partiellement inachevé. Il a été complété en 1979 par Friedrich Cerha pour la version donnée cette année-là à Paris sous la direction de Pierre Boulez, dans une mise en scène de Patrice Chéreau.

La version qui est présentée ici est la version originale en deux actes se terminant par les variations et l'adagio de la suite orchestrale, telle qu'elle avait été représentée en 1937.

Prologue
L'opéra commence par la présentation de la ménagerie par le dompteur. Chaque animal de la ménagerie est représenté par une série dérivée de la série originelle, qui reviendra comme un leitmotiv wagnérien de l'œuvre, et symbolise un des amants de Lulu.

Premier acte
Première scène L'atelier du peintre
Dans l'atelier du peintre Lulu la femme du vieux médecin pose pour un jeune peintre. Le rédacteur et éditeur aisé le Dr Schön et son fils sont également présents. Le Dr Schön est depuis des années l'amant de Lulu mais avait tenté de lui échapper en la mariant au vieux médecin. Quand le Dr Schön et son fils quittent l'atelier c'est le peintre qui est attiré par Lulu et lui fait part de ses intentions de façon explicite mais le médecin arrive et les surprend, choqué par la situation il meurt subitement.
Deuxième scène Un salon élégant
Lulu mariée avec le peintre apprend les fiançailles du Dr Schön et reçoit le vieux Schigolch à qui elle parle de son mariage ennuyeux. Arrive le Dr Schön qui veut arrêter leur relation puisqu'il vient de se fiancer avec une jeune aristocrate mais Lulu veut l'épouser car c'est le seul homme qu'elle aime. Quand le Dr Schön raconte au peintre le passé de Lulu celui-ci s'aperçoit qu'elle lui a menti et se suicide.
Troisième scène Une loge de théâtre
Le Dr Schön a engagé Lulu comme danseuse dans un théâtre dans l'espoir de lui trouver un prétendant. Il ya justement un prince qui veut l'épouser et l'emmener en Afrique. Pendant que le Prince parle avec le fils du Dr Schön Lulu a simulé un évanouissement en scène car elle ne supporte pas la présence de la fiancée du Dr Schön. Celui-ci qui ne peut se séparer de Lulu accepte d'écrire une lettre de rupture de fiançailles pour rester avec Lulu.

Deuxième acte
Première scène Une salle magnifique dans la maison de Schön
Lulu est enfin devenue l'épouse de Schön mais celui-ci s'intéresse surtout à la bourse. Lulu reçoit des admirateurs la comtesse Geschwitz lesbienne, le vieux escroc Schigolch, un athlète vulgaire et un lycéen, même le valet de chambre et le fils de Schön sont attirés par Lulu. Schön rentré plus tôt que prévu de la bourse s'aperçoit que tout le monde y compris son propre fils tourne autour de Lulu qui n'y est pas insensible, il demande à Lulu de se suicider mais c'est elle qui le tue. Elle prie le fils de Schön de la laisser fuir mais il la livre à la police. L'interlude qui suit explique le comportement de Lulu par un abus subi dans l'enfance.
Deuxième scène La même salle détériorée dans la maison de Schön
La comtesse Geschwitz, le fils de Schön, Schigolch, l'athlète et le lycéen préparent la libération de Lulu qui, atteinte du choléra, peut fuir la prison grâce à un changement d'habits avec la comtessse. L'athlète est prêt à épouser Lulu et à l 'emmener à Paris. Lulu est libérée mais à bout de forces. Quand elle se retrouve seule avec le fils de Schön ils s'avouent leur amour et Lulu lui dit froidement que son Père est mort sur le divan. Ici s'arrête l'orchestration de Berg, sur les mouvements 4 et 5 de la suite orchestrale Lulu a échoué à Londres ou elle se prostitue. Un client sympathique au premier abord met fin au destin de Lulu, le tueur en série Jack l'Eventreur, il tue Lulu puis la comtesse.
Voici donc Lulu en intégralité:
Introduction et Prologue
http://www.youtube.com/watch?v=RXkvOiDSdPI&feature=channel_page&fmt=18
Acte I Scène 1
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=zKugvGS7AMs&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=6Pz7SyW_QHI&feature=related&fmt=18
Acte I Scène 2
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=Z4Q6m0Kn6C8&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=j-IldY75QSM&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=4C2YhuG1mjg&feature=related&fmt=18
Acte I Scène 3
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=XuWePzBf2nk&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=WwPu7jNOR4Y&feature=channel_page&fmt=18
Acte II Scène 1
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=cG-W1aD0lsw&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=0Ev5y9GFP5g&feature=channel_page&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=-Tb40WBno9g&feature=channel_page&fmt=18
Acte II Interlude Scène 2 et Acte III
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=0W9ZAju92xs&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=CThkFLwK-1w&feature=channel_page&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=TH8QlJQNMkw&feature=channel_page&fmt=18

31 mai Bicentenaire du décès de Joseph Haydn

2009-05-31T02:05:00.003+02:00

Joseph Haydn né à Rohrau sur la Leitha en Basse-Autriche, le 31 mars 1732 et mort à Vienne le 31 mai 1809, est un compositeur de musique classique autrichien. Il incarne le classicisme viennois au même titre que Mozart et Beethoven, les trois compositeurs étant regroupés par la postérité sous le vocable de "trinité".
La carrière musicale de Joseph Haydn couvre toute la période allant de la fin du baroque aux débuts du romantisme. Il est à la fois le pont et le moteur qui a permis à cette évolution de s'accomplir. L'image du "Papa Haydn" ne vient pas des titres de Père de la symphonie ou de Père du quatuor à cordes généreusement décernés au XIXe siècle et même de nos jours. La création de ces genres relève d'une genèse un peu plus complexe, mais Haydn a très largement contribué à leur émergence et leur consolidation.
Malgré une différence d'âge de 24 ans Haydn fut un ami très proche et très admiratif de Mozart qui lui vouait également une grande admiration.
En 1790 le prince Nicolas Ier Esterházy qui était le protecteur d'Haydn meurt. Un violoniste célèbre l'invite à Londres ou il se rend, il y composera plusieurs symphonies. De retour à Vienne en juillet 1792 il aura un nouvel élève: Beethoven ! Il termine sa carrière par une série de quatuors à cordes et décède pendant l'occupation de Vienne par les troupes Napoléoniennes. Quinze jours plus tard un service funèbre d'hommage lui est rendu dans lequel on joue le Requiem de Mozart.
Voici une des symphonies "londoniennes" de Haydn qui porte le n°97 dirigée par Leonard Bernstein:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=YN4wMvA5nlA&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=EKK305TSnlw&feature=related&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=63bIR4hpAI4&feature=related&fmt=18

28 mai 1925 Naissance de Dietrich Fischer-Dieskau

2009-05-28T01:12:00.002+02:00

Dietrich Fischer-Dieskau (né sous le nom de Albert Dietrich Fischer von Dieskau) est un baryton allemand, également chef d'orchestre et musicologue, né à Berlin le 28 mai 1925. Il fut l'un des grands interprètes du XXe siècle.
Cet artiste lyrique demeure l'un des plus grands interprètes de la musique vocale du XXe siècle. Sa carrière fut impressionnante entre toutes par sa durée, par la quantité des œuvres enregistrées, et enfin par la qualité et la diversité des répertoires abordés. Destin exceptionnel du XXe siècle, l'homme conjugue en lui excellence et éclectisme.
Celui qui sait plus de 1500 lieder (Brahms, Schubert, Schumann, Hugo Wolf, Gustav Mahler) a chanté autant d'œuvres sous la direction des plus grands chefs de son temps : Wilhelm Furtwängler, Ferenc Fricsay, Herbert von Karajan, Otto Klemperer, Eugen Jochum, Georg Solti, George Szell, Rafael Kubelik, Karl Richter.
Dietrich Fischer-Dieskau fut accompagné des pianistes les plus célèbres comme par exemple Wolfgang Sawallisch, Sviatoslav Richter, Alfred Brendel, Murray Perahia ou Herta Klust.
L'histoire de la musique enregistrée du XXe siècle retiendra sûrement son apport encyclopédique dans le domaine du Lied. Au sommet de sa carrière, il enregistra pour la Deutsche Grammophon en 1968 l'intégrale des 600 lieder de Schubert.
Voici quelques lieds de Schubert extraits de la série D957 Schwanengesang (Le chant du cygne) interprétés par Dietrich Fischer-Dieskau:
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=leIQmRtCiOw&feature=related&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=feiTVkQBhIo&feature=related&fmt=18
partie 3
http://fr.youtube.com/watch?v=V5ibYQ2MxcI&feature=related&fmt=18
partie 4
http://fr.youtube.com/watch?v=uucwdI5GIww&feature=related&fmt=18
partie 5
http://fr.youtube.com/watch?v=yME2IiiFDAk&fmt=18

27 mai 1840 Naissance de Niccolò Paganini

2009-05-26T23:39:00.004+02:00

Niccolò Paganini est un violoniste, altiste, guitariste et compositeur italien (né à Gênes le 27 octobre 1782, mort à Nice le 27 mai 1840). Il est souvent évoqué comme étant le plus grand violoniste jamais connu. Il fut aussi un compositeur majeur, inventant de nouvelles façons d'utiliser le violon.
Paganini est un compositeur de la période fort riche constituée par la fin du classicisme et le début du romantisme, au début du XIXe siècle. Il est ainsi contemporain de Beethoven, Schubert, Rossini, Chopin, Liszt, Berlioz, dont certains deviendront des amis du compositeur (Berlioz composera pour lui "Harold en Italie", Liszt s'inspirera des ses caprices pour écrire différentes œuvres pour piano seul, par exemple).
Mais Paganini n'est pas un simple contemporain de la naissance du romantisme, il en est l'un des créateurs majeurs. Tout comme les travaux de Chopin et Liszt vont faire entrer le piano dans l'univers romantique, tout comme ceux de Beethoven et Berlioz métamorphosent l'art symphonique, Paganini révolutionne la technique et l'utilisation du violon.
Bien qu'ayant relativement peu composé, Paganini laisse des œuvres majeures qui influenceront la plupart des compositeurs d'œuvres pour violon, ou pour violon et orchestre, lui succédant. On peut citer ici Vieuxtemps, Spohr, Wienawski, Mendelssohn, Saint-Saëns, Sibelius, ou Glière, entre autres. On constate que cette influence ne se limite pas au XIXe siècle mais se poursuit jusqu'au XXe, même si l'on voit progressivement apparaître des compositions différentes, comme celles de Tchaïkovski et Rimski-Korsakov, puis Kabalevski, Chostakovitch ou Prokofiev. De même que pour les premiers romantiques suscités, il est assez difficile de trouver des antécédents au style et à la technique de Paganini, même si l'on peut penser aux travaux de Locatelli ("l'arte del violino"), ou Vivaldi dans une certaine mesure.
Voici quelques exemples des compositions les plus célèbres de Paganini:
Musique pour violon
avec accompagnement de piano
Cantabile par Sarah Chang
http://www.youtube.com/watch?v=SEtens6JJp8&feature=related&fmt=18
La Campanella par Leonid Kogan
http://fr.youtube.com/watch?v=lWaOnqmtr9U&feature=related&fmt=18
solo
Caprice n°2 en Si mineur par Julia Fischer
http://www.youtube.com/watch?v=E3TBFUZ3ovE&NR=1

26 mai 1904 Naissance de Vlado Perlemuter

2009-05-26T02:55:00.003+02:00

Vlado Perlemuter, né le 26 mai 1904 à Kovno (ville polonaise devenue Kaunas en Lituanie) et décédé le 4 septembre 2002, était un pianiste français d'origine polonaise.
Le père de Vlado Perlemuter, un chantre et rabbin, décide d'émigrer à Paris en 1907. Vlado prend ses premiers cours de piano à l'âge de neuf ans, et quatre ans plus tard entre au Conservatoire de Paris où il est notamment élève de Moritz Moszkowski et d'Alfred Cortot. Parallèlement, il joue dans les cinémas pour accompagner des films muets. Vlado Perlemuter remporte de nombreuses récompenses dans sa jeunesse : premier prix de piano du conservatoire de Paris (1919); Prix d'honneur et prix Diemer (1920). C'est en 1922 à Paris qu'il donne son premier concert.
De 1924 à 1927 il étudie les œuvres de Maurice Ravel et finit par rencontrer le compositeur à plusieurs reprises. En 1929 il est le premier à donner une intégrale des œuvres de Ravel en deux récitals.Il s'installe ensuite quelques années à Londres. Alors qu'il est tenu pour un des pianistes les plus renommés de l'époque, sa carrière connaît une interruption en raison de la guerre et ses conséquences. Pendant cette période il se réfugie en Suisse. Ce n'est qu'en 1950 qu'il donne à nouveau des concerts à Paris et il est nommé professeur au Conservatoire de Paris en 1951. Il y enseigne jusqu'en 1977. Ayant alors plus de temps, il revient au studio d'enregistrement et apparaît de plus en plus en public, donnant jusqu'à plus de 70 concerts par an. En Grande-Bretagne, il a enregistré de nombreuses émissions pour la BBC dont une intégrale de la musique de Chopin. Il donne son concert d'adieu le 7 mai 1993 à Genève, deux jours après avoir été nommé Grand Officier de la Légion d'honneur. Il meurt en 2002 à l'âge de 98 ans.
Voici un exemple des interprétations de Vlado Perlemuter dans deux nocturnes de Gabriel Fauré:
Nocturne n°1 op 33 en Mi bémol mineur
http://www.youtube.com/watch?v=Xk96Gxt2aY8&feature=related&fmt=18
Nocturne n°7 op 74 en Do dièse mineur
http://www.youtube.com/watch?v=iviWdAjpcDc&feature=channel_page&fmt=18

22 mai 1813 Naissance de Richard Wagner

2009-05-22T00:04:00.003+02:00

Richard Wagner (22 mai 1813, Leipzig - 13 février 1883, Venise) est un compositeur allemand. Génie hors normes d'une rare universalité, Wagner doit son importance dans l'histoire de la musique occidentale à ses opéras, en particulier L'Anneau du Nibelung, festival scénique en un prologue et trois journées dont il écrivit lui-même les poèmes et dont la conception bouscula délibérément les habitudes de l'époque pour aller, selon ses propres termes, vers un "art total", spectacle complet, mélodie continue et emploi du leitmotiv. Wagner est un cas rarissime de génie simultanément littéraire et musical. L'aspect littéraire étant bien sûr plus difficile à apprécier si l'on n'a pas une excellente connaissance de la langue allemande.
Sa vie bohème et fantasque lui fit endosser de multiples habits: révolutionnaire sans le sou, fugitif traqué par la police, homme à femmes, confident intime du roi Louis II de Bavière, critique et analyste musical, intellectuel en proie aux errements idéologiques de son époque (antisémite notoire) qui sera récupéré par les nazis: son comportement et ses œuvres ne laissaient personne indifférent. Aussi doué pour nouer des amitiés dans les cercles artistiques et intellectuels que pour les transformer en inimitiés, sachant créer le scandale comme l'enthousiasme, il a suscité des avis partagés et souvent enflammés de la part de ses contemporains. Ses conceptions artistiques avant-gardistes ont eu une influence déterminante dans l'évolution de la musique dès le milieu de sa vie.
À l'égal d'un Verdi né la même année, mais au style radicalement différent, il est considéré comme l'un des plus grand compositeurs d'opéras du XIXe siècle.
Nous aurons l'occasion de revenir sur les différents opéras de Wagner, voici pour l'instant quelques extraits significatifs.
Tannhauser
Ouverture par Leonard Bernstein
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=fgpOctKSwp4&feature=related&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=kRX5GaH4B_k&fmt=18
Tristan et Isolde
Prélude par Zubin Mehta
http://www.youtube.com/watch?v=fktwPGCR7Yw&fmt=18
La Walkyrie
La chevauchée des Walkyries par Pierre Boulez
http://www.youtube.com/watch?v=1aKAH_t0aXA&fmt=18

Clara Schumann

2009-05-19T23:32:00.002+02:00

Un erreur s'est glissée dans les liens donnés voici ceux qu'il convient d'utiliser:
mouvement 1:
http://www.youtube.com/watch?v=coAULW2ipiY&feature=related&fmt=18
mouvement 2:
http://www.youtube.com/watch?v=v7m8rNoUKaE&feature=related&fmt=18
mouvement 3:
http://www.youtube.com/watch?v=v7m8rNoUKaE&feature=related&fmt=18

20 mai 1896 Décès de Clara Schumann

2009-05-19T22:44:00.004+02:00

Clara Schumann, de son nom de naissance Clara Wieck, est une pianiste et compositrice allemande, née à Leipzig le 13 septembre 1819 et morte le 20 mai 1896 à Francfort-sur-le-Main.
Son père n'est autre que le célèbre pédagogue du piano Friedrich Wieck qui fit d'elle une concertiste prodige dès l'âge de neuf ans. En 1827, elle rencontre son futur époux, Robert Schumann (elle a huit ans, il en a dix-sept), qui viendra étudier auprès de son père. Clara donne son premier concert au Gewandhaus de Leipzig, où elle est remarquée par Goethe. En tournée à Paris, elle connaît un triomphe. En 1829, Clara publie ses premières œuvres, Quatre Polonaises. En 1832, Robert publie les Papillons, Clara jouera ce morceau en concert l'année même. Entre 1834 et 1836, elle compose les Soirées Musicales, qui connaissent un grand succès notamment auprès de Liszt.
Quand elle s'éprend de Robert Schumann, elle a seize ans. Robert demande sa main à son père lorsque la jeune fille atteint sa dix-huitième année. Wieck s'oppose vigoureusement à leur mariage. Les amoureux sont séparés de force, mais communiquent par le biais d'amis et de messages musicaux dans les concerts de Clara. Le mariage est cependant célébré en 1840 à Schönefeld par décret de la cour de justice. Huit enfants sont issus de leur union, ce qui tend à ralentir sérieusement le parcours musical de Clara.

Première interprète des œuvres de son mari, elle fait connaître et apprécier sa musique, dont elle était la seule à bien comprendre les délicatesses selon lui. Clara est elle-même l'auteur d'une quarantaine d'œuvres, mais elle a en partie négligé la compositrice au profit de l'inspiratrice et de la pianiste.
En 1853 elle fait la connaissance de Brahms par l'intermédiaire de son mari qui s'est fortement engagé pour le faire connaître.
En 1854, Robert Schumann est interné. La relation entre Clara Schumann et Brahms s’intensifie. Ils vivent dans la même maison à Düsseldorf. Les échanges d’idées avec Clara et Robert Schumann transparaissent dans ses variations pour piano op. 9 sur un thème de Robert Schumann, qui a pu les écouter à Endenich et les a trouvées magnifiques. Dans les mesures 30–32 de la dixième variation, apparaît dans la voix du milieu, un thème de Clara, que Robert Schumann avait également repris dans son op. 5.
Entre 1854 et 1858, Clara Schumann et Brahms échangent de nombreuses lettres, témoignages qu’ils se sont ensuite accordés à détruire presque entièrement. Il nous reste encore aujourd’hui quelques lettres de Brahms, elles reflètent l’image d’une passion grandissante. Au début, il lui écrit « vous » « chère madame », puis « très chère amie », et finalement « mon amie bien-aimée », et à la fin « Ma bien-aimée Madame Clara ». Dans une lettre du 25 novembre 1854, il écrit soudainement :
« Très chère amie, comme le « tu » intime me regarde tendrement ! Mille merci pour cette lettre, je ne peux pas m’arrêter de la regarder et de la relire, comme si je la lisais pour la première fois; rarement les mots ne m’ont autant manqué que lorsque j’ai lu votre dernière lettre.»
Lui, le plus jeune qui n’avait pas osé suggérer le tutoiement, y est à présent confronté. Il s’habituera progressivement à cette intimité. Dans une lettre du 31 mai 1856, il écrit très clairement: «Ma bien-aimée Clara, je voudrais, je pourrais t’écrire tendrement combien je t’aime et combien je te souhaite de bonheur et de bonnes choses. Je t’adore tellement, que je ne peux pas l’exprimer. Je voudrais t’appeler par des « chérie » et d’autres termes affectueux sans en être rassasié, pour te courtiser. (…) Tes lettres sont pour moi comme des bisous.»
Cette lettre sera la dernière avant l’évènement prévisible et pourtant soudain qui bouleversera la nature même de leur liaison: le décès de Robert Schumann le 29 juillet 1856. En octobre de la même année, Brahms qui nourrit encore l’espoir de pouvoir consoler "sa" Clara pendant cette période de deuil, devra pourtant se résigner. Elle s’éloigne peu à peu de lui. Les lettres échangées perdent de leur passion. Clara se lance à corps perdu dans des tournées en Angleterre, France, Russie… jusqu'en 1891, date de son dernier concert. Elle enseigne par ailleurs le piano au Conservatoire de Francfort de 1878 à 1892. De 1881 à 1893, elle établit une édition complète des oeuvres de son mari, qu'elle n'aura de cesse de défendre. C'est précisément en écoutant son petit-fils, Ferdinand, interpréter une œuvre de son célèbre aïeul qu'elle s'éteint le 20 mai 1896, ayant enduré vers la fin de sa vie des problèmes de surdité.
Voici son concerto pour piano en la mineur comme celui de son mari:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=rfB0lW0w_t4&feature=channel_page&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=y9znGhOWxQQ&fmt=18
partie 3
http://www.youtube.com/watch?v=HgE11nwZ0t0&feature=related &fmt=18

19 mai 1886 Création de la Symphonie n°3 "avec orgue" de Camille Saint Saëns

2009-05-18T22:40:00.003+02:00

La Symphonie n° 3 en do mineur op. 78, dite « avec orgue », est l'une des œuvres symphoniques les plus célèbres de Camille Saint-Saëns. Il s'agit, en fait, de la cinquième symphonie du musicien, ce dernier ayant répudié ses œuvres de jeunesse. Son écriture s'étend entre 1885 et 1886 et elle est dédiée à son ami Franz Liszt décédé le 31 juillet 1886.
Il s'agit d'une commande de la Royal Philharmonic Society (Grande-Bretagne) et sa création eut lieu le 19 mai 1886 à Londres sous la direction du compositeur.
Bien qu'étant souvent découpée en quatre parties, Saint-Saëns a écrit cette symphonie en deux mouvements, la structure traditionnelle en quatre mouvements étant conservée : 1. Adagio – Allegro moderato, Poco adagio; 2. Allegro moderato – Presto, Maestoso – Allegro.
Voici cette symphonie dirigée par Charles Munch:
http://fr.youtube.com/watch?v=4bV11c91D4k&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=_-KEVlAbyk8&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=fJAIdyKadw0&feature=related&fmt=18
http://fr.youtube.com/watch?v=TCKiZRWyv20&feature=related&fmt=18

18 mai 1897 Création de l'Apprenti sorcier de Paul Dukas

2009-05-17T00:47:00.002+02:00

L'Apprenti sorcier est un scherzo symphonique de Paul Dukas composé à partir d'une ballade de Goethe. Un jeune apprenti sorcier tente d'animer un balai pour que l'objet effectue le travail que son maître, parti faire une course, lui a assigné. Il faut remplir une bassine d'eau en prenant des seaux et en les vidant avec tout un trajet à parcourir. Le balai s'arrête sur le moment, mais l'apprenti sorcier, qui avait déjà du mal à contrôler un balai, doit maintenant faire face à des centaines de balais. L'eau déborde et inonde la demeure du magicien, qui devient une piscine géante. Ce dernier arrive enfin et répare les dégâts provoqués par l'apprenti. Les quatre dernières notes, claquantes, font penser à une gifle punissant l'imprudent.
L'œuvre doit probablement une très grande part de sa popularité au fait qu'elle fournit le thème d'une des séquences du dessin animé Fantasia de Walt Disney dans lequel le rôle de l'apprenti sorcier est dévolu à Mickey Mouse.
partie 1
http://fr.youtube.com/watch?v=ZbYse0gZZdU&feature=related&fmt=18
partie 2
http://fr.youtube.com/watch?v=qo8ET3czCj0&feature=channel&fmt=18

15 mai 1567 Naissance de Claudio Monteverdi

2009-05-15T01:31:00.003+02:00

Claudio Monteverdi (15 mai, 1567 - 29 novembre, 1643) est un compositeur italien. Son œuvre, exclusivement vocale, se situe à la charnière de la Renaissance et de la musique baroque. Au cours de sa longue vie, il a produit des pièces appartenant aussi bien au style ancien qu'au nouveau et a apporté d’importants changements dans le style de son époque. Il est considéré comme l'un des créateurs de l'opéra et, avec l'Orfeo, comme l'auteur du premier chef d'œuvre du genre. Il est également le dernier grand représentant de l'école italienne du madrigal, genre auquel il a consacré huit Livres, ainsi que l'auteur d'une abondante œuvre de musique religieuse (messes, vêpres, motets...).
Musique sacrée
Vêpres
de la Vierge Marie par John Eliot Gardiner
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=WQCOr8UiS7I&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=QXUR59duxxU&feature=related&fmt=18
Opéra
L'Arianna
Lasciatemi morire par Kathleen Ferrier
http://www.youtube.com/watch?v=GFOEuGJd-qA&fmt=18
Musique vocale
Chant
Lamento della Ninfa par Nathalie Dessay
http://www.youtube.com/watch?v=-qz2aj2oB68&fmt=18

12 mai 1845 Naissance de Gabriel Fauré

2009-05-13T02:05:00.003+02:00

Gabriel Fauré, né à Pamiers le 12 mai 1845 et mort à Paris le 4 novembre 1924, est un compositeur français. Élève de Saint-Saëns à l'École Niedermeyer de Paris, il est d'abord organiste à l'église de la Madeleine à Paris. Il est ensuite professeur de composition au Conservatoire de Paris, puis directeur de l'établissement de 1905 à 1920.
Avec Debussy, Ravel et Saint-Saëns, il est l'un des grands musiciens français de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.
Gabriel Fauré s'intéresse davantage à l'idée musicale qu'à l'orchestration. Ainsi, il laisse près d'une centaine de mélodies, et un répertoire conséquent en matière de musique de chambre et de salon. Mais seulement une dizaine de pièces pour orchestre, notamment destinées au théâtre avec de grandes réussites comme Pelléas et Mélisande.
Les œuvres de Fauré, de facture classique, se distinguent par la finesse de leur mélodie ainsi que par l'équilibre de leur composition. Le langage harmonique de Gabriel Fauré est de nos jours étudié dans les conservatoires. C'est un style d'écriture à part entière, présentant de nombreuses idées originales. Si Gabriel Fauré est reconnu pour son génie harmonique, il est en outre considéré comme le maître de la mélodie française.
Musique vocale
Chant
Après un rêve par Kiri Te Kanawa
http://www.youtube.com/watch?v=Oq4iEhRpAcY&fmt=18
Musique pour chœur et orchestre
Pavane op 50 par Daniel Barenboim
http://www.youtube.com/watch?v=n2bYmnWvFKo&fmt=18
Musique pour piano
Barcarolle
n°5 en Fa dièse mineur par Robert Casadesus
http://www.youtube.com/watch?v=V3A88CYIQsc&feature=channel_page&fmt=18
Impromptu
n°2 op 31 par Yvonne Lefébure
http://www.youtube.com/watch?v=ghlPLLN9j7c&feature=related&fmt=18
Nocturne
n°5 op 66 en Fa dièse mineur par Vlado Perlemuter
http://www.youtube.com/watch?v=-xRsCox2IJU&feature=channel_page&fmt=18

8 mai 1911 création des Valses nobles et sentimentales de Maurice Ravel

2009-05-07T22:47:00.003+02:00

Les Valses nobles et sentimentales pour piano de Maurice Ravel furent composées en 1911. La partition porte en exergue une citation du poète Henri de Régnier "le plaisir délicieux et toujours nouveau d'une occupation inutile ". Ravel les orchestra pour le ballet en 1912 sous le titre Adélaïde ou le langage des fleurs..Le titre en a été choisi en hommage à Franz Schubert, auteur vers 1823 de deux recueils de valses baptisées Valses nobles et Valses sentimentales.
Leur création, au cours d'une soirée privée, eut lieu le 8 mai 1911 par Louis Aubert auxquelles elles ont été dédicacées. De manière anecdotique, le pianiste joua différentes œuvres nouvelles dont les auteurs restaient anonymes : très peu reconnurent alors la marque de Ravel. Les dissonances de la première valse, notamment, déroutèrent l'auditoire. La septième, que Ravel considérait comme "la plus caractéristique" des huit, préfigure nettement l'apothéose de La Valse (1919).
Voici ces valses par Sviatoslav Richter:
partie 1
http://www.youtube.com/watch?v=x8Q2xbaMGpU&fmt=18
partie 2
http://www.youtube.com/watch?v=Mm8P86Et_hg&feature=related&fmt=18